imminente

Intervista a Stefano Giulidori

2010-03-03T10:23:00.000-08:00

tratto dall'imminente dell'aprile 2007

Il cinema?

Una mappa topografica della mente

Quando hai capito di voler fare cinema e di diventare un regista?

Non ho mai pensato di fare nient'altro, sin da quando ero bambino. Andavo al cinema regolarmente a vedere film spesso poco adatti alla mia età, oppure i blockbusters dell'epoca, secondo me molto belli negli anni 80. Dopo il liceo ho cominciato a lavorare in campo cinematografico facendo il proiezionista nei festival per poi entrare alla scuola del cinema di Milano, occupandomi dapprima di produzione. Il primo vero lavoro è stato fare l'assistente di produzione del film di Studio Azzurro, il Mnemonista. Quando ho deciso che la gavetta era finita ho iniziato a girare il primo cortometraggio.

Quali sono gli ostacoli che si incontrano?

Gli ostacoli sono interiori. Non credo sia poi così difficile fare un film oggi. È una questione di volontà, di desiderio di insistere. Diventare un regista e guadagnarsi da vivere così è un altro discorso. L'ostacolo fondamentale qui a Milano è che non c'è una cultura cinematografica di entertainment. Filmaker, il progetto che da anni permette ai giovani di realizzare i proprio progetti, resta sempre legato a una finalità sociale, a quella che viene chiamata anche alla Civica, l'urgenza del film, che deve essere un urgenza prettamente politica. Non c'è il desiderio di fare un film di genere, di intrattenimento.

Tu ti sei formato presso la Civica di Milano, cosa ci puoi dire in merito?

La Civica è una buona scuola, la migliore a Milano. È una realtà da cui escono una buonissima percentuale di persone che riescono a lavorare in questo ambito. Non parlo solo di cinema ma soprattutto di tv e nuovi mezzi di comunicazione, dove la richiesta è maggiore. Purtroppo ci sono delle lacune: non ci sono dei corsi legati a reparti fondamentali come scenografia, trucco, costumi, non c'è il corso di recitazione perchè per questo ci si appoggia alla Civica Paolo Grassi. I corsi tecnici sono senza dubbio i più qualificati: ripresa, audio, montaggio, e produzione. Il destino migliore forse ce l'hanno coloro che escono dal corso di sceneggiatura, che vengono poi scelti come autori.

Il tuo ultimo lavoro è dedicato a Giorgio Scerbanenco, che Milano racconta nei suoi romanzi ?

È quella che oggi è la zona tre, Venezia-Città Studi-Loreto, un luogo di immigrazione e di frontiera. Come Truffaut ha raccontato perfettamente gli anni 60 a Parigi, senza mostrare mai il fermento culturale e politico del periodo ma attraverso gli occhi dei suoi personaggi, così ha fatto Scerbanenco attraverso quelli di Lamberti e di coloro che popolano le sue storie: una Milano ubriaca di boom economico, tuttavia squarciata dai fantasmi della seconda guerra mondiale. Scerbanenco anticipa anche il volto della città che sarà, un territorio di guerra, o meglio di guerriglia. Oggi di quella città restano solo alcuni scorci: la piscina vuota dell'ippopotamo dello zoo di Porta Venezia o il diurno Venezia con le due colonne enormi davanti allo Spazio Oberdan. In Scerbanenco by numbers il desiderio era di fare un film d'epoca, e per farlo ho usato proprio questi scorci immutati nel tempo. Girare questo film per me è stato come porre le basi per un progetto futuro, un quaderno di schizzi in vista della realizzazione di un lungometraggio tratto dai testi di Giorgio Scerbanenco.

Stai pensando di girare altri lavori legati alla città?

Più che da città sono interessato da luoghi della mente, luoghi linchyani. Mi affascinano i sogni che non ti permettono di ricostruire la morfologia di una casa, dove apri una porta e ti ritrovi in una salotto che però è dentro un teatro, ti giri e sei in mezzo a una strada. Questo, secondo me, è il compito del cinema, il film deve essere una mappa topografica della mente. Come dei passaggi segreti nei castelli medievali. Lynch è uno dei pochi che riesce a fare questo tipo di cinema, insieme al Lars Von Trier della trilogia della E. Un altro grande autore di questi percorsi della mente era Andrej Tarkovskij.

Pellicola o digitale?

Non è questione di preferenza. Quello che ti può dare un supporto non te lo darà mai l'altro. Ci sono storie che vanno raccontate in digitale e altre che sono perfette per la pellicola. Il problema è chi fa i film in digitale immaginandoseli in 35mm e poi ripiega nel digitale magari affermando di aver sempre voluto lavorare con la telecamera. A Milano sono in molti così. È una mistificazione che la pellicola costi tanto: non sono cifre insormontabili e valgono ciò che guadagni nel risultato del film. Inoltre lavorando in digitale come si deve non si spende molto di meno.

Dacci una definizione di Cinematografico

Non ti saprei rispondere a parole. Potrei farlo con le immagini dei miei film, o con quelle dei grandi del cinema, che si sono posti come problema lo specifico filmico, su ciò che è puramente cinema. Forse dovrei darti una risposta fisica. Alcuni registi sono riusciti a ricreare un imprinting del cinema puro sulle loro immagini: Antoine Doinel che batte il pugno sul vetro salutando Renèè, Jean Paul Belmondo che corre alla fine di A bout de Souffle, i carelli infiniti di Tarkovskij, i grande Chaplin. Gli unici che riescono a fare del cinematografico oggi sono Kaurismaki,Von Trier, Kitano, Lynch e Besson. Per darti una definizione, cinematografico è quel tipo di cinema che è riuscito a fissare delle immagini e delle sequenze che sono rimaste nell'immaginario collettivo. Ed è quello che mi sforzerò di fare in tutti i miei lavori.

COI TEMPI CHE CORRONO

2009-06-19T09:45:00.000-07:00

8 luglio
presso il BoccascenaCafè

COI TEMPI CHE CORRONO

Scritto da Antonino Valvo e Giacomo Bisanti
Con Ennio Giuliani, Samuel Sciarra e Tommaso Tognotti
Musiche di Nicolò Lavelli
Regia di Antonino Valvo

Tommaso Magrini è un ragazzo intelligente, ambizioso e disoccupato. Il giorno del colloquio più importante della sua vita Tommaso è pronto ad affrontare qualunque prova pur di ottenere un posto sicuro. Ma non può immaginare cosa stia per capitargli. Una dramma comico contemporaneo che mette a nudo le regole italiche del mondo del lavoro in una vicenda a metà strada tra Hitchcock e Ionesco. I personaggi del cortometraggio mentono su tutto e solo alla fine, con un assurdo colpo di scena, la verità emergerà in tutta la sua cattiveria (e ci scappa anche il morto).

L’imminente è una rivista indipendente nata nel 2005. Inizialmente dedicata esclusivamente al cinema, dal 2008 ha ampliato il suo sguardo critico verso altre forme artistiche. Da sempre impegnata nella promozione e l’organizzazione di eventi culturali nuovi e originali, con la produzione di Coi Tempi Che Corrono, cortometraggio indipendente scritto e diretto dallo stesso gruppo di redattori, passa a dare forma filmica alla sua proposta editoriale.

DISTOPIA

2009-06-19T09:22:00.000-07:00

Rassegna culturale

di umorismo nero e ricerca del sublime

6/8/10 luglio

Presso il BoccascenaCafè
Corso Magenta 24, milano

Aperitivo dalle 18.30
Inizio spettacoli 21.15

INGRESSO GRATUITO

Distopia?
Distopia è un progetto nato da attori, musicisti e autori della scena indipendente milanese. Il significato di distopia si oppone a quello di utopia (un non luogo dove tutto è come dovrebbe essere) nel rappresentare una società alla deriva, spiacevole e indesiderabile: l'obiettivo è ammonire sulle conseguenze di un sistema che non persegue il progresso dell'umanità bensì il suo declino.
La rassegna che si terrà al Boccascenacafè, all'interno di Palazzo Litta, in cui si trova il più antico teatro attivo della città, si propone di presentare con umorismo e professionalità tre epigoni umani, tre storie diverse ma legate tra loro dal paradosso che muove i conflitti tra i personaggi.

Programma

6 luglio
The Tom Macmalaman Show
ritorno al periodo macabro

Scritto e diretto dalla compagnia de I Travagliati
Con Marika Pensa, Tommaso Tognotti e Stefania Umana

U n poeta travagliato, Tom Macmalaman cerca l’estate tutto l’anno e all’improvviso eccola qua, mentre le proiezioni della sua mente e del suo corpo fanno del suo ego il campo di battaglia della pazzia e dell'incoerenza umana…ana.
In una società che ci bombarda di idoli e vitelli d'oro, lo Show cerca di tornare, attraverso poesia e azione, ai valori mesti, con una comicità surreale mista ad un senso di angoscia. Inutilità, incomunicabilità, superficialità, ripetitività e gastronomia vengono presi di mira, amplificati e infine ridicolizzati attraverso la parola e situazioni paradossali…ali.
Insomma, I Travagliati vogliono dire NO, ma a che cosa poi? Alla società in cui viviamo? Al nostro stile di vita? Al nostro modo di amare? Al nostro modo di ragionare? Che cos'è la normalità? Esiste davvero? Se sì, è riconoscibile? E se è riconoscibile è comunicabile? Eh?? Ciao.

8 luglio
Coi tempi che corrono

Scritto da Antonino Valvo e Giacomo Bisanti
Con Ennio Giuliani, Samuel Sciarra e Tommaso Tognotti
Musiche di Nicolò Lavelli
Regia di Antonino Valvo

Tommaso Magrini è un ragazzo intelligente, ambizioso e disoccupato. Il giorno del colloquio più importante della sua vita Tommaso è pronto ad affrontare qualunque prova pur di ottenere un posto sicuro. Ma non può immaginare cosa stia per capitargli. Una dramma comico contemporaneo che mette a nudo le regole italiche del mondo del lavoro in una vicenda a metà strada tra Hitchcock e Ionesco. I personaggi del cortometraggio mentono su tutto e solo alla fine, con un assurdo colpo di scena, la verità emergerà in tutta la sua cattiveria (e ci scappa anche il morto).
L’imminete è una rivista indipendente nata nel 2005. Inizialmente dedicata esclusivamente al cinema, dal 2008 ha ampliato il suo sguardo critico verso altre forme artistiche. Da sempre impegnata nella promozione e l’organizzazione di eventi culturali nuovi e originali, con producendo questo cortometraggio passa a dare forma filmica alla sua proposta editoriale.

10 luglio
Moby Dick

tratto da Moby Dick di H. Melville
Con Marika Pensa e Samuel Sciarra
Musica e suoni di Walter Bagnato
Regia Marika Pensa e Samuel Sciarra

Un’interpretazione del capolavoro di Melville che esalta le numerose allegorie presenti nel testo, rappresentate dall'ossessione di Achab e dal grande simbolismo evocato dal mare. Il desiderio di conoscenza, e l'eterna inclinazione dell'uomo a sprofondare in un pensiero ossessivo, non tiene conto né del raziocinio nè dei limiti invalicabili della natura e di Dio, ma travolge ogni altra cosa nel momento stesso in cui sfida l'infinito.
La consapevolezza di non poter avvicinare così tanto il "fuoco" della conoscenza, senza subirne le conseguenze, rende, ancora oggi, quest'opera attualissima, e induce lo spettatore a interrogarsi su questioni che hanno origine con la comparsa dell'uomo.
Due attori e un musicista sulla scena, rievocano ambientazioni, pensieri interiori, riflessioni filosofiche, che appartengono all'animo di ognuno di noi. Moby Dick è una vera e propria performance attorale e musicale, di cui lo spettatore è parte integrante.

MOBY DICK

2009-06-19T09:13:00.000-07:00

10 luglio

presso il BoccascenaCafè

Moby Dick

tratto da Moby Dick di H. Melville

Con Marika Pensa e Samuel Sciarra

Musica e suoni di Walter Bagnato

Regia Marika Pensa e Samuel Sciarra

Crapula teatro presenta

La nostra interpretazione del capolavoro di Melville, esalta le numerose allegorie presenti nel testo, rappresentate dall'ossessione di Achab e dal grande simbolismo evocato dal mare.
Il desiderio di conoscenza, e l'eterna inclinazione dell'uomo a sprofondare in un pensiero ossessivo, non tiene conto né del raziocinio nè dei limiti invalicabili della natura e di Dio, ma travolge ogni altra cosa nel momento stesso in cui sfida l’infinito.
La consapevolezza di non poter avvicinare così tanto il “fuoco” della conoscenza, senza subirne le conseguenze, rende, ancora oggi, quest’opera attualissima, e induce lo spettatore a interrogarsi su questioni che hanno origine con la comparsa dell’uomo.
…” Tutti gli oggetti visibili, amico, non sono che maschere di cartone. Ma in ogni evento, nella vivezza dell'atto, nella certezza dell'azione, vi è qualcosa di sconosciuto e raziocinante che mostra le proprie rattezze dietro la maschera priva di ragione. Se l'uomo vuole colpire, colpisce attraverso la maschera! Come può il prigioniero uscire all'eremo se non sfondando il muro? Per me, la Balena Bianca è il muro che mi è calato davanti. A volte penso che dall'altra parte non ci sia nulla. Eppure è già abbastanza, mi sta addosso, mi schiaccia; mi appare dotata di una forza inesorabile, sorretta da una imperscrutabile cattiveria.. - proprio questa imperscrutabilità che odio sopra ogni altra cosa.”…
Due attori e un musicista sulla scena, rievocano ambientazioni, pensieri interiori, riflessioni filosofiche, che appartengono all’animo di ognuno di noi. Moby Dick è uno spettacolo immediato, dove i protagonisti danno vita a tutti i personaggi facendoli agire all’interno della trama narrativa.
Questo spettacolo, diverso da una lettura tradizionale, si articola in una vera e propria performance attorale e musicale, di cui lo spettatore è parte integrante.
Note di Regia
La scelta di una poetica immediata ci ha dato la possibilità di lavorare sulla presenza dell’elemento umano, il corpo/voce dell’attore diventa il contenitore trasformabile che si adatta a tutti i personaggi (anche quelli di sesso opposto), ed esalta gli istinti umani che ci mostrano la via, ma che possono anche spingerci fino alla morte.

PROMO SU YOUTUBE, CLICCA QUI

THE TOM MACMALAMAN SHOW

2009-06-19T09:07:00.000-07:00

6 luglio

presso il BoccascenaCafè
The Tom Macmalaman Show
ritorno al periodo macabro
Scritto e diretto dalla compagnia de I Travagliati
Con Marika Pensa, Tommaso Tognotti e Stefania Umana

Il trio TRAVAGLIATI presenta

ritorno al periodo macabro
Spettacolo comico, grottesco, surreale e poetico.

La Storia

Tom Macmalaman è un poeta travagliato, segregato in un castello inavvicinabile.
In compagnia delle sue ossessioni e delle sue perversioni cerca l’estate tutto l’anno e all’improvviso eccola qua.
Le sue compagne di viaggio onirico, decisamente femminili, diventeranno la proiezione del suo ego, rendendolo campo di battaglia della pazzia e dell’incoerenza umana…ana
Dopo un periodo governato dalla noia finalmente la realtà, fondendosi alla fantasia, si sovraccaricherà del suo significato più intrinseco portando Tom Macmalaman e le sue due proiezioni a dare vita ad un gioco perverso e ossessivo che li porterà all’autodistruzione, emblema del travaglio dell’umanità.
Attraverso la poesia e l’azione teatrale si cerca di ritornare ai valori mesti, in una società che ci bombarda di falsi idoli e vitelli d’oro, con una comicità surreale, grottesca mista ad un senso di angoscia che aleggia per tutto lo spettacolo.
Inutilità, incomunicabilità, superficialità, ripetitività e gastronomia vengono presi di mira, amplificati e infine ridicolizzati attraverso la parola e situazioni paradossali…ali.

Insomma, I “Travagliati” vogliono dire NO, ma a che cosa poi?
Alla società in cui viviamo?
Al nostro stile di vita?
Al nostro modo di amare?
Al nostro modo di ragionare?
Che cos’è la normalità? Esiste davvero? Se si, è riconoscibile? E se è riconoscibile è comunicabile?
Eh??
Ciao.

I TRAVAGLIATI
Il trio “ I Travagliati” è composto da 3 membri: Marika Pensa, Stefania Umana, Tommaso Tognotti. Si formano presso la scuola teatrale “Quelli di Grock” di Milano diplomandosi nel 2006.
Tutti e tre attualmente lavorano parallelamente come attori e insegnanti di teatro.
Il “ Tom Macmalaman Show” è la loro prima produzione.

distopia

2009-06-19T08:59:00.000-07:00

Rassegna culturale

di umorismo nero e ricerca del sublime

6/8/10 luglio
Presso il BoccascenaCafè
Corso Magenta 24, milano

Aperitivo dalle 18.30
Inizio spettacoli 21.15

INGRESSO GRATUITO

Presentazione
I Travagliati, l’imminente, Crapula Teatro e il BoccascenaCafè sono lieti di invitarla il 6 - 8 -10 luglio alla rassegna culturale dal titolo Distopia. Tre spettacoli per tre sere di luglio per promuovere un’iniziativa giovane e diversa. L’ingresso e gratuito esclusa consumazione: in attesa dell’inizio degli spettacoli dalle 18.30 sarà possibile gustare l’aperitivo presso il BoccascenaCafè, all’interno del bar o nel cortile di Palazzo Litta.
Gli spettacoli inizieranno alle 21.15.

Distopia?

Distopia è un progetto nato da attori, musicisti e autori della scena indipendente milanese. Il significato di distopia si oppone a quello di utopia (un non luogo dove tutto è come dovrebbe essere) nel rappresentare una società alla deriva, spiacevole e indesiderabile: l'obiettivo è ammonire sulle conseguenze di un sistema che non persegue il progresso dell'umanità bensì il suo declino.
La rassegna che si terrà al Boccascenacafè, all'interno di Palazzo Litta, in cui si trova il più antico teatro attivo della città, si propone di presentare con umorismo e professionalità tre epigoni umani, tre storie diverse ma legate tra loro dal paradosso che muove i conflitti tra i personaggi.

info.distopia@gmail.com

Il passaggio della linea di Pietro Marcello

2009-05-19T02:08:00.000-07:00

Perchè saliamo su un treno?

Cosa sono i confini? Linee di demarcazione reali o immaginarie che determinano spazi, persone, pensieri, sentimenti. Al di qua e al di là tutto cambia, tutto è diverso. Ogni volta che varchiamo una soglia, stringiamo una mano, rivolgiamo la parola a qualcuno attraversiamo un confine, stabiliamo un contatto con una realtà altra. Questo è viaggiare. Indagare l'ignoto. Scrutare, affascinati, l'orizzonte e i suoi cambiamenti e scoprire cosa di questo 'mondo nuovo' ci piace e cosa no. Confrontarci con esso, conoscerlo e definirlo. Il viaggio tipo è la vita. Ogni scelta altro non è che un passaggio di confine. Nulla è predeterminato. Il nostro percorso è figlio dei gesti che attimo dopo attimo, consapevolmente o meno, compiamo. In alcuni casi le nostre decisioni sono dettate da ragioni o motivazioni concrete, altre volte si tratta di coincidenze ed è così che, quasi per caso, ci si trova a condividere un destino (o parte di esso), una casa, un compito. Un viaggio. Cos'è che spinge a salire su un treno? Perché attraversare tutto il paese? Vacanza, lavoro, famiglie lontane da raggiungere. Molteplici sono le risposte, molteplici le variabili. Perché un lento convoglio notturno? Non è forse più confortevole viaggiare in auto, in aereo o con l'avanzata tecnologia dell'alta velocità? Spesso il denominatore comune delle tante preferenze accordate è il risparmio. Risparmiare tempo e denaro. Viaggiando di notte si guadagna una giornata di lavoro e lavorando si guadagna. E alla fine 'siamo tutti schiavi del denaro' anche se, o forse proprio perché, ' il denaro è dannato'. Per Pietro Marcello quei vagoni rappresentano un viaggio nel viaggio. Prendere posto negli scompartimenti o tra gli strapuntini vuol dire conoscere persone e storie. Condividere problemi, speranze, visioni di vita. Oltrepassare confini non solo regionali ma anche mentali, abbattere barriere linguistiche, luoghi comuni e pregiudizi. Cercare di comprendere. Ascoltare e (ri)raccontare. E mentre l'Italia con le sue stazioni fa da sfondo alle parole in libertà di un microcosmo ampio e variegato la macchina prende confidenza con l'ambiente, si confonde coi tanti passeggeri che affollano giorno dopo giorno, notte dopo notte, questi treni a lunga percorrenza diventando così solo uno dei tanti con cui chiaccherare nell'attesa di arrivare. Capita allora che carrozze e rotaie diventino il simbolo di una libertà assoluta e che guardare oltre il finestrino la linea dell'orizzonte che progressivamente e instancabilmente si allontana per poi riavvicinarsi non affascini più.

Claudia De Falco

Angelo Badalamenti

2009-05-18T09:43:00.000-07:00

dall'imminente del marzo 2006

Seduzioni cupe scandite da un basso continuo

Il progetto di Mulholland drive era nato già nel 1999, pensato come film per la tv con la regìa di Lynch. La cura della colonna sonora era stata affidata, ancora una volta, ad Angelo Badalamenti, il quale pensò da subito al tema principale del film: note ricche di evocatività e tratti oscuri, per dare voce alle immagini di un film ellittico, complesso, visionario, che cerca risposte e pone soltanto domande.
Dopo gli studi presso la celebre Eastern School of Music, il giovane Badalamenti (classe 1937) inizia a percorrere la propria affascinante strada verso il mondo della musica da film; a partire dai primi anni Settanta crea alcune composizioni con lo pseudonimo di Andy Badale. E' il suo pianoforte ad accompagnare la voce, poco addomesticata, di Isabella Rossellini in Velluto blu di Lynch: il regista ascolta la sua musica in una audiocassetta e ne rimane conquistato. Ne nasce una collaborazione profonda, e si consolida tra i due artisti la scelta di un consapevole metodo di lavoro "gomito a gomito". Ha così descritto Badalamenti: "(…) Mentre io sto suonando, David vede, immagina cose. Egli dipinge nella sua mente immagini, mette a fuoco progetti e idee, spesso andando ben oltre ciò che si era prefissato…" E' possibile parlare di vera e propria "osmosi" tra le due creazioni artistiche, quella del compositore e quella del regista, unite da una sintonia che è al tempo stesso emotiva, estetica e concettuale.
Addirittura è successo che, durante la complessa genesi di Mulholland drive, i due si scambino bizzarramente i ruoli, senza eccessivi traumi: Badalamenti interpreta difatti nel film l'ambiguo e indisponente produttore cinematografico, dai tratti vagamente lugubri e mafiosi; Lynch, dal canto suo, firma alcuni momenti della colonna sonora. Quest'ultima riveste un ruolo di primo piano nel film grazie alla sua spiccata capacità di legarsi alle immagini: un tema principale di toni marcatamente oscuri e "lynchiani", cui il compositore decise poi di aggiungere gli archi. Da ultimo, come racconta lo stesso Badalamenti, fu in seguito ad un intenso soggiorno a Praga che, d'intesa con Lynch, vennero inseriti nei brani della soundtrack anche clarinetti e bassi: "(…) Che crearono un effetto astratto simile all'innescarsi di un incendio, di ciò che ti scalda l'anima".
Le partiture di Badalamenti sono intense, riconoscibili, "tragicamente dense ed eleganti" come le note del Twin Peaks (1990-'92) che stregarono il pubblico e raggiunsero vendite quasi impensate per una colonna sonora. La personalità di un compositore lucido e sempre alla ricerca di atmosfere, che nella sua carriera sempre meno ha voluto prescindere dal contatto diretto con i registi, Lynch su tutti, poiché ama "avere qualcuno accanto a sé che partecipi al suo lavoro, così da poterne sentire le vibrazioni… questo è il momento in cui la metà dell'opera è fatta…"
Atmosfere seducenti, misteriose, che affascinano sul filo dell'ambiguità e della visione che inghiotte e fa disorientare lo spettatore: in un mondo immaginifico e musicale che è, sostiene Badalamenti, "un po' scuro".
"Io penso a questo mio mondo come a qualcosa di tragicamente bello. Questo è il modo in cui descriverei quel che amo di più: tragicamente bello."

Jessica Perini

Still Life by Jon Knautz

2009-04-01T06:38:00.000-07:00

Il canadese Jon Knautz (Teen massacre, The other celia) ha già esplorato strani mondi, e con Still life si supera. Pochi movimenti di macchina, un montaggio prima lento e poi sempre più veloce condensano in appena otto minuti circa, mistero, angoscia e una sensazione di claustrofobia in un efficace climax. Still life si apre su tanta neve e una lunga e deserta strada dritta. Neve e strada che creano un ambiente vuoto e sterile in cui un giovane ragazzo impasticcato e pieno di caffeina (Trevor Matthews), si trova alla guida. Finisce la benzina e ripara in un piccolo villaggio immerso nel vuoto totale, dove è coinvolto in un incidente. Vorrebbe aiutare il ragazzo investito, ma realizza che qualcosa non va e comincia per lui un’inaspettata avventura in questo strano e desolato paese, abitato da manichini, immobili. Per la strada e in un bar il ragazzo non trova né aiuto né alcun tipo di umanità, ma solo questi freddi manichini che gli si muovono alle spalle, a scatti, in un movimento che non ha nulla di umano, ma tanto di surreale. Sembrano vivi e sembrano braccarlo, si sente soffocato, e non rimane che fuggire nella prima casa. Dentro, ancora manichini che si muovono a scatti e lo circondano tentando di fermarlo. Il ragazzo in preda al panico e all’angoscia rompe i manichini, ma al piano di sopra, davanti a uno specchio, rimarrà pietrificato e scioccato da ciò che vede. Qualcosa è successo. Per scoprirlo? Facile: fate doppio clic QUI.

Dino Buzzati

2009-03-14T05:49:00.000-07:00

dall'imminente del febbraio 2007

L’opera d’amore e il gioco pessimista

Se nello scorso numero di Imminente si è cercato di dimostrare come, in senso lato, tutte le strade portino al cinema, questo articolo vorrebbe essere un piccolo tributo a chi di queste vie ne ha percorse diverse, raccontando il vero e l’immaginario con la stessa straordinaria onestà intellettuale. Appena scaduto il centenario della nascita vorremmo quindi ricordare Dino Buzzati, coscienti che nel parlare di un uomo così eclettico e totale le distanze tra gli argomenti diventano sottili.
Eclettico per la capacità “passiva” di subire influenze e suggestioni dai generi più vari, totale per quella “attiva” – più unica che rara - di saperle riproporre in forme tanto diverse tra loro da sembrare, a prima vista, inconciliabili: l’attività giornalistica come cronista, quella letteraria come autore di romanzi e racconti brevi, quella di artista pittore-fumettista e di regista teatrale. Stupisce soprattutto come ci sia una cifra di fondo – un marchio, leggero quanto incisivo – che Buzzati riesce ad imporre ad attività così diverse tra loro, che spaziano dal raccontare l’accaduto alle raffigurazioni erotiche e surreali dei dipinti, alle storie infantili per il “Corriere dei piccoli”. Formalità, innocenza, immaginario, devianza sono elementi che da opposti vengono resi complementari, rintracciabili in qualsiasi lavoro, solo dosati diversamente a seconda dell’occasione e dell’obiettivo.
La stessa coesistenza di elementi opposti si può ritrovare anche nella biografia: nativo di Belluno, e legatissimo alle sue radici culturali, Buzzati saprà essere contemporaneamente provinciale e cittadino, qualcosa di più di un milanese d’adozione. Saprà immaginare e vivere con la stessa efficacia le sue montagne e atmosfere rurali – ecco l’attività alpinistica, spesso tradotta in letteratura e pittura, e il ciclo dei quadri “I miracoli della Val Morel”, scherzosamente impregnato di superstizione contadina – e Milano – la città, l’atmosfera urbana metafisica ed umana. A volte mischiandole letteralmente, come nella celebre raffigurazione di Piazza del Duomo trasfigurata in un paesaggio dolomitico.

L’occasione per riscoprire la parte forse meno nota della sua opera – l’impegno nella pittura e nel fumetto, che tuttavia era considerata dallo stesso autore la propria più autentica inclinazione - è stata offerta con la splendida mostra “Dino Buzzati – storie disegnate e dipinte”, allestita alla Rotonda della Besana e conclusasi il 28 gennaio: una panoramica esauriente e varia, incentrata soprattutto sul “Poema a fumetti”, lavoro della seconda metà degli anni Sessanta in cui si possono rintracciare alcuni degli elementi che accompagnano tutta la carriera di Buzzati e che, in un certo senso, interessano da molto vicino questa rivista.
(brevissima trama?)
Un elemento è, come anticipato, la coesistenza dell’immaginario e del reale, con la stessa incisività. In questo caso “il reale” è proprio Milano. Buzzati non esiterà a collocare l’accesso agli inferi in un luogo preciso del centro: tale via Saterna, il cui imbocco segreto si troverebbe in Largo La Foppa, all’angolo d'incrocio fra via della Moscova e Corso Garibaldi, nello spazio che è oggi occupato dalla libreria Utopia.
Dallo stesso “Poema a fumetti” emerge un’altra caratteristica, propria del narrare per immagini ma qui forse ancora più marcata: un senso cinematografico. Il rapporto tra Buzzati e il cinema è sottile, un corteggiamento (fintamente?) disinteressato. Nell’unica consistente intervista televisiva rilasciata, dichiara di non sentirsi adatto al ruolo di regista, ma ammette di avere ricevuto delle proposte interessanti per inscenare alcuni dei suoi più famosi romanzi, poi lasciate cadere – e d’altra parte sarà, come accennato, regista teatrale, ma anche autore di cortometraggi. E i suoi romanzi più famosi, “Il deserto dei tartari” e “Barnabò delle montagne”, diventeranno infine dei film.

Questa unica, minima incompiutezza della sua straordinaria esperienza artistica e umana è una punta quasi piacevole: rimane, Dino Buzzati, un modello di intellettuale – gigante ed umile insieme, antiretorico senza ostentarlo e graffiante nel rapporto con i media conformati – con pochissimi pari per onestà e talento. Caratteristiche che ce lo fanno sentire vicinissimo e necessario.

Giacomo Giudici

Libreria del mondo offeso

2009-01-26T01:55:00.000-08:00

La nudità dei caffè parigini, la nostalgia del Sudamerica, il sogno di Cuba

Tutti sappiamo che il libro "è stato mercificato", che "ha perso la sua sacralità". Espressioni di questo genere indicano la banale verità che, mentre un migliaio d'anni fa un libro era frutto di mesi di lavoro, un oggetto unico e soprattutto molto costoso, oggi è un oggetto di facile reperibilità, con prezzi alla portata di tutti, prodotto ovunque al ritmo di milioni di copie al minuto. Certo un codice miniato vale da ogni punto di vista più di un paperback da aeroporto, ma a parte questo il passo avanti è evidente: se tutti possono leggere e tutti possono scrivere, vuol dire che la libertà d'espressione è in buona salute! Purtroppo, benché formalmente vera, la frase precedente suona stonata a tutti, a me per primo, perché la realtà dei fatti è che non tutti quelli che scrivono sono pubblicati (per fortuna!) e che non tutti quelli che vengono pubblicati riescono a ritagliarsi uno spazio commerciale.Quando sono andato all'inaugurazione de La Libreria del Mondo Offeso ho chiesto a Laura, la proprietaria: che senso ha aprire una piccola libreria in un interno di corso Garibaldi quando esistono già centinaia di supermercati del libro con decine di sale, centinaia di offerte e milioni di titoli? La risposta è stata: "perché ce n'è bisogno", la LdMO è un progetto politico e la convinzione che gli ha dato slancio è che cultura e politica si muovano (o "dovrebbero muoversi") insieme, implicandosi a vicenda. L'atmosfera che si respira all'interno è indescrivibile e nel nuovo arrivato si riversano insieme la ricercata nudità dei caffè parigini, la nostalgia del Sudamerica, il sogno di Cuba. Chi entra nella "casa" di Laura e Cristina (una delle dieci dipendenti italiane assunte solo tramite il curriculum) si ritrova, come i bambini, ad elencare a voce alta quel che incontra, cercando di scovare tra gli oggetti il senso d'accogliente estraneità di cui il luogo è pervaso. I mattoni a vista, un tavolone di legno scuro, le caramelle, un pianoforte, tavolini per gli scacchi, giocattoli d'altri tempi e, soprattutto, i libri; solo titoli italiani, solo titoli contemporanei…solo…non basterebbero settimane per orientarsi nel marasma di volumi fuori commercio, prime edizioni, titoli mai sentiti eppure tanto attraenti, teatro, narrativa per bambini…Il Mondo Offeso, quello calpestato dai nostri stessi sprechi, ammutolito dal fragore delle notizie da rotocalco scandalistico, sembra avvolgere con il suo sdegno questo piccolo angolo, situato nel centro della città ma infinitamente lontano da essa; le copertine in carta spessa dei piccoli editori, le rilegature a mano, la vasta sessione di cultura politica dimenticata, premono per farsi notare, per tornare a parlare.E qui si torna al discorso di prima. Perché aprire una piccola libreria? Per dare un colpo al mondo della merce e tornare a sentirsi parte del sacro; per creare un luogo dove la gente possa incontrarsi, dove la figura del "libraio" viva ancora, dove il rapporto con il libro sia più personale. Sono tutte risposte corrette e che stanno alla base dell'impresa ciclopica di avere una piccola libreria a Milano, ma a mio avviso la risposta più importante è questa: il più grande merito di una piccola libreria è di farsi manifesto della libertà di parola, di mostrare a chi vi entra cose che nei supermercati del libro non vengono mostrate, presentare realtà (letterarie, sociali, artistiche...) che vivono e pulsano ma sono continuamente sottoposte agli attacchi di una società che tende ad uniformare, che ama e protegge tutte le categorie fittizie che queste realtà sradicano.La segnalazione la possiamo cavare direttamente dalle parole di Vittorini: "sì, amico mio, il mondo è offeso, ma non ancora qua dentro".

Giacomo Bisanti

Libreria del Mondo OffesoMilano,
C.so Garibaldi 50 (cortile interno)
02 36520797
libreriadelmondooffeso@fastwbnet.it

Blu > MUTO

2009-01-26T01:37:00.000-08:00

Pittura cinetica e stop-motion

Di artisti che mostrano le loro opere in internet ne conosciamo molti. Vuoi come scelta, vuoi come necessità, internet è la prima e più veloce occasione per mostrarsi al pubblico. Passato il primo gradino c'è chi abbandona il web per ricercare canali più classici e chi invece ne sfrutta le potenzialità. Tra questi ultimi figura Blu, artista made in Bologna, e il suo sito blublu.org. L'immediatezza della rete ci permette di seguire lo sviluppo e ogni nuova opera aggiunta giorno per giorno dall'artista, quasi come un'agenda. E proprio come un'agenda è costruito il sito di Blu. Un piccolo book che possiamo "sfogliare" per scoprire l'opera omnia di un'artista che "imbratta" pareti di stanze e muri che guardano la strada con immagini graffianti che ci proiettano in profonde e serie riflessioni sull'esasperato cammino intrapreso dall'essere umano. Le sue immagini sono partite dall'Italia, con una consistente presenza a Milano, e hanno fatto il giro dell'Europa per arrivare recentemente sulle pareti della monumentale Tate Modern di Londra. Molto particolari sono i suoi video, dove le figure dipinte sui muri di tutto il mondo prendono vita grazie allo stop-motion. Lo stop-motion è una particolare tecnica di ripresa che consiste nell'impressionare un fotogramma alla volta, potendo così modificare a proprio piacimento il materiale che si vuole impressionare e riuscendo quindi ad animare qualunque cosa. Perché il movimento appaia scorrevole sono necessari circa 24 fotogrammi al secondo, e questo dà l'idea di quanto sia eccezionale l'ultimo video messo in rete da Blu. Per realizzarlo ci vuole più lavoro e tempo di quando si possa immaginare, ma c'è del metodo nella sua follia: Blu compone il suo graffito alla parete, lo filma per il tempo necessario, poi modifica la figura quel tanto che basta per dare l'illusione del movimento, la filma ancora, quindi torna a dipingere; e così via per sette minuti.

In Muto, girato a Buenos Aires, animazione e pittura muraria si mescolano; tutto comincia da un muro di mattoni da cui esce una serie di mani e da lì ci trasporta in un universo che non ha limite se non quello dell'immaginazione dello stesso autore. Molto forte si sente il pessimismo che l'artista pone sull'essere umano, infatti niente di buono può "venir fuori" da un uomo, né quando da un uomo ne nasce un altro, né quando per un uomo che si rompe un altro si ricompone. Quello che riesce a fare meglio è trasformarsi in piccoli animali che non esiteranno a mangiarsi il vero uomo per lasciarne solo lo scheletro. In questo cortometraggio Blu crea letteralmente "pittura cinetica", come se Walt Disney avesse concepito tutta Cenerentola in un unico foglio, infinitamente ricancellato.

Michele Comba

www.blublu.org

Clicca per vedere Muto

Tre ipotesi sulla morte di Giuseppe Pinelli

2008-12-12T05:04:00.000-08:00

Molti sono gli spettacoli e le canzoni dedicati a Giuseppe Pinelli, ma a 39 anni dalla strage di piazza Fontana, a resistere alla prova dei decenni è rimasto solo Morte accidentale di un anarchico, di Dario Fo. Poco ricordato è ad esempio Documenti su Giuseppe Pinelli, lungometraggio del 1970 a doppia firma Elio Petri e Nelo Risi (fratello di Dino). All'interno di quest'opera impegnata e severa si trova una sequenza preziosa: gli undici minuti di Ipotesi su Giuseppe Pinelli, girati da Petri in uno stanzino disadorno, riproduzione dell'ufficio del commissario Calabresi nella questura di Milano.Accigliato, sotto grandi baffi, Gian Maria Volontè annuncia di volere ricostruire, e con lui altri quattro attori, la precisa dinamica della morte di Pinelli. L'ovvio intento dell'operazione è smascherare l'assurdità delle versioni ufficiali fornite dalla magistratura, che parlino di balzi felini o di un uomo che calza tre scarpe. Ciò che più si fa godere come originale è l'atmosfera da teatro-cinema, con la cinepresa fissa su un cavalletto e la recitazione inframmezzata da letture degli atti dell'inchiesta. Oppure la possibilità di osservare Volontè che per una volta smette i panni di Fregoli e si trova alle prese con la sua vera faccia, la sua vera voce e il suo vero accento: tre cose sorprendenti, quasi insospettabili.

Daniele Belleri

clicca qui per vedere il filmato:

prima parte

seconda parte

Milano Centrale

2008-12-09T04:37:00.000-08:00

intervista al regista Alan Maglio

a cura di Antonino Valvo

Come è stato il tuo incontro con la Stazione Centrale?
Ho cominciato a frequentare la zona grazie a degli amici che si incontravano lì. Ciò che mi attraeva di più era la volontà di trovarsi all'esterno per fare comunità: una sorta di polis, dove lo spazio pubblico diventa luogo deputato all'incontro, una socialità esibita senza che nessuno si preoccupasse di ciò che poteva pensare la gente.
Che obiettivo volevi raggiungere con il film?
Dei neri, dell'immigrazione, delle condizioni in cui vivono se ne è parlato molto ma sempre in maniera banale, con le storie più eclatanti e il degrado che le circonda. Io volevo concentrarmi sulle persone, su quello che pensavano e desideravano. Sapevo che non ero finanziato da nessuno e questo mi ha concesso più tempo: se volevo spenderci un anno, come poi ho fatto, nessuno me lo impediva. Il processo ha funzionato anche per questo motivo.
Come hanno reagito le persone coinvolte?
Alcune sono miei carissimi amici con cui ho condiviso ben più di un film. Gli altri le prime volte avevano timore, c'era chi non voleva farsi riprendere da una telecamera, e poi non ero africano, non ero uno di loro e questa cosa creava sospetto. Ma alla fine la curiosità ha vinto la diffidenza. Come ti sei mosso durante la lavorazione?
Abbiamo iniziato in maniera pretestuosa, con delle interviste. Si arriva a parlare dell'arte e delle donne, di politica solo quando hai tirato fuori i soliti discorsi: mi piace l'italia, sono nero, sono discriminato, ho la famiglia etc. Superato quello arrivi a un altro livello di dialogo, più profondo e originale. Alla fine c'era così tanta voglia di esprimersi che tenevo la telecamera accesa anche per 30/40 minuti.
Quando hai capito che il film era finito?
Terminate le riprese mi sono trovato con più di 20 ore di materiale. Ho avuto bisogno di tre mesi per catalogare e selezionare. Ho visto il tutto con Alessandro Tinelli che ha composto la musica e che mi ha aiutato al montaggio. Poter avere l'opinione di una persona che guardasse con occhi nuovi il girato è servito per far nascere concretamente il film.
Che via hai usato per la distribuzione?
Una volta finito il film come primo polo di divulgazione ho voluto il Festival del Cinema Africano di Milano, che ho frequentato come spettatore per dieci anni. Grazie alla visibilità che mi ha dato il festival di Milano sono stato chiamato da altre manifestazioni: Torino, Ancona, in Spagna, ad Amsterdam e addirittura Dubay.Hai mostrato il film in alcuni licei: come hanno reagito gli studenti?La reazione è stata ottima: il pubblico, composto da ragazzini cinesi, arabi, africani e italiani sentiva molto l'argomento. E non solo l'uditorio di origine africana ha risposto, ma anche ragazzi rumeni si coinvolgevano venendomi a raccontare le loro storie.

Il vicesindaco DeCorato ha pubblicizzato molto il piano di pulizia in atto in Stazione Centrale. Le persone che hai conosciuto come hanno vissuto questa trasformazione?
Male. Si avverte il momento pericoloso. La presenza dell'esercito per le strade pesa a molti di noi, immagina cosa può essere per una persona straniera, magari senza documenti che si vede schierate in mostra le forze dell'ordine: banalmente cambia aria, va altrove. Questo rende il mio film quasi archeologia, visto che quello che si vede non esiste più. È stato messo un certo freno alla criminalità ma sia gli aspetti positivi che quelli negativi continuano, solo non sotto i riflettori. Avvicinandosi l'Expo vogliono presentare la città come un vetrina perfetta ma è un'operazione inutile senza delle vere politiche di risoluzioni ai problemi. Per ora quello che è stato fatto è solo aver spazzato via i problemi come si fa con la polvere sotto il tappeto.

Potete vedere il film Milano Centrale su youtube.com/imminente08

Il Signor Perelà?!

2008-12-05T05:00:00.000-08:00

Omaggio libero al futurismo

Dopo Cristo, Perelà. Arriva leggero e innocente l'uomo di fumo che riscriverà il Codice. Più precisamente arriva al Teatro Litta con lo spettacolo Il Signor Perelà?! in scena dal 24 novembre al 14 dicembre 2008 e tratto dalla novella di Aldo Palazzeschi Il Codice di Perelà. Di ispirazone futurista, il romanzo è ben più che un semplice modello del movimento artistico e culturale che esplose in Italia nel 1909 con il Manifesto di Marinetti. La vicenda dell’omino di fumo che con la sua venuta sconvolge l'impero delle convenzioni diventa, nella sua frivolezza, senza tempo. Lo spettacolo, per la regia di Mariano Furlani, è la prima produzione della stagione del Litta, nonostante la genesi del progetto risalga a due anni fa, durante la lavorazione di Visioni di Solaris, altra produzione del teatro di corso Magenta. A tre attrici venne lanciata dal regista Antonio Sixty una sfida: portare in scena un testo scelto e elaborato in completa libertà, con a disposizione mezzi e spazi del teatro. A rendere concreto il lavoro delle tre giovani l'incontro con Mariano Furlani a cui va il merito di aver catturato e reso palpabile l'atmosfera ironica e insieme feroce del romanzo. Grazie al prezioso supporto di Raffaele Rezzonico, l'adattamento è insieme sintesi e superamento del testo originale: il coro di personaggi che accoglie Perelà è concentrato in tre voci dall'umanità tagliente. Bianca Delfino Bicco Delle Catene, una debole figura che trascina come un fantasma il suo amore per la non vita (e per la morfina); Donna Giacomina Bàrbero di Ca' Mucchio, femmina devota alle convenzioni, sui cui rituali della quotidianità basa ogni sua certezza. Infine la Duchessa Zoe Bolo Filzo apoteosi della femme fatale, feroce seduttrice e fredda dominatrice delle anime di tutti gli uomini. Vittime tutte e tre dell'illusione infranta chiamata uomo cercano di proteggersi, ognuna a suo modo, fino all'avvento di Perelà. A queste tre dame è dato il compito di ricevere l'Uomo di Fumo e subirne l'incanto. A tre giovani donne, in ordine Isabella Macchi, Stefania Umana e Sara Bellodi, quello di portarle sulla scena. La dimensione letteraria del testo si realizza nello spazio raccolto che è la sala LaCavallerizza del Teatro Litta, ricavata da una vecchia stalla. Su una scena essenziale ma multiforme, data da tre cassettoni mobili dipinti con il tricolore nazionale, vivranno le immagini della poesia di Palazzeschi. I costumi, realizzati da Marcella De Faveri, sono rappresentazione dei caratteri portati all'eccesso, esplosione di personalità immaginarie che danzano su sonorità futuriste. La struttura di convenzioni e buone maniere presa di mira con ironia grottesca e spietata, prende forma in una messa in scena che sfiora e combina il cabaret surrealista, le esperienze futuriste, il melodramma borghese.

Perelà? Risolverà? Si chiedono le tre Dame. Perelà prende forma nelle loro parole, nei loro racconti, impalpabile come un ricordo e, come la speranza, aureo. Un uomo perfetto, un amante ideale, il nuovo salvatore, il Dio che realizzerà ogni desiderio, crocifisso per risorgere. Egli è tutto questo ma plasmabile come una diceria, nei mormorii delle tre dame diviene anche il bugiardo, lo sciagurato che si approfitta della debolezza femminea: in fondo è sempre un uomo, mormora Zoe. Come il nuovo Gesù di The Second Advent di Mark Twain, il nebbioso messia di Palazzeschi una volta rivelato non verrà accettato dal suo popolo. E scacciato volerà via, nel cielo, risorgerà fra le nuvole. Come Cristo. Dopo Cristo. Perelà.

Antonino Valvo

Dal 25 novembre al 14 dicembre 2008
LITTA_produzioni
DEBUTTO NAZIONALE

SIGNOR PERELÁ?!

Da Il Codice di Perelà di Aldo Palazzeschi
Regia Mariano Furlani
Consulenza al testo Raffaele Rezzonico
Con Sara Bellodi, Isabella Macchi, Stefania Umana
Disegno Luci Fulvio Melli
Costumi Marcella de Faveri

Sala La Cavallerizza
Corso Magenta, 24 Milano
repliche dal martedì al sabato alle 21.00 – domenica 17.00 – lunedì riposo
biglietti € 12/ €9

ONLINE IL NUOVO NUMERO DI IMMINENTE

2008-12-02T03:39:00.000-08:00

scaricalo ora

All'interno

Intervista ad Alan Maglio, il regista del film Milano Centrale che potrete vedere presto sul nostro canale youtube. Inoltre un viaggio nella Libreria del Mondo Offeso e lo speciale sull'anniversario del futurismo con lo spettacolo Il Signor Perelà?! in scena al Teatro Litta. E ancora gli incredibili opere d’arte di Blu, e la nostra vetrina, dedicata questo mese al comics-magazine LaScimmia.

waterfootprint.org

2008-12-02T01:34:00.000-08:00

L'acqua è un bene prezioso e bisogna usarla responsabilmente. La popolazione mondiale aumenta, le risorse idriche a disposizione rimangono uguali. Ci laviamo i denti chiudendo il rubinetto e ci facciamo la doccia invece che il bagno. Ma c'è dell'altro: sappiamo che quando beviamo il caffé al mattino per produrre il contenuto della tazzina che abbiamo in mano occorrono 140 litri d'acqua? Non sto vaneggiando, sto parlando di water footprint, impronta d'acqua. E' un concetto recente, ma che si rifà all'idea più antica di impronta biologica: la misurazione delle risorse usate per produrre un dato prodotto, dalla sua realizzazione al suo smaltimento come rifiuto. L'impronta d'acqua si concentra sul consumo di H2O. Come ci si potrebbe aspettare, i campioni di consumo sono gli statunitensi, con 2500 metri cubi di acqua all'anno a persona. E al secondo posto? Ci siamo noi, gli italiani: 2.300 metri cubi, un milione di litri in più degli inglesi. Ridurre questo spreco di acqua (senza rimetterci in tenore di vita) si può. Si comincia con l'usare le tecniche migliori per produrre un bene. Le differenze nella quantità d'acqua consumata per produrre la stessa cosa tra un Paese e un altro dimostrano come sprechi e inefficienze contino tantissimo (un chilo di grano in Italia "beve" 2.421 litri d'acqua, più del triplo di quelli necessari in Cina: 690) e si possano ridurre. Poi, e qui entra in scena la coscienza di ognuno, si deve cercare di consumare prodotti a minor "impatto d'acqua". Ad esempio, basando la propria dieta su vegetali invece che su tonnellate di carne: si risparmierebbero ettolitri del prezioso liquido (per produrre 1kg di carne il consumo d'acqua è di 1600 litri, contro i 900 sufficienti per ottenere 1kg di mais). Concedetemi questa metafora: se svuoteremo il bicchiere per far stare meglio tutti lo vedremo, sempre più spesso, mezzo pieno.

waterfootprint.org

Paola Gallo

La città di Dio - Paulo Lins

2008-11-17T11:13:00.000-08:00

1968, Brasile:dopo un’alluvione disastrosa si gettano le fondamenta per costruire Città di Dio, un nuovo quartiere alla periferia di Rio de Janeiro e teatro delle deliranti vicende narrate da Paulo Lins.
In un’atmosfera caotica e assolata 3 generazioni di banditi si susseguono fra le strade fangose di Città di Dio, dove la polvere della favela impasta sogni, sangue e ambizioni. Il romanzo è diviso in tre atti, ma sebbene ognuno di essi sia dedicato a un singolo bandito, in ogni pagina veniamo quasi assordati dalla potenza di una voce, che, uscendo dal coro dei disperati di Città di Dio, inchioda la nostra attenzione su personaggi secondari, ma utilissimi per farci cogliere la dimensione poliedrica di questa realtà. Anche il piano del reale e del soprannaturale si compenetrano a vicenda, e uno non esclude mai l’altro, come insegnano i culti religiosi afro-brasiliani. Grazie a vividissime pennellate di pura violenza, emergono personaggi dolorosamente umani pur nella loro insensata brutalità: attraverso un linguaggio fin troppo esplicito veniamo trascinati in un’escalation di morte che sfocerà in una vera e propria guerra, che, come tutte le guerre, non lascerà né vinti né vincitori, ma solo superstiti. Abilissimo il regista Ferdinando Meirelles, che, riprendendo la vicenda in un film alla Tarantino, la rende più unitaria attraverso le parole del narratore Busca-pè (ragazzino cresciuto nella favela) senza farle perdere niente del ritmo incalzante che contraddistingue il romanzo.

Paola Gallo

Missing - Scomparso 1982

2008-11-17T10:55:00.000-08:00

Stati Uniti d’America: democrazia o menzogna?

dall'imminente del gennaio 2006

Vi sembra possibile che gli Stati Uniti, da sempre considerati il paese dei diritti dell'uomo e della libertà, possano sacrificare questi puri e giusti ideali per degli interessi di tipo economico?! Loro, che anche in tempi moderni, così difficili e controversi, si professano sempre e comunque salvatori della democrazia e dei cittadini? Insinuare una cosa del genere potrebbe sembrare un' accusa falsa e ingiustificata. Missing-Scomparso: anche il protagonista, Ed Horman (interpretato ad arte da Jack Lemmon) sembra dello stesso parere. Inizialmente. Uomo dai sani principi, con i piedi per terra: non dubiterebbe mai del suo paese, terra di opportunità nel quale lui stesso, con le proprie mani, ha potuto costruirsi una carriera. Fino al momento in cui non viene a sapere della scomparsa del suo unico figlio, Charlie (Jhon Shea) , che vive con la moglie in un Paese dell'America Latina. Siamo nel Cile sconvolto dal colpo di stato di Pinochet, dove la vita si è trasformata in un incubo angosciante: la normalità è venire perquisiti, picchiati e uccisi per strada, dall'esercito, senza la minima ragione. La normalità è scomparire da un giorno all'altro dalla faccia della terra, finendo come uno delle centinaia di corpi senza nome ammassati negli scantinati di uno stadio, come sembra sia capitato a, Charlie, cittadino americano. Catapultato in questa realtà capovolta, sconvolto
dalla perdita del figlio, Ed dovrà ricredersi su tutto: accompagnato da Beth, la dolce ma decisa (e meno ciecamente fiduciosa) moglie del figlio, inizierà un' angosciosa ricerca che lo porterà a capire come il mondo non è per forza come appare e che esistono altri modi di vivere e di vedere le cose che, sebbene diversi dal proprio, sono altrettanto dignitosi. Nonostante le promesse d'aiuto dell'Ambascita Americana, Ed si rende conto che il vero scopo di chi gli sta intorno va decisamente contro corrente rispetto al suo: la verità non deve venire a galla. Una verità che Charlie ha scoperto per caso e che vede il governo Americano come potente burattinaio dietro al colpo di stato. Che vede la CIA che appoggia l'assassinio di Allende, il candidato di Unidad Popular, che, dopo essere salito al potere nel 1970 tramite regolari elezioni, promuoveva una riforma agraria e la nazionalizzazione del settore minerario (iniziative entrambe in contrasto con gli interessi nordamericani). E che vede gli Stati Uniti come economicamente tutt'altro che dispiaciuti del governo militare e dittatoriale di Pinochet. Ed si troverà così non solo ad affrontare la disperazione per la morte di Charlie, ma anche la disillusione e l'amarezza per aver compreso quali sono i reali scopi dei suoi compatrioti "garanti dell'ordine pubblico" negli altri paesi. E l'impotenza: come sempre accade in questi casi, nonostante le denunce di Ed, nessuno verrà condannato. Il governo insabbierà il tutto. Anche la salma di Charlie tornerà in patria solo molti mesi dopo il ritrovamento del corpo, rendendo così inutile un'eventuale autopsia. Di storie "realmente accadute" come questa che ci presenta il regista Costa Gravas ce ne sono moltissime nel subcontinente americano (e non solo): nel 1964, in Brasile, gli Usa appoggiano la "rivoluzione militare" mettendo al potere il feroce dittatore Castello Branco. Nel 1903, in Colombia, gli Stati Uniti danno il loro aiuto militare a Panamà per ottenere l'indipendenza dalla nazione, in modo da averne il controllo dell'istmo. Nel 1898 Cuba ottiene l'indipendenza grazie all'appoggio Usa, diventandone poi però protettorato militare. Nel corso del 900, intervengono pesantemente nella politica dell'isola, sia politicamente sia economicamente. Nel 1961 viene proclamata (dopo una lunga guerriglia) la repubblica socialista: gli Usa, oltre all'embargo, rompono le relazioni diplomatiche. E nel 1954, in Guatemala, sono sempre i democratici Stati Uniti (che possedendo nel paese tutte le industrie più importanti, dalle ferrovie alla famosa United Fruit Company) destituiscono il presidente Arbenz. Eletto regolarmente, aveva avviato una riforma agraria che ridistribuiva la terra fra gli indios espropriati dalle multinazionali: tramite l'intervento nordamericano viene destituito e sale al potere un dittatore: Castello Armas. E la lista potrebbe continuare. Sono tante le storie come questa e tanti i modi di raccontarle. Garvas ha scelto come punto di vista quello americano, e questa è una scelta importante: forse quello che vuole suggerirci è che tutti noi che viviamo nella parte "fortunata" del mondo siamo un po' come Ed: ciechi e per lo più disinteressati. Se solo potessimo vivere esperienze simili a queste, apriremmo i nostri occhi, giudicheremmo le cose più lucidamente. Ma ci deve essere un altro modo per uscire da questa sorta di letargo mentale, al quale ci siamo autocondannati. Dobbiamo aprire gli occhi, sperando di poter fare qualcosa di più oltre al constatare di essere arrivati troppo tardi.

Paola Gallo

Il Cinema Ariosto

2008-11-13T04:46:00.000-08:00

Ovvero come sopravvivere all’era dei multiplex

dall'imminente del febbraio 2007

Se è vero che il tempo presente vede lo strapotere dei multiplex sulle piccole vecchie sale cinematografiche, che arrancano e si difendono come possono dal rischio della serrata definitiva, è anche vero che ci sono piccole realtà che lottano per creare nuove strade, nuovi percorsi, per garantirsi un futuro sicuro.
Fondato nel lontano 1948 il cinema Ariosto rappresenta oggi una delle sale storiche della Milano cinematografica. La famiglia Bruciamonti, di generazione in generazione, ha gestito questo cinema in zona Magenta, diventato col passare degli anni un punto di riferimento per il sofisticato quartiere.
Il prossimo anno si festeggeranno i sessant’anni d’attività ma il cinema Ariosto nel frattempo si è ammodernato e percorre nuove strade nel mondo della celluloide, su tutte le rassegne in lingua originale e lo spazio ai cortometraggi. Se la linea delle proiezioni in lingua originale è un grande punto di forza di questa piccola sala, tanto che, come sottolineano orgogliosamente Luca Banfi (direttore artistico) e Federico Bruciamonti (erede della gestione di famiglia), chi vuole vedere film francesi in lingua originale a Milano va all’Ariosto, il grande spazio riservato ai corti lo differenzia dalle altre monosala milanesi.

Il cortometraggio all’Ariosto è “Cinebox” e “A tutto corto”. Il Cinebox è un contenitore che precede il film programmato nello spettacolo serale. Ai soliti trailer e alla pubblicità nazionale viene fatto seguire un cortometraggio. E’ un esperimento innovativo che cerca di dare risalto a opere che difficilmente troverebbero spazio e visibilità. Un tentativo che, di proiezione in proiezione, cerca di affiancare corti accuratamente selezionati al lungometraggio in cartellone. Periodicamente i corti passati sugli schermi dell’Ariosto vengono accorpati in un’unica serata a tema chiamata appunto A tutto corto. L’ultima si è svolta lo scorso 14 dicembre e vedeva la proiezione di quattro cortometraggi, presentati in sala dai rispettivi registi. Il prossimo 22 febbraio si replica… Opportunità non indifferente per cinefili e aspiranti registi è la possibilità di inviare corti fatti in proprio direttamente all’Ariosto che, con CBL Movie Italia, cerca nuovi corti da proiettare.
Questo rimane tuttavia un momento difficile per i cinema cittadini, le piccole sale devono fare i conti con nuove realtà (i tanti multisala e il ricorso sempre più rapido all’home video) e sono tanti quelli che nella nostra Milano hanno chiuso e dovranno chiudere. Recentemente lo splendor in zona Piola-Lambrate ha cessato la propria attività, prima è stata la volta del Nuovo Arti da sempre punto di riferimento per i film dedicati ai più piccoli, mentre dall’anno scorso il Metropol in viale Piave, una delle sale più antiche della città, si è trasformato in sede per le sfilate di Dolce&Gabbana (un esempio questo colmo di significato). L’Ariosto propone la sua ricetta per resistere nel mercato del cinema globale: film di qualità (fa parte del network Europa Cinemas) e quel fedele pubblico di quartiere che nell’epoca moderna, specie nelle metropoli, sembrava diventato pura utopia. Paradossalmente è invece quella ricerca del tradizionale, dell’antico, di (concedetecelo) quel po’ di milanese che affascina, a portare nuovi spettatori nella piccola sala di via Ariosto, in controtendenza rispetto alle migrazioni verso i rifugi dei tanti multisala fuori porta.

Matteo Bursi

www.cinemaariosto.it

2008-11-07T07:47:00.000-08:00

Evulozionismo vs Creazionismo

2008-11-07T07:23:00.000-08:00

Scienza creazionista?

Partiamo da un semplice esempio. Prendete due provette. Riempitele con acqua e aggiungete nella prima un cucchiaio di soda, nella seconda uno di nitrato di potassio. Entrambi i composti si scioglieranno, ma la prima provetta si riscalderà, la seconda si raffredderà. La soda libera calore, il nitrato ne assorbe. Un banale esperimento da laboratorio. Un fatto, un sacro fatto, sul quale non si discute. L'evoluzione invece non è così. Essa è forse l'unico esperimento che l'uomo non potrà mai ripetere in laboratorio: un evento unico e irripetibile.La biologia però è anche una scienza storica (anche se spesso illuminati scienziati tendono a dimenticarselo): come scienza della vita per eccellenza, essa ci narra da sempre dei racconti. Racconti di vite che cambiano e non di leggi che valgono e varranno per sempre. L'evoluzione, pur non essendo empiricamente dimostrabile, è l'interpretazione che questa scienza ha dato per raccontarci la storia della vita sulla terra. Non fatto, ma interpretazione sulla quale, ovviamente, si può sempre discutere. Ed per questo che siamo qui. Non abbiamo la presunzione di proporre qualcosa di nuovo sull'argomento; piuttosto è importante ed attuale esprimere un punto di vista cercando di proporre spunti di riflessione e confronto.

Nelle sale statunitensi è da poco uscito un film: Expelled: No intelligence allowed di Nathan Frankowski, raccontato da Ben Stein un famoso scrittore e comico americano. La pellicola propone una tutt'altro che celata incapacità nell'accettare la teoria darwiniana, rivendicando il diritto ad insegnare nelle scuole la dottrina del creazionismo durante le ore di scienze. Oltre ad attaccare direttamente alcuni famosi biologi evoluzionisti Richard Dawkins e Daniel Dennett, Stein arriva a denunciare pubblicamente le idee di Darwin, definendole un "doloroso e orribile capitolo della storia delle ideologie" e affermando che essa avrebbe fornito il substrato ideologico ispiratore per lo sviluppo dei regimi totalitaristici quali il Nazismo e il Comunismo. Frankowki raccoglie una serie di testimonianze di insegnanti e scienziati, come Richard Sternberg e Caroline Crocker, che sarebbero stati licenziati per aver sostenuto la teoria del disegno intelligente, la teoria secondo cui un intelletto divine dirige l'evoluzione degli esseri viventi.In risposta potrebbe bastare citare alcuni fatti. Il 20 dicembre 2005 il giudice John E. Jones III, nominato dal presidente Bush, a seguito di un processo, emise una sentenza nella quale dichiarava l'incostituzionalità dell'insegnamento dell'intelligent design nell'ambito dei corsi di biologia. Inoltre nessuno è stato espulso dall'università a causa delle critiche all'evoluzionismo (come facilmente dimostra la permanenza di Michael Behe al dipartimento di biologia dell'università di Lehigh). Basta poi informarsi e leggere qualche scritto di Charles Darwin per accorgersi dell'evidente assurdità e incongruenza del parallelismo tra teoria dell'evoluzione e sviluppo delle idee razziste: come Maria Turchetto, alla quale esprimiamo tutto il nostro appoggio, ci ricorda sull’ Ateo , Darwin, il quale aveva orrore per la schiavitù, nell'"Origine dell'uomo" espresse pensieri sentitamente antirazzisti, promovendo quell'ideale di "simpatia universale" che dovrebbe essere esteso ad ogni civiltà e società umane.Ma limitarci a riportare dei semplici fatti ci porterebbe davvero ad una riflessione costruttiva? Cadremmo nello stesso errore dei teorici che si rifugiano all'interno delle fortezze inespugnabili costruite sulle fondamenta delle loro convinzioni dogmatiche ed inattaccabili. Ci sembra più opportuno porre l'accento sul significato che diamo alla parola "scienza". E' davvero ragionevole pensare che la teoria creazionistica possa essere insegnata nelle scuole come teoria scientifica alternativa all'evoluzionismo? Secondo noi no. Riportando l'abusata ma estremamente efficace citazione del genetista Theodosius Dobzhansky "in biologia nulla ha senso se non alla luce dell'evoluzione". Dal momento in cui la teoria darwiniana fu ideata, poi discussa, ampliata e attualizzata secondo le più recenti scoperte, non è possibile leggere le moderne teorie intorno ai fenomeni della vita e della natura prescindendo da una visione evoluzionistica. Essa è alla base di ogni modello scientifico elaborato su qualsiasi livello, dal molecolare al cellulare, fino ad arrivare agli organismi viventi e, in modo evidente, alle popolazioni. Non stiamo sostenendo che il racconto della creazione debba essere eliminato dai programmi scolastici: la Genesi e tutti i testi sacri sono parte integrante della storia culturale occidentale, la nostra storia. Lasciamo però tale compito alle ore di religione, di storia, o di catechismo.

L'evoluzione rappresenta una vera e propria teoria scientifica proprio perché elaborata attraverso osservazioni, formulando ipotesi e verificandole. Appare evidente che il creazionismo ha ben poco a che vedere con l'idea di scienza comunemente accettata. L'unico fondamento ideologico è l'autorità riposta nei testi sacri. Abbiamo già detto che l'evoluzione non può essere dimostrata direttamente; ma nella scienza molte sono le cose che non vengono dimostrate con certezza, ed è proprio di fronte a questi ostacoli che lo scienziato ricava lo stimolo, l'impulso per proseguire la sua ricerca.Ci appare dunque contraddittorio elevare a teoria scientifica, tale da poter trovare spazio nell'insegnamento durante le ore di scienze, un assunto ideologico che implica un atto di fede e che riguarda ambiti e questioni da inserire piuttosto nel quadro della storia delle religioni o della civiltà occidentale in generale. In breve, "unicuique suum".

Guido Gallo

http://www.pikaia.eu/

www.sibe-iseb.it/

Tutta la vita davanti

2008-10-27T10:14:00.000-07:00

Reality show

Una speranza? Un augurio? Una promessa? Quante accezioni si possono racchiudere in 4 semplici parole? E come cambia il loro significato per chi le pronuncia e per chi le ascolta. Per Marta, brillante 24enne neolaureata cum laude, sono cariche di aspettative perchè conclusa l'università vede finalmente a portata di mano la possibilità di realizzare il futuro a lungo sognato. Ha fiducia nel prossimo, nella società, nella meritocrazia. Come tanti giovani, ragazzi entusiasti con la testa piena di progetti e il portafoglio vuoto, si appresta a prender parte al gran ballo della vita, cerca il suo posto ma è 'fuori tempo', non trova il ritmo perchè ha le sue certezze, i suoi valori e non vuole scendere a compromessi. Dopo aver investito tempo, denaro ed energie scopre però che la società moderna nel suo corpo di ballo vuole solo i 'vincenti' o meglio quelli che reputa tali. Imparare i passi giusti significa pensare a solo a sé stessi, sgomitare, non avere scrupoli. Non c'è spazio per gli idealisti, gli ingenui, i curiosi, l'ansia per il futuro è troppa: i giovani sono solo una risorsa come tante altre e come tale vanno sfruttati. Le relazioni interpersonali, il lavoro, tutto quanto la circonda non è altro che un grande reality in cui vige una sola regola: mors tua, vita mea. Prova a continuare a ballare secondo il suo ritmo, si illude di poter restare quella che è pur inserendosi nella coereografia generale. Perdersi nelle quotidiane complicazioni che questa navigazione in mare aperto impone è però facile e il rischio di cedere a stanchezza, rabbia e delusione e lasciarsi fagocitare uniformandosi è sempre dietro l'angolo. Marta se ne accorge in tempo, cade e si rialza. Ha scoperto il tranello di un mondo che vive di apparenze e che emargina ed elimina sia chi ne risulta vittima per troppo fragilità (Lucio2, Giulia, Sonia) sia chi rifiuta volutamente questa logica. Ed ecco che quelle 4 semplici parole cominciano ad avere il sapore amaro di una condanna. Dopo aver cercato-aspettato invano l'uomo che spezzando le catene liberi tutti svelando come la realtà possa essere ben diversa dalle ombre che proietta sul muro della caverna decide di provarci lei stessa. Si affida alla musica fiduciosa che seguendola prima o poi troverà il ritmo giusto.

L'Italia (il mondo?) è malata e forse non guarirà ma la piccola Lara, prima salvata a cui viene mostrato il sole, è lì a testimoniare che si può ancora trovare un antidoto. Bugsy Berkeley ci ha insegnato che una coerografia ben riuscita è spettacolare, è un'opera unica dotata di una carica emotiva che lascia a bocca aperta. I singoli momenti di cui è composta, pur mantenendo la loro specificità, si fondono in un tutt'uno di armonica perfezione. Con i suoi 'film nei film' ci ha però anche mostrato quante prove siano necessarie affinchè questo si realizzi e quante volte si fallisce prima di portarla a compimento.Virzì, moderno verista cantore degli ultimi e dei loro sogni/bisogni, ci regala un'analisi autentica ed umana dell'amara situazione dell'Italia di oggi e, senza mai cadere in uno scontato pietismo, ci ricorda che per 'andare a tempo' servono tenacia e coraggio. Bisogna continuare a tentare, mirare ai propri obiettivi, restare ancorati a ciò a cui si crede e sperare. Se cambiare il mondo è impossibile l'importante è che non sia lui a cambiare noi. Gli errori, i fallimenti fanno parte del gioco perché dopotutto c'è "tutta la vita davanti". 4 semplici parole che non possono, non devono, suonare come una minaccia.

Claudia De Falco

Processo alla satira

2008-10-22T04:13:00.000-07:00

Il caso Guzzanti e gli attacchi al potere

Lo scorso 8 luglio a Piazza Navona a Roma, è stata indetta una manifestazione contro le cosiddette leggi canaglia del governo Berlusconi IV, che riguardano la libertà di informazione, di indagine giudiziaria e le norme riguardo la schedatura di cittadini extracomunitari romeni. Dal palco, su cui si sono succeduti decine di interventi, Sabina Guzzanti ha denunciato alcuni fatti riguardanti l'ingerenza della Chiesa nella vita politica, la crescente tendenza alla legittimazione di fenomeni di matrice razzista e infine la scelta di affidare il Ministero delle Pari Opportunità a Mara Carfagna, coinvolta, secondo un diffuso giornale argentino, in uno scandalo a sfondo sessuale insieme al Premier Silvio Berlusconi. Tanti interventi, tanti attacchi al sistema vigente in Italia, ma a far scalpore sono state le parole della Guzzanti e quelle di Beppe Grillo che invece prendevano di mira l'atteggiamento tenuto dal Presidente della Repubblica Napolitano nei confronti di quelle leggi contro cui era la manifestazione.

La libertà di parola e di pensiero sono alla base della struttura democratica, e i due comici ne hanno fatto uso come era giusto che fosse, consapevoli delle reazioni che avrebbero suscitato sia nel pubblico lì riunito, sia nell'opinione pubblica. Il punto è che qui non stiamo parlando di informazione o libertà, stiamo parlando di satira. E la satira è tutta un'altra storia. Aldilà della sua storia e del significato, la Corte di Cassazione ha dato questa definizione di satira: " [la satira] È quella manifestazione di pensiero talora di altissimo livello che nei tempi si è addossata il compito di castigare ridendo mores, ovvero di indicare alla pubblica opinione aspetti criticabili o esecrabili di persone, al fine di ottenere, mediante il riso suscitato, un esito finale di carattere etico, correttivo cioè verso il bene. " La satira è di natura contro il potere, ma non per questo il potere non se ne può servire: "Ritengo che la satira sia uno strumento utile nel dibattito politico […] il mio capo ufficio stampa ha avuto la disposizione di pormi in evidenza tutte le mattine gli attacchi alla mia persona. In questo modo posso correggere i miei eventuali errori. A mio avviso, alla satira non dovrebbero essere posti limiti, se non quelli suggeriti dal buon gusto". A parlare era il Presidente della Repubblica Sandro Pertini. Ma ancora: "La satira è stata sempre utile a un corretto sviluppo della politica, anche su un piano di radicazione culturale degli atteggiamenti critici […] i limiti devono essere lasciati al costume. Non credo compatibili con la libertà democratica limiti politici di qualsiasi natura." Parola del senatore Giulio Andreotti.

Ma se la satira non è politica, perché si è tentato di procedere giuridicamente contro Beppe Grillo e Sabina Guzzanti per le affermazioni di piazza Navona? Offesa al presidente della repubblica e a capo di stato straniero da uno a cinque anni di carcere, è stato detto. Gli interventi dei due comici erano opinabili ma i fatti su cui si basavano incontestabili. Quindi è il linguaggio che porta all'offesa. Ma la satira per sua stessa natura usa un linguaggio diretto, cattivo e, sì, anche volgare. Quello cercato di aprire è stato un processo alla satira come fenomeno di costume. Un discorso di esecrabile censura? La questione non è così semplice. Nei casi citati e in altri eclatanti (chiusura del programma di Luttazzi e della stessa Guzzanti) il problema è sempre stato la possibilità di poter comunicare a un gran numero di persone, una massa la cui opinione conta pesantemente nella vita pubblica. Ecco il perché del blocco, della censura. La satira è libera ma non può essere imposta: è offensiva, e il ragionamento fila, considerando che in certi mezzi di comunicazione chi riceve il messaggio è molto più vulnerabile e inconsapevole che in altri media (come la carta stampata e internet). Quello che ora vorremmo denunciare quindi non è il regime, la carenza di democrazia, ma l'ipocrisia che sta dietro a gesti che finiscono per nuocere soltanto a comici e artisti che lavorano. Non esiste il reato di vilipendio al Pontefice, fu Craxi a cancellarlo. Inoltre è stato abolito anche l'articolo riguardo l'offesa di un capo di stato straniero. L'accusa voleva probabilmente sollevare sdegno e i soliti dibattiti scontati e scoraggiare nuovi interventi non graditi. Fermare un certo tipo di satira. Se ci sono riusciti o meno solo il tempo ce lo potrà dire. Per ora, facciamoci una bella risata.

Antonino Valvo

Orchestra di via Padova

2008-10-18T01:10:00.000-07:00

Ovvero l'integrazione ai tempi del decreto sicurezza

Se volessimo parafrasare uno dei titoli più parafrasabili di sempre, "L'amore ai tempi del colera" di Garcia Marquez, parleremmo de "L'integrazione ai tempi del Decreto Sicurezza". Via Padova e dintorni da questo punto di vista rappresentano uno degli snodi più delicati di Milano, e probabilmente del Paese intero. Interviene allora la musica: non procede per DDL, e fornisce implicitamente risposte forse un poco ingenue, ma di quella dose di buona ingenuità di cui si sente un disperato bisogno ai tempi, stavolta, delle impronte rilevate ai bambini in quanto Rom, e del reato di immigrazione clandestina.

In via Padova dall'ottobre del 2006 vive e suona un'Orchestra, secondo un modello fortunato e collaudato - lo stesso modello che anima la più famosa Orchestra di Piazza Vittorio a Roma ed altre sorelle minori a Genova in piazza Caricamento e a Torino in Porta Palazzo: si forma un complesso musical-territoriale, con musicisti di nazionalità diversa che vivono nella medesima zona, per lo più rinomata per la convivenza irrisolta delle diversità, e si portano i risultati del connubio tra la gente. Si mostra la faccia buona delle zone cattive, fingendo si scordare quanto la lotta sia impari contro chi propugna solo la faccia cattiva, senza però prendersi la briga di indicare prospettive e vie di uscita.L'Orchestra di Via Padova, appunto: 15 elementi e 9 nazionalità apparentemente stridenti - in ordine sparso Estonia, Perù, Cile, Burkina Faso, Marocco, Serbia, Cuba e Italia. Dicono di loro stessi: "Ognuno di noi ha portato con sé un po' della propria tradizione musicale. Ed ognuno si è poi prestato alla sperimentazione e al confronto, realizzando un mélange sonoro inedito e travolgente". Dopo diversi mesi di notorietà basata sul passaparola e la bontà della formula, finalmente il 23 maggio è uscito "Tunjà", il primo disco dell'Orchestra che, sia detto senza voler offendere nessuno, non è proprio la solita banda da Festa dell'Unità. Chi volesse avere un assaggio può visitare il myspace all'indirizzo www.myspace.com/orchestradiviapadova, oppure andare direttamente a trovare l'Orchesta durante il tour, quando attraverserà la penisola per animare piazze e manifestazioni: il momento è particolarmente propizio, perché sembra proprio che il gruppo sia giunto allo stadio, per tutti dorato, del "quasi-famosi" che permette un prezioso contatto diretto a prezzi modici o nulli.Infine potrebbe essere l'occasione - perché no - di scegliere una giornata non piovosa per visitare via Padova e dintorni di persona, magari con macchinetta digitale e discrezione, e battezzare la zona in autonomia: dolce o famigerata, o più probabilmente tutt'e due.

Giacomo Giudici

I corti di Nash Edgerton

2008-10-10T09:32:00.000-07:00

Piccolo manuale dell'immaginazione

I fanatici del web e dei cortometraggi forse già conosceranno la Blue Tongue Films, ma per chi non lo sapesse bisogna dire che è un'affermata casa di produzione cinematografica australiana specializzata in cortometraggi che hanno girato nei festival di tutto il mondo. La particolarità di questa casa consiste nel fatto che alla distribuzione canonica dei suoi prodotti preferisce la pubblicazione on-line su bluetonguefilms.com, un sito semplice che punta tutto sull'"archivio" di cortometraggi di assoluto valore. Di particolare qualità artistica, tecnica e narrativa sono Spider e Lucky, entrambi scritti e diretti da Nash Edgerton, già famoso come stuntman in film quali Star Wars e Matrix.

Spider concentra in 9 minuti la riappacificazione di una coppia durante un viaggio in auto e uno scherzo che lui fa a lei. Il film si apre con la citazione di una mamma che dice "It's all fun and games until someone loses an eye" e mostra gli effetti di uno scherzo con sbalorditivi effetti visivi non mascherati da un facile montaggio che permette l'uso di tecniche banali. Edgerton non stacca mai quando ci si aspetta che debba farlo, al punto che si arriva a chiedersi "ma come ha fatto?". Anche la messa in scena assolutamente realistica contribuisce a rendere il film più credibile e aumenta lo stupore che da visivo diventa una sorta di divertente reazione da "è orribile, ma insegna qualcosa". Guardare Spider è come leggere una breve storia d'immaginazione.Lucky, invece, è la storia di un uomo che cerca di uscire da una macchina lanciata a tutta velocità. C'è bisogno di sapere altro? No. I 3 minuti senza dialogo di Lucky ci ricordano con piacere quanto un film possa essere coinvolgente e si rimane sorpresi da quanto si possa fare con così poco in termini di set, durata e attori. L'ambientazione in una strada deserta e una luce naturale davvero ben utilizzata aggiungono un tocco realistico alla grande sorpresa che il finale riserva allo spettatore.Dopo aver visto Spider e Lucky può sembrare che Nash Edgerton abbia la mente un po' distorta, invece mostra una capacità straordinaria nell'inserire estreme situazioni da stuntman in contesti realistici. Un accoppiamento forte, che non stride ma colpisce, e che rivela tutta la forza del cinema.

Michele Comba

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Alla scoperta della Civica Raccolta delle Stampe Bertarelli e del Civico Archivio Fotografico

2008-10-09T04:35:00.000-07:00

Munitevi solo di curiosità

Uno degli adagi ricorrenti del milanese ottimista (purosangue o di adozione) recita più o meno così: "non è vero che Milano non propone cultura, non è vero che Milano è solo la città dei danée. Milano ha del buono, ma lo nasconde". Da queste classiche sentenze, l'altrettanto classico corollario: che uno dei motivi di fascino di Milano sia proprio il fatto che la città non si getta addosso al primo venuto, e nemmeno a chi ci abita da sempre, ma va scoperta in proprio. Tutto questo probabilmente è banale, ma anche vero. E un modo per verificarlo è visitare due archivi milanesi, posti nello stesso luogo fisico - si trovano al Castello Sforzesco - ma molto diversi tra loro: la Civica Raccolta delle Stampe Bertarelli e il Civico Archivio Fotografico di Milano.Importanti le analogie: si tratta di due istituzioni che a buon diritto possono essere definite storiche - l'archivio Bertarelli nasce nel 1925, l'archivio fotografico nel 1933 - e imponenti, considerando che conservano rispettivamente un milione di stampe e seicentomila fotografie. Inoltre, e vale la pena sottolinearlo, si tratta di luoghi pubblici, aperti a chiunque voglia impegnarsi in una ricerca, animato anche solamente da semplice curiosità. La burocrazia è ridotta al minimo, è sufficiente prendere un appuntamento per contare sull'aiuto del personale e ottenere il materiale desiderato.Quale materiale? Ecco le differenze. Per parlare della Raccolta delle Stampe, eccezionale istituto, non si può partire da una storia altrettanto eccezionale: quella di Achille Bertarelli (1863-1938), filantropo milanese, eccentrico appassionato di iconografia e grafica popolare che, preferendo delle stampe il soggetto rispetto al "mero" lato artistico, ne raccolse in vita quasi trecentomila, che donò al Comune prima della sua morte, formando così il nucleo originale della raccolta e regalando al pubblico la straordinaria testimonianza di un'epoca. E non solo, perché la caratteristica principale dell'archivio Bertarelli è sicuramente la varietà: dire che si trova tutto, qui, non è un'esagerazione - dalle xilografie quattrocentesche ai manifesti pubblicitari di primo novecento, carte geografiche e vedute provenienti da tutta Italia e dall'Europa, soldatini, grafiche popolari sacre e profane, biglietti da visita e d'auguri di ogni epoca. Il visitatore che consulta il catalogo rimane affascinato dalle possibilità che offre la raccolta, amplissima nello spazio e nel tempo, e il rischio è soprattutto quello di perdersi nell'abbondanza. Il risultato è un archivio sui generis, probabilmente unico in Italia.In confronto all'esplosività archivistica del Bertarelli, il Civico Archivio Fotografico sembra impallidire, ma è decisamente solo un'impressione. E' vero che il patrimonio è più ristretto - 600.000 documenti (negativi e positivi, dagherrotipi, carte salate e così via) che coprono un arco di tempo che va dal 1840 ai giorni nostri - ma è anche vero che qualsiasi documento risulta estremamente pregnante. Il grosso delle testimonianze, infatti, riguarda Milano fino al secondo conflitto mondiale compreso: questo fa dell'archivio, prima di tutto, un fondo straordinario di memoria storica. Ed infatti, oltre che dagli specialisti, è visitato da milanesi semplici che vogliono soddisfare visivamente qualche domanda, qualche curiosità, sulla propria città per come è stata prima che gli interventi di epoca fascista (come la copertura dei Navigli), i bombardamenti e l'urbanizzazione ne cambiassero per sempre il volto. Anche in questo caso, una semplice occhiata agli estremi dei cataloghi fa capire immediatamente il valore del patrimonio, per varietà e qualità. Oltre alla larghissima sezione su Milano, ci sono poi interessanti incursioni fuori d'Italia, in Europa ed oltre: ad esempio, fotografie ottocentesche di Groenlandia e Giappone - come scoperchiare altri mondi.

Civico Archivio Fotografico

Archivio Bertarelli

Giacomo Giudici

ONLINE IL NUOVO NUMERO DI IMMINENTE

2008-10-07T04:19:00.000-07:00

In occasione della festa dell'Università Statale di Milano, imminente rinnova grafica e contenuti in questo primo numero dopo l'estate.

Cliccate qui per scaricare il nuovo numero di imminente in formato pdf!

Per poter ritirare in anteprima il nuovo numero l'appuntamento è per domani nel colplesso didattico di via Celoria in Città Studi a Milano.

Dolcina e Dolcissima - teatro agricolo

2008-10-03T06:30:00.000-07:00

Un'altra storia di resistenza

È necessario avere una buona dose di coraggio, e forse incoscienza – come fa notare Giovanni Balzaretti, introducendo lo spettacolo alle poche decine di spettatori del Cicco Simonetta –, per rendersi disponibili a fare teatro nei luoghi che deputati al teatro non sono. Quello della Compagnia Teatro Agricolo è un viscerale amore per ogni forma di teatro, anche la più minuta, minuta come il popolo a cui predicano gli eretici Frà Dolcino da Novara e Margherita da Trento, protagonisti di “Dolcino e Dolcissima”. Lo spettacolo, basato sulla storia vera di uno dei più interessanti movimenti ereticali cristologici medievali, ha debuttato nel maggio del 2007 e ricevuto il Patrocinio del Centro Studi Dolciniani Italiano.
Il coraggio del rivoluzionario messaggio di Frà Dolcino e Margherita – una novella di uguaglianza fra uomo e donna, del diritto di ogni contadino di pregare a modo suo, col suo linguaggio, di una croce di legno e fango – si coniuga con quell’incoscienza di chi vuole credere che una società, anche la più disgraziata, possa essere cambiata.
Il linguaggio scenico di questo teatro agricolo gioca tutto sul peso delle parole, di semplici gesti, dell’intensità degli sguardi, facendo virtù delle necessità. Se i mezzi sono ridotti al minimo – una scena spoglia, due scranni-tronchi d’albero che si improvvisano sgabelli e pulpiti, dei semplici costumi da frate – è anche perché non si potrebbe immaginare diversamente uno spettacolo che prende le mosse dalla vicenda di Francesco d’Assisi e Gherardino Segalello, per occuparsi del movimento dolciniano, diffusosi a cavallo del XIV secolo.
Isabella Macchi e Giovanni Balzaretti alternano così parti narrate, con dovizia di dettagli, a recitati in dialetto valsesiano; e se il narrato risulta un poco didascalico, al contrario, quando i due attori indossano i panni dei protagonisti della vicenda dimostrano una notevole padronanza della lingua e delle tecniche teatrali dell’epoca, combinata ad una capacità interpretativa di forte carica suggestiva.
Siamo dinanzi a quel teatro che, in un certo qual modo, si preoccupa di restituire dignità al Medioevo – e nello specifico ai popolani medievali –, periodo storico che Teatro non aveva, secondo un lavoro di ricerca e messinscena non dissimile dal “Mistero Buffo” di Fo e Rame. E non è un caso che la celebre “giullarata” di Bonifacio XIII parlasse proprio di Dolcino.
Seguendo il percorso inverso rispetto alla scelta narrativa di “Dolcino e Dolcissima”, cogliamo ora le ragioni storiche per le quali l’azione di questa coppia di eretici fu così importante e rivoluzionaria. I mezzi di propaganda della Chiesa di allora erano immensi, basta pensare agli squadroni di “predicatori apocalittici” che, a ridosso dell’anno Mille, avevano convinto tutta Europa dell’imminente fine del mondo, in quello che è considerabile a tutti gli effetti un atto terroristico. Al confronto con questa potenza mediatica della Chiesa, il lento e costante operare di Dolcino e Margherita – forti dell’insegnamento del giubilate francescano – costituiva una controtendenza che sapeva modificare le coscienze dal profondo dell’animo.
Il Vescovo di Vercelli reagì come ci si poteva aspettare da un alto prelato della Chiesa di allora: dapprima scomunicando l’intera comunità comunarda, e proto-socialista, della Valsesia, e in secondo luogo, con l’obiettivo di eliminare fisicamente tutti i dolciniani, assoldando balestrieri mercenari cui era concesso il consueto diritto di saccheggio e stupro.

Marco Turconi

http://www.teatroagricolo.it/

Intervista a Marina Spada

2008-09-29T09:26:00.000-07:00

Lezioni di cinema alla milanese

dall'imminente del dicembre 2006

È’ più difficile fare del cinema a Milano?
Secondo me è difficile fare cinema, Milano, Torino, Pavia o Bologna. Anche a Roma è difficile. Basta vedere che alla sezione esordi del Festival di Venezia quest'anno non c'era neanche un italiano. Questo è un paese che non investe: i milioni preferisce spenderli per una Festa del Cinema, piuttosto che promuovere i nuovi talenti e consolidare quelli che ci sono. Se non vengono affrontati questi problemi fare del cinema, già difficile in partenza, diventa quasi impossibile. In ogni caso secondo me è più facile fare del cinema a Milano. Certo, bisogna chiedersi cosa è cinema. Fare fiction televisiva è più facile a Roma che in Lombardia: Milano è sempre stata cinema contro, di ricerca, cinema altro, di barricata. A Roma mettersi a fare un film con 50 mila euro è una cosa da pazzi, noi lo facciamo. Essendoci poi meno baroni e meno preconcetti, senza contare la scuola del cinema che sta dando molto a questa città, e soprattutto la voglia - cioè qui non si lavora alle poste, non è che alle cinque si saluta e si va a casa - credo che forse a Milano si faccia più cinema che da altre parti.

È solo una questione di soldi? O c'è anche una mancanza di idee?
Beh sicuramente in partenza è una questione di soldi, perché se ci sono nuovi talenti senza i soldi non lo sapremo mai. Le idee d'altronde è molto raro che ci siano. Il problema è a monte, perché le nuove generazioni vengono cresciute in modo passivo, le si istruisce a rispondere a comando. L'unica soluzione è rifondare il sistema educativo, e far sì che le persone non vengano ammaestrate, ma trattate come esseri pensanti.

Quali sono i problemi che si incontrano quando si ha una buona idea?
Quando si ha una buona idea non si incontrano problemi. Io ho sempre visto che quando c'è una storia valida, prima o dopo si riesce a metterla in atto. Il consiglio è di lavorare moltissimo sulla sceneggiatura, senza la quale non si può avere il film, né tanto meno gli appoggi per farla. Quello che dico sempre ai miei allievi è, va bene lavoriamo gratis, ma leggiamo la sceneggiatura perché se è una boiata abbiamo di meglio da fare. Detto così sembra che per fare un film basti averne la voglia.Il problema non è tanto fare i film, ma distribuirli. Tu puoi avere anche il film dell'anno ma se non incontri una distribuzione, perché sei lontano da Roma, non per chilometri ma per relazioni, il tuo lavoro non lo vedrà nessuno. E non è un problema milanese ma italiano.Quindi la crisi del nostro cinema è dovuta a una carenza distributiva, non è colpa dei produttori. In Italia mancano produttori degni di questo nome: il produttore è un imprenditore che decide di lavorare e investire nel cinema e per farlo deve riconoscere il talento e i meccanismi per farlo emergere. Oggi in Italia ci sono solo produttori esecutivi: persone spesso poco competenti che comunque non mettono in gioco capitali propri.

Entrando un momento nella disputa condominiale fra Venezia e Roma, noi crediamo che Venezia abbia un'autorità che non vada toccata, lei cosa ne pensa?
D'accordissimo. Non capisco perché in tutto il mondo le istituzioni vengano conservate e aiutate, e noi che abbiamo uno straccio di festival che conta qualcosa andiamo a picconare anche questo. Riduciamo sempre tutto a qualcosa di locale, ed è per questo che nascono queste inutili rivalità. Semmai il festival di Venezia va rimpolpato costruendo nuove sale, mettendo a disposizione degli alberghi che non costino 400 euro e che non facciano schifo. E poi mica siamo l'America, quanti festival dobbiamo avere?

Lei insegna da più di dieci anni alla Civica Scuola di Cinema e Nuovi Media di Milano, qual è il ruolo della scuola nella nostra città?
Ha seminato tante di persone in grado di fare questo lavoro e alle quali è possibile attingere per i propri progetti. I miei alunni al primo anno già cominciano a lavorare ai loro lavori, o vanno a fare da assistenti a coloro che si sono diplomati da qualche anno. Esiste un tessuto professionale a cui fare riferimento. È un'istituzione che sta crescendo come presenza effettiva sul territorio.

Milano è una città cinematografica?
Assolutamente sì e il mio film ne è la testimonianza. In Come l'Ombra Milano si vede tantissimo perché sono milanese e mi interessa parlare della città. Il mio film non potrebbe essere ambientato che qui. O almeno in termini locali. Certo potrebbe essere una città del Nord America, del nord della Francia, della Germania. In questo momento stiamo lavorando per farlo uscire in sala.

Domanda di rito: quali sonoi film che hanno influenzato il suo lavoro? Secondo lei cosa è cinema? Quando siamo di fronte al cinematografico?
Tutto è cinematografico perché tutto può raccontare una storia, un punto di vista, una posizione politica e civile. Se invece ci chiediamo cosa è il cinema, come diceva Bazin, io credo esistano due cose distinte: l'intrattenimento e il cinema. Il cinema emana esprime un punto di vista con l'occhio, che è un punto di vista della mente, che è un punto di vista etico sulla vita.

Appunti di cinema transgender

2008-09-29T09:12:00.000-07:00

Corpi davanti allo specchio

“(…) Quello che stavo dicendo è che costa molto essere autentica signora mia... e in questo non bisogna essere tirchie, perché una più è autentica quanto più somiglia all'idea che ha sognato di se stessa.”
(Antonia San Juan – Agrado –Tutto su mia madre)

Lo sguardo vivace e tenero di Neil Jordan si posa sulla vita di Patrick “Gattina” Braden e compone immagini di grande emotività: Patrick non rinuncia mai a vivere la propria identità, che sente essere fortemente femminile, e lo fa lungo tutta la propria esistenza senza sottrarsi alle offese del mondo esterno. Ed è di colori, musica gioiosa, senso di innocenza e fantasia che è fatta “Gattina”: un corpo “di confine” che vive senza mentire a se stesso. Come recitava il sottotitolo del film Girl like me ( Holland, 2006), biografia del giovane Gwen Araujo, assassinato allorché tre coetanei scoprirono che era biologicamente uomo: “he was just who she was”.
A partire dall’ ultimo decennio sono state realizzate numerose pellicole in grado di declinare la ricerca dell’ identità sessuale e la tematica “transgender”, le quali hanno certamente fruito di una maggiore libertà espressiva e “trasgressiva” dettata dal maturare dei tempi. Mi chiedo, ad esempio, come invece poteva essere negli anni Sessanta, nel nostro Paese, assistere alle immagini di un film come Frenesia dell’ estate (Luigi Zampa, 1963), nell’ episodio in cui Vittorio Gassman, integerrimo colonnello di marina, viene turbato in un locale notturno dall’ attrazione per una donna che crede un travestito (cosa che invece non è): la rappresentazione del disagio psicologico ed emotivo che il solo pensiero genera nel protagonista è emblematica. Piccoli e grandi “outing” post ’68 nel Vedo Nudo di Dino Risi, protagonista un Nino Manfredi zelante impiegato con doppia vita al femminile, con tanto di vestaglietta e ciabattine rosa. Iconografia quasi anticipatrice dell’ esplicitazione apertis verbis della “coppia di fatto” de Il Vizietto di Edouard Molinaro (1978). Renato (Ugo Tognazzi) e Albin (Michel Serrault) gestiscono un night per travestiti, dove quest’ ultimo si esibisce come “Zaza”. Il film ha segnato profondamente l’ immaginario collettivo, tanto da avere ben due sequel ed un remake hollywoodiano, Piume di Struzzo (1996), con Robin Williams ed un grandissimo Nathan Lane. Tornando al presente, sono stati prodotti di recente in Italia alcuni significativi documentari, prove sincere di consapevolezza e realismo. In particolare Cachaça (F. Benvenuti, 2005) e Crisalidi (F. Tinelli, 2005). Da segnalare anche Come mi vuoi di Carmine Amoroso (1996), in cui il mondo trans è volutamente dipinto con grande crudezza; pellicola in cui ha esordito anche Vladimir Luxuria, che ritroviamo nel più recente film a tema: Mater Natura (Massimo Andrei, 2005). Quest’ opera ha colpito per le sue caratteristiche vivide e visionarie, nonché per la commistione di ispirazioni e stili, dalla sceneggiata partenopea, a Pappi Corsicato, al maestro Almodovar. Nel film di Andrei prendono vita personaggi estremi, ma non per questo meno autentici nella loro umanità. Questo è ciò a cui gli spettatori non possono restare indifferenti: Almodovar insegna che dinanzi all’ impetuosità della Vita e delle sue passioni, che sono commedia e tragedia al tempo stesso, non dobbiamo temere di addentrarci in mondi spesso eccentrici, trasgressivi. E’ un invito a sospendere la nostra incredulità, ad abbandonare i canoni della verosimiglianza e, perché no, dei falsi moralismi di tanti “benpensanti”.

Jessica Perini

Luigi Tenco - La canzone di protesta prima della rivoluzione

2008-09-29T08:50:00.000-07:00

Figli del Boom

"Bisogna creare qualcosa, rompere il cerchio che ci soffoca, altrimenti è meglio piantare tutto. Non si vive per riuscire simpatici agli altri. A me i soldi, il successo, non interessano, li lascio a quelli più furbi di me in questo genere di cose".

“Il miracolo economico…Balle, roba da giornali.. Si il miracolo c’è, ma per i ricchi, ma quelli nascono miracolati.” La cuccagna è un film sul Miracolo Economico che racconta un’Italia, quella degli anni ’60, incastrata in un limbo disordinato, fra nostalgie del ventennio, voglia di costruirsi un futuro, rabbia, apatia e ingenuità. Ciò che ci viene mostrato è solo l’assenza del boom di cui tutti parlano, che sembra essere più una tendenza culturale che una reale rivoluzione sociale.
Luigi Tenco questo l’aveva capito e lo cantava nelle sue canzoni. E forse anche per questo Luciano Salce lo scelse per recitare la parte di Giuliano, un ragazzo contro, arrabbiato con la società e incapace di accettarne le troppe colpe ingiustificate. Non si trattò di una parte di protagonista, perché per un personaggio come quello di Giuliano un simile ruolo era impossibile nella storia di quegli anni: non c’era spazio per coloro che non si ubriacavano di Boom allora. Per questo Giuliano altri non è che un anticipatore dei contestatori che dal ’68 metteranno in atto una rivoluzione culturale nei confronti del sistema sociale italiano. Ma Luigi Tenco è qualcosa di più che un semplice precursore della rivoluzione. Certo qualcosa di diverso. Siamo nel 1966 quando durante un dibattito sul tema "La canzone di protesta" tenutosi al "Beat 72" di Roma, un gruppo di contestatori istupiditi da troppa vuota ideologia si scaglia con il cantautore accusandolo di non fare vera protesta attraverso la sua musica, ma anzi di essere un venduto, un ipocrita, speculando con le sue parole. Tenco viene chiamato mistificatore e servo sciocco perché con le sue canzoni non fa che far guadagnare coloro contro cui esse sono rivolte. Ma è una qualcosa di diverso da una rivoluzione ciò che Luigi Tenco vuole portare avanti: “ Se dentro le canzoni ci metto delle idee, queste idee si trasmettono con le canzoni. Solo che per diffondere adeguatamente le canzoni è necessario che io trovi la maniera di farlo con gli stessi strumenti della società a cui mi rivolgo. Altrimenti è inutile, ne fai a meno, non protesti.” Una dichiarazione tanto matura quanto impopolare, soprattutto nei confronti di quei movimenti che di lì a poco si lanceranno contro un status quo con l’intenzione di stravolgerlo, con l’unica certezza di non voler scendere a compromessi. Ma non si tratta di compromessi neanche per Tenco: “ Io compromessi non ne ho fatti mai, con nessuno, perché non ne so fare, non riesco a venire a patti con la coscienza. Io sono come sono. E poi la mia non è una protesta che nasce intellettualmente, con il fatto di dire adesso io protesto contro Tizio o contro Caio. Nasce al di fuori della propria volontà, dal fatto che uno si sente estraneo a un dato meccanismo... Cioè io insomma le canzoni come le fa Morandi, non le so fare. Succede che a un certo punto mi salta la gomma e dico: ecco, io il militare non lo voglio fare, non so andare a morire... E questo è uno sfogo spontaneo, una protesta sincera. Non è stata studiata al tavolino. Così le parole di quasi tutte le mie canzoni esprimono questo senso, come dire, di malessere. Si può protestare in mille modi. Questa è la maniera mia, e viene dal mio carattere.”

Tanto ci sarebbe da dire della personalità tormentata di questo complesso cantautore italiano, ma da crediamo che meglio di qualsiasi tributo o biografia siano le sue musiche a raccontarci il suo carattere e la sua visione della vita, e poi ci piace pensare che forse proprio questo dar voce a ciò che Luigi Tenco teneva a far sapere riguardo la sua opera e il suo lavoro sia la maniera migliore di rendere onore uno dei maggiori cantautori italiani.

- Alla lunga, magari senza accorgertene, il meccanismo che tu credi di aver conquistato, ti condizionerà. E finirai anche tu come gli altri. Vedi Modugno, che cominciò con le canzoni sui minatori e i pescatori siciliani...- Padroni di pensarla come volete. Io ho preso una strada che a me sembra buona e non la mollo. Anzi, mi sembra tanto buona che vorrei avere un pubblico sempre più grande, immenso, tutto quello che con i mezzi industriali di oggi è possibile raggiungere. E il giorno in cui riuscissi a farcela, e ad avere questo pubblico dalla mia, state pure certi che non lo inviterò a volare nel blu dipinto di blu...

Antonino Valvo

Il Museo del Cinema di Milano

2008-09-17T06:10:00.000-07:00

Una piccola cantina nel cuore di Milano

dall'imminente del maggio 2006

Il suo ingresso si affaccia su via Manin, l'arteria che congiunge piazza Cavour a piazza Repubblica, ma di sicuro è più affascinante arrivarci dai Giardini Pubblici di Porta Venezia, dove lo si trova, quasi nascosto, all'estremo lato ovest del parco, sulla facciata posteriore di Palazzo Dugnani. E' uno spazio inatteso di intimità, piccolo, silenzioso, accogliente.Il Museo del Cinema della Fondazione Cineteca Italiana di Milano è l'indirizzo che abbiamo scelto per dare il via, a partire da questo numero dell'Imminente, ad un viaggio ideale fra i luoghi migliori del "Fare Cinema" nella nostra città. Sono solo tre sale, due di esposizione e una per le proiezioni. Non è la Mole Antonelliana. Eppure, dalla sua visita si possono ricavare impressioni piacevoli e per qualcuno forse inedite: quelle del contatto con un Cinema piccolo, familiare, amichevole. Le stanze sono allestite con documenti, poster, fotografie e macchinari d'epoca, secondo il progetto di Gianni Comencini e Walter Alberti, fondatori del Museo nel 1986. Vi si ripercorrono le tappe salienti nell'evoluzione della settima arte, a partire dagli strumenti ottici Sette e Ottocenteschi del precinema, passando per le esperienze e l'evoluzione dal cinema muto, fino all'avvento ed al trionfo del sonoro, a Hollywood e Cinecittà.La nascita del Cinémato-graphe data 28 dicembre 1895, con la proiezione al Grand Café sul Boulevard des Capucines, a Parigi, in fronte ad un pubblico sbigottito, dei dieci mini-film di Louis e August Lumière. La stagione del muto sarà in fondo limitata a pochi decenni, ma regala al mondo l'incanto dei primi lungometraggi.

Il Museo ospita un esemplare di apparecchio cinematografico di quel tempo, un "reversibile" (adatto cioè sia alla ripresa che alla proiezione dei film). Ecco poi i disegni e i bozzetti preparatori per Voyage dans la lune (1902) e per Les 400 coups du diable (1906) di Georges Méliès. In pochi anni muove i primi passi anche il cinema muto italiano, con i suoi divi ante-litteram, i suoi kolossal e, naturalmente, le sue sale cinematografiche: i fogli pubblicitari del cinema centrale di Milano (1909) ci illustrano un ritrovo alla moda per gentiluomini con mustacchi e madame dai copricapi eccentrici.Dopo gli anni Venti delle eversive avanguardie storiche, gli anni Trenta si annunciano con la rivoluzione tecnica del suono. Dell'Italia del fascismo, oltre al modello del celebre Teatro di posa n°5, si ricorda anche il primo lungometraggio d'animazione, La rosa di Bagdad di Anton Gino Domeneghini (rodovetri del 1939), che apre la sezione dedicata ai cartoonist del Belpaese. Ecco infine una interessante galleria di manifesti d'epoca, selezionati tra i più di cinquantamila stampati in possesso della Fondazione Cineteca Italiana. Fra le opere nazionali, da non mancare i poster di Miracolo a Milano, Sciuscià, Riso Amaro, La Terra trema e Mamma Roma.Oltre a gestire il Museo, la Fondazione Cineteca Italiana si occupa di organizzare proiezioni, incontri ed eventi di approfondimento nella città di Milano.

Museo del Cinema - Collezioni della Cineteca Italiana
Palazzo Dugnani - Via D. Manin, 2/B20121 MilanoTel 02.655.49.77
Orari di apertura: da venerdì a domenica dalle 15.00 alle 19.00
Proiezioni: ore 16.00, 17.00, 18.00
Ingresso: Adulti E 3.00 ; Bambini E 2.00

Antonin Artaud - Uomo di Cinema

2008-09-17T05:12:00.000-07:00

Tributo al tormento di un poeta

Artaud multiforme ingegno. Come era possibile lasciarlo ancora tacere? Da qui la mostra Volti/Labirinti allestita al PAC di Milano, concepita come un collage di tutti i linguaggi artistici in cui la sua personalità esplosiva si era cimentata. In questa abile operazione multimediale è stato riservato un ampio spazio alla sezione cinema (ricordiamo anche le due preziose rassegne cinematografiche correlate alla mostra - la prima sui film con Artaud attore presso lo spazio Oberdan, la seconda sul cinema che ha abbracciato la concezione artaudiana della "crudeltà" presso il cinema Gnomo). Perché Artaud è stato uomo di cinema. Artaud amava il cinema: "Amo il cinema. Non importa che genere di film. Il cinema implica un rovesciamento completo dei valori, uno sconvolgimento dell'ottica, della prospettiva della logica". Presterà il suo volto penetrante, la sua nervosa ed estremamente espressiva gestualità in ben ventidue pellicole. Non memorabile il suo Marat nel Napoleon di Gance, pellicola incentrata troppo sul tema dell'epopea - "parossismo in un'epoca che era essa stessa parossismo". Diversamente Artaud ci ha regalato un'intensa interpretazione con la parte del monaco Massieu ne La Passione di Giovanna d' Arco di Dreyer. Indimenticabile il dialogo tra Giovanna e Massieu che la prepara alla morte: i primissimi piani di questi volti senza trucco rivelano in modo straordinario l'intimo gioco dei sentimenti, riuscendo a turbare l'emotività dello spettatore.
Nell'arco discendente del suo astro l'artista rimase deluso dalla macchina cinema: "Il mondo cinematografico è un mondo morto, illusorio, fatto a pezzi, non permette alcun rimescolamento né alcuna ripetizione, condizioni maggiori della lacerazione della sensibilità". Probabilmente pensava che fosse impossibile trasferire sullo schermo i principi del suo "teatro della crudeltà". Ignorava quanto il suo pensiero avrebbe influenzato le generazioni a venire.

Crisitana Caffiero

Remember Polaroid

2008-07-26T03:44:00.000-07:00

http://www.polaroids.net/

L'8 febbraio 2008 la Polaroid Corporation ha annunciato che cesserà la produzione delle pellicole istantanee usate nelle macchine fotografiche Polaroid. Questa macchina fotografica, che ha accompagnato tutta la giovinezza di quella generazione che oggi si appresta ad andare in pensione, andrà in pensione con loro. Niente più click e stampa immediata fino ad esaurimento scorte. La Polaroid fu una rivoluzione. Appena scattata una foto potevi vederla subito, dopo averla sventolata un po', e appiccicarla, storta, dritta o sottosopra, nel primo posto
che capitava. Ne scaturiva un ambiente in cui eri circondato da colori, foto allegre e familiari. Da qui nacque quel "porno familiare" oggi ampiamente riconosciuto come forma d'arte contemporanea. Più o meno bizzarre le reazioni alla notizia della chiusura: qualcuno ha
ordinato 12 pacchi da 600 film di pellicola, qualcuno ha aperto un sito chiamato Save Polaroid lanciando, con una strizzatina d'occhi alla serie TV Heroes, la sua campagna "Save Polaroid, save the world", e qualcun altro ha organizzato un'uscita in grande stile per una grande piccola macchina fotografica. Questo è quello che succede su polaroids.net, un sito che raccoglie foto scattate con una Polaroid SX 70 e che lascia il piacere assoluto di entrare in un'altra relazione con l'immagine.
Qui, nel nulla sobrio di uno stilizzatissimo sito, ci si trova di fronte ad emozioni e impressioni di chi ha giocato con il proprio corpo e coi colori del reale creando dei "color kit", gallerie di colore.
La forza del sito sta nella presa di significato dei giochi cromatici, nell'ordine non stabilito, se non addirittura casuale, delle immagini, e nel ritmo per nulla aleatorio della durata della visione. Bellissima è la sezione "mère & fille" in cui trova spazio la nostalgia derisa in modo serio. In due foto, una accanto all'altra, troviamo una mamma nel 1950 quando mamma ancora non era, e sua figlia oggi. Stessa posizione, stesso sorriso o stessa sorpresa nell'essere fotografata e stessa età, a ricordarci come la Polaroid c'era, c'è, ma non ci sarà più. Sono due foto separate nel tempo reale, ma unite dal tempo della Polaroid. Allo spettatore non resta che accettare di sentirsi solo un individuo passivo di fronte a delle immagini e lasciarsi coinvolgere.

Michele Comba

Cinema a luci rosse a Milano

2008-07-23T11:44:00.000-07:00

Di questo è bene che non se ne parli

Qualche estate fa una emittente televisiva locale lombarda fu protagonista di un’insolita operazione di recupero cinematografico. All’interno della programmazione di terza serata, luogo elettivo dello spettacolo trash e porno soft, cominciarono a essere proiettati alcuni film erotici in bianco e nero, risalenti alla metà del secolo scorso, talvolta addirittura agli anni del muto. Non si trattava, in fondo, che di una serie di spezzoni di qualche minuto ciascuno, di alcuni episodi tratti da pellicole sparse, montati in sequenza chissà quando e chissà da chi, e acquistati in blocco a basso prezzo da qualche impresario padano improbabilmente cinefilo. Da un lato, quelle immagini apparivano quasi commoventi nella loro ingenuità: per le poche nudità esposte (oggi abbiamo pubblicità di yogurt molto più spinte) e per il comportamento dei protagonisti, presi di continuo da qualche tipo di inibizione o comunque poco scaltri. Da un altro lato, quei filmati così poveri di mezzi erano in grado di trasmettere la tensione morbosa del voyeur: il senso claustrofobico di poter osservare scene di sesso solo da lontano e da un punto di vista unico, quello di una cinepresa fissa, un po’ a documentario e un po’ a “veduta” clandestina.
Quel materiale così frammentario potrebbe forse trovare una sua validità di documento nel quadro di una storia del costume o della sessualità nel Novecento: ma quale sarebbe invece il suo posto all’interno della storia del Cinema? Detto altrimenti, è possibile ritenere il cinema erotico e pornografico una corrente degna di un proprio statuto artistico, al pari o similmente ad altri generi come il western, l’horror, la fantascienza?

Il cinema erotico nasce di lì a poco dall’invenzione del cinematografo, e per interi decenni si mantiene un fenomeno di nicchia e scarso interesse. Solo negli anni Settanta ne vengono comprese le potenzialità commerciali, e a partire dagli Stati Uniti avviene il grande lancio del business della pornografia. Cinema e Home Video sono i principali mezzi di accesso in questa fase, fino all'avvento di Internet, immane catalizzatore che spazza via tutto il resto e lascia i Cinema a luci rosse come dei luoghi residuali, scomodi, riservati a un'utenza de-informatizzata, ormai marginale nelle dinamiche di un mercato telematico internazionale.
A Milano i cinema porno ancora attivi si contano in una decina circa. Ha una sua fama il Teatrino di via Redi, laterale di Corso Buenos Aires, mentre le altre sale risultano sparse in zone poco aristocratiche della città come via Padova e viale Monza, viale Monte Ceneri, via Giambellino, Piazza Udine e Piazza Insubria. Anche per via di uno spettacolo teatrale messo in scena l'anno scorso al Teatro dell'Elfo da Danio Manfredini, si può ricordare il nome del defunto e sventrato Cinema Cielo di viale Premuda. Un tragico evento di cronaca è infine legato al cinema Eros di viale Monza (oggi chiuso), dove il 15 maggio 1983, durante una proiezione, si sviluppò un incendio e sei persone morirono.

Quello dei cinema hard è un mondo chiuso in se stesso, ostile a chi si propone di sondarne i tratti. Massima discrezione, porte aperte a condizione di non fare domande. A rispondere al telefono solo commessi e dipendenti, una rassegna di voci sbrigative, e il gestore, il responsabile? Irreperibile, non c'è, non so quando ci sarà, non c'è mai, non richiami, non ci interessa, grazie.
Rifiutando ogni attenzione, i proprietari vogliono fugare ogni rischio. La nascita di qualche risonanza pubblica potrebbe andare a sconvolgere equilibri essenziali per la loro attività. Gli spettatori potrebbero sentirsi esposti ad uno sguardo o giudizio collettivo ed esitare a presentarsi. Fra gli abitanti del quartiere potrebbero risvegliarsi antichi malumori per la presenza di un simile vicino di casa.
Una decina di sale, dunque. Capiamo il senso di questo dato se pensiamo che il numero non è troppo diverso da quello del 1970, e se facciamo il confronto con una analoga statistica per i cinema "generici": erano 160 tre decenni fa, oggi sono solo 20. Avete mai notato che su diversi
quotidiani italiani, nel corso dell'ultimo decennio, la lista delle sale vietate ai minori è scomparsa dalla pagina degli spettacoli cittadini, dove invece campeggiava un tempo? La sopravvivenza dei Cinema a luci rosse, luoghi apparentemente fuori tempo massimo, dipende ancora una volta da questo: dalla loro capacità di fingere di non esistere, di farsi dimenticare.

Daniele Belleri

Daniele Luttazzi e la censura su La7

2008-07-23T11:13:00.000-07:00

Può davvero una battuta su Ferrara esserne la causa? spe salvi

dall'imminente del febbraio 2008

-Le religioni sono un fatto culturale. È tutto molto relativo. Il Papa vorrebbe che tutti fossero cattolici. Le mucche vorrebbero che tutti fossero di religione indù. Qual è la verità sull'aldilà? Direi di partire da un semplice assioma: che nessuno ne sa niente. Mi piacerebbe che il Papa una domenica si affacciasse su San Pietro e dicesse: "Sapete una cosa? Nessuno ne sa niente. Siete liberi!"

Supponete di essere dei ladri di professione, e di stare progettando un'enorme, difficile, rapina in banca. Il colpo più importante della vostra carriera. Come vi comportereste, arrivata la vigilia di quel colpo pianificato e atteso da mesi e mesi? Probabilmente passereste l'intero giorno chiusi in casa, senza chiamare né sentire nessuno, a ripassare e rivedere ogni dettaglio dell'operazione. Di certo non uscireste in strada per fare un'altra rapina. Ebbene: sappiate che esistono ladri che alla vigilia di un grande colpo in banca vanno a rapinare fruttivendoli e mercerie, entrano con la refurtiva in Commissariato facendo pernacchie ai poliziotti, e tentano di scappare dirottando un tram, il tutto a volto scoperto. Daniele Luttazzi è uno di questi ladri.

- Dice: ma tu Daniele sei cattolico? Certo. Sono cattolico, apostolico, decaffeinato. [...] No, in realtà non sono cattolico. Sono cristiano monofisita: non riconosco le decisioni del concilio di Calcedonia nel V secolo. Ero cattolico, finchè un giorno Dio mi è apparso in sogno e mi ha rivelato che erano tutte stronzate.

Il suo Decameron è stato sospeso dalla programmazione di La7 dopo la trasmissione dell'1 dicembre scorso. Ragione ufficiale: una battuta in cui Luttazzi figurava Giuliano Ferrara nudo e dedito a pratiche di coprofilia con Cesare Previti. Ragione reale: l'argomento della puntata successiva sarebbe stato l'ingerenza della Chiesa nella politica italiana, a partire dall'enciclica Spe salvi di Benedetto XVI. Il solito tabù vaticano? Sì, e quello che allarma è l'evidenza che neanche La7 possa sfuggirne: che debba allinearsi al tradizionale comportamento di Rai e Mediaset. Il monologo di Luttazzi, facile da trovare in Internet, dice parole sulla Chiesa e sulle religioni che nella Tv italiana nessuno ha mai detto e che, evidentemente, non si possono ancora dire. Lo stile del monologo è cinico e caustico, come solito di Luttazzi, ma non si trova nulla che si possa avvicinare al tono greve della battuta su Ferrara. Certo una volta viene detto "cagare". Ma prima c'è una triplice argomentazione sullo status ontologico degli embrioni. Come a dire che la contesa è sulla sostanza: una censura su della cacca non è credibile.

- Nel tempo, le funzioni mitiche svolte dalle religioni e dalle monarchie non spariscono: oggi vengono assolte dai mezzi di comunicazione di massa e dal potere simbolico dei segni-merce, nuovi mondi-di-sogno. La pubblicità come teologia della lavatrice. Provate adesso a immaginare qualcuno che pretenda di vendervi una lavatrice alla condizione che, se non la comprate, brucerete all'inferno. Lo mandereste a cagare. Ma no, lui pretende anche di essere rispettato, perché non è solo una lavatrice, è una religione!

Luttazzi non immaginava le reazioni che avrebbe suscitato la sua intenzione di preparare una messa in onda sul Papa? Sì, immaginava tutto, e ci scherza su nei primi minuti della prima puntata di Decameron (cercate "luttazzi profeta" su YouTube). Perché allora, considerato il rischio, non ha fatto una valutazione delle priorità, costruito una gerarchia dei suoi obbiettivi? Come già detto: nessuno in Tv dice certe cose sulla Chiesa, mentre sull'obesità di Ferrara già Benigni costruiva interi spettacoli a metà anni Novanta. Tenere un basso profilo nella puntata precedente a quella sull'enciclica, così da non dare alla dirigenza di La7 la possibilità di trovare qualche pretesto censorio, non sarebbe stato un sacrificio troppo grave. In compenso avrebbe forse permesso di salvare il programma, così da permettere, sette giorni dopo, di fare della satira davvero pregnante.

- E questo è il quiz della settimana: quali fra questi intellettuali non è citato da Papa Ratzi nell'ultima enciclica? Sant'Agostino. Kant. Adorno. De Sade. E la risposta è: De Sade. La Spe salvi, sorpresa! è una dura condanna della modernità. Il giorno che venne eletto, dissi in teatro: "Hanno eletto il nuovo papa. È il cardinal Ratzinger. Subito condannato di nuovo Galileo". Non mi sbagliavo. Dopo un mese Ratzi disse: "La risposta alla modernità è Cristo". Io ho 46 anni, nella mia vita ho imparato una cosa: se la risposta è Cristo, la domanda è sbagliata.

Ora Luttazzi si lamenta, e ha ragione, ma passi anche la nostra di offesa. Perché non è concesso, a un personaggio la cui satira si basa spesso e volentieri proprio sulla dissimulazione (fintamente ingenua) di contenuti scorretti, di comportarsi poi da anima bella. Non è di colti uomini pubblici con vocazioni al martirio che abbiamo bisogno.

Daniele Belleri

Cesare Pavese e Natalia Ginzburg - Essere diversi senza essere contro

2008-07-04T08:12:00.000-07:00

Il Giusto Volume

Il 18 dicembre, per la prima volta nell'hinterland questo inverno, c'è stata una gelata mattutina come si dovrebbe: alla stazione di *** i pendolari sono pochi e pacifici, la luce è apertissima e i binari ancora all'ombra sono coperti di brina. Da quest'ultimo dettaglio nasce - irrazionalmente e senza pretese romanzate - l'idea di mettere insieme Cesare Pavese e Natalia Ginzburg per questa rubrica.
Certo accostarli non è un'operazione originale, visto che si conoscono bene, qualcuno azzarda 'migliori amici', sicuramente compagni in un gruppo di persone "che avevano sempre lavorato e pensato insieme". Allora, più che degli amici, qui si vuole parlare degli analoghi e dei complementari.
Le considerazioni contenute in queste righe sono riferite soprattutto a due opere: la raccolta di poesie Lavorare stanca di Pavese, e Le piccole virtù della Ginzburg, raccolta di racconti e saggi brevi. Chi mai fosse ricettivo ad un consiglio - consiglio davvero sentito, per quanto possibile - su letture prossime venture, l'ha ricevuto.
Cesare Pavese e Natalia Ginzburg rappresentano il giusto volume - volume sonoro e spaziale. Il primo coinciderebbe con lo stile e la misura, il secondo con gli argomenti e i contenuti, ma naturalmente i piani si intrecciano spesso.
Nella correttezza del volume sonoro sta, più che la capacità di non dover urlare, quella di non dover usare il sottovoce allo stesso scopo. Non abusare della semplicità come cultura d'accatto delle piccole cose o, per dirla con le parole dello stesso Pavese: "quel linguaggio (…) allusivo, che troppo gratuitamente posa a essenziale". Nella Ginzburg l'innocenza stilistica non coincide certo con l'ingenuità, ma nemmeno è stretta tra i denti come il proverbiale coltello, o a mo di martello, per fare e farsi il verso. Per rendere la cosa più piccante: il livello di onestà intellettuale, a livello strettamente stilistico, è forse superiore ad alcuni considerati must dell'autenticità di oggi - dal mucchio, Alessandro Baricco ed Erri De Luca.

Dalla forma si passa al contenuto: "ora, io non nego che nella mia raccolta di questi concetti se ne possono scoprire (…) nego soltanto di averceli messi", scrive Pavese nella postfazione di Lavorare stanca. E' molto curiosa la contiguità tra questa affermazione e una definizione che è stata data della Ginzburg, anche con una punta di risentimento: "è difficile notare una finta tonta più finta di Natalia Ginzburg. La sua prima preoccupazione è di ostentare la sua ottusità". I finti tonti raccontando dicono, sempre in modo estremamente sottile, sul filo: il gusto per la verità, di cui si dirà meglio alla fine, a tratti fa perdere corpo a tutto il resto.
I temi sono 'scarni', e anche le situazioni e i luoghi su cui insistono entrambi con la loro ricerca lo sono, ma come per la forma, povertà e semplicità sono proposte in silenzio, non brandite con forza. Scrive la Ginzburg che grazie a Pavese "(…) scoprimmo, con profondo stupore, che anche della nostra grigia, pesante e impoetica città (Torino, ndr) si poteva fare poesia": ma in questa affermazione non sembra esserci l'autocompatimento, visto troppo spesso, della mente eccelsa che si vanta di fare arte nonostante la valle di lacrime in cui vive, o l'autoglorificazione dell'artista che riesce a vedere il bello perfino laddove parrebbe impossibile. C'è piuttosto un onesto senso di fatalità, spesso così forte da essere motivo di rimbrotti per Natalia da parte di Pavese stesso: "(…) essa prende per granted, con una spontaneità anch'essa granted, troppe cose della natura e della vita". Affermazione coerente, col senno di poi addirittura scontata, se si considera il destino tragico di Pavese, morto suicida il 27 agosto 1950.
Quasi sempre le caratteristiche citate per l'uno valgono anche per l'altra. In entrambi stupisce l'equilibrio: rifiutare un eccesso senza tuttavia approdare a quello opposto, che si declina nella santa capacità di essere diversi senza essere contro, nel talento di imporsi come artigiani - prima Pavese e poi la Ginzburg, non a caso, avranno l'occasione di titolare come 'mestiere' la propria ricerca - evitando comunque il narcisismo (Il mestiere del poeta, titolo della postfazione a Lavorare stanca e Il mio mestiere, saggio incluso in Le piccole virtù).
"Non fu per noi un maestro, pur avendoci insegnato tante cose" - dice la Ginzburg di Pavese. Involontariamente, forse, ha definito un grande titolo di merito, che starebbe bene anche riferito a lei stessa.
In fondo, tutto si riduce al vero: "Dire la verità. L'artista che scrive deve sempre sentirsi capace di questo. Le parole non sono che uno strumento per costruire ai personaggi un mondo artistico uguale al mondo immaginario da cui egli li ha tolti (…) i personaggi quali sono, e non quali vorrebbe che fossero. Se no i personaggi sono falsi, il mondo costruito è falso. Generalmente questo accade a chi non possiede una sua verità, e si diverte a cucinare parole. Ma può accadere anche a chi non è sufficientemente convinto della propria verità (…) dire la verità. Solo così nasce l'opera d'arte". Chi l'avrà detto tra i due? Comunque sia, non è una morale.

Giacomo Giudici

Acme Comics Novelty Library

2008-07-04T08:06:00.000-07:00

"E' arrivata quella roba che avevi ordinato dall'America". E poi ho pagato i miei 28 sconcertati euro per l'Acme Comics Novelty Library di Chris Ware - neppure ricordavo di che si trattasse, ma una sola occhiata alla fascetta ed alle minuscole vignette che punteggiano la costa d'un rosso arabescato mi aveva già venduto il prodotto.
Non siamo di fronte ad una graphic novel. Per dire che non c'è una storia che comincia a pagina uno e finisce a pagina trecento. Al suo posto, ci sono gli aloni lasciati dalle nostre vite, come in una storia del mondo diretta da un regista della Nouvelle Vague. E che deborda macchiandoci i pantaloni.
L'arte di Chris Ware, grafico e fumettista scoperto dall'Art Spiegelman di MAUS, ha uno sguardo malinconico che si perde nel vuoto e va oltre la forma-fumetto: dalla genesi al molle popolo delle convention, in un ponte tra passato e presente, storia e fantascienza, ogni striscia è un appartamento vuoto, una sbornia solitaria. Un'insostenibile poetica del fallimento in toni pastello. Lo stile grafico è gelido, e stride con la malinconia dei personaggi che descrive, intervallando le loro storie di un'umanità dolorosa con detriti della nostra cultura, un accumulo ipertrofico di spazzatura dalla quale emerge chiarissima un'idea: che non è parodia del mondo contemporaneo, e neppure una moralità leziosa; è il chiedersi il perché di tanto dolore, ed il non trovare risposta.
Non è un fumetto facile: può commuovere e scuotere e cambiare, o può lasciare indifferenti. Quanto è certo è che qui dentro c'è disegnata l'unica storia del mondo di cui potreste avere bisogno.
Mentre decidete, fatevi un giro su www.pfbcomics.com: un altro costruttore di realtà che ha più di un tratto in comune con il nostro autore.

Alberto Ricca

Charles Bukowski: da caro estinto a caro-e-stinto

2008-07-04T07:54:00.000-07:00

Scandali addomesticati

Attenzione alle date: Charles Bukowski è nato nel 1920, ha esordito alla fine degli anni Sessanta e concluso carriera e vita nel 1994, con il bestseller Pulp, dopo più di cento pubblicazioni tra prosa lunga e breve e poesia. Storie di ordinaria follia, Compagno di sbronze, Hollwood! Hollywood! Musica per organi caldi: romanzi e raccolte noti, di fatto, anche a chi non ha mai avuto occasione di leggerlo. Charles Bukowski, con la sua America di romanzieri incompiuti, superalcolici, gallinelle, cadaveri nel freezer e cazzi morsi ha incantato e scandalizzato i nostri fratelli e le nostre sorelle maggiori, i nostri zii, in qualche caso probabilmente persino i nostri genitori. E molti di noi.

Edouard Manet presentò Colazione sull'erba al cruciale Salon des Refusés del 1863: anche qui lo scandalo fu grande, le cronache raccontano del pubblico e della critica inorriditi da quei nudi femminili in libertà, da quel cromatismo mai visto, da quella composizione classica stuprata nel contesto moderno. La storia dell'accoglienza di Colazione sull'erba è arcinota perché ci sembra estremamente assurda: nel giro di pochi decenni il quadro perderà la propria carica provocatoria, l'anticonformismo di quella rappresentazione della modernità verrà assorbito e metabolizzato, fino a farci percepire il dipinto come perfettamente innocuo, quasi di maniera.
Bukowski e Manet, con le debite proporzioni, fanno lo stesso: spaccano un vetro e fanno storcere molti nasi. Non precorrono il proprio tempo, come saremmo tentati di dire sbagliando, ma lo compiono, facendo fare un grande balzo in avanti al pubblico, vincendo la sua resistenza iniziale. Manet, in seguito, fatalmente si immola, come succede ai grandi: viene digerito, superato, ma la sua lezione rimane sempre sottotraccia. Bukowski invece, ad 88 anni dalla sua nascita, a 50 anni dai suoi esordi, a 14 anni dalla sua ultima opera e dalla sua morte, sta sulla maglietta di una buona fetta della nostra gioventù: immutato e mortificato.
Mortificato in senso letterale: reso morto, pietrificato, da chi lo venera e lo brandisce a mò di martello per sventolare il proprio stile, da chi lo accetta in maniera acritica come il non plus ultra del postmoderno, l'insuperato e l'insuperabile. E' la letteratura contemporaneissima e attualissima per certi salotti un po' truci - le colonne e il Mom, per semplificare - come il francese con basco e baguette (sotto l'ascella) è l'autentico francese per l'americano porcino proveniente da Yale. Da caro estinto a caro-e-stinto: Bukowski è rimasto sullo stomaco di chi lo salmodia, tanto da sentirsi il bisogno che cominci a stare sulle palle a qualcuno. Sembra l'unico modo per sorpassarlo. L'anticonformista per antonomasia è diventato un dogma di immaginario della realtà e di comportamento, ovvero il conformismo. Suo malgrado, si direbbe, anche se ascoltandolo (cercare cigarettes session su youtube) viene da pensare che il maestro - perché di un maestro parliamo - forse in ultima sulla propria persona diventata personaggio abbia fatto un po' autoerotismo.
Parlando di Bukowski non si può evitare di indossare, in appendice, un'altra maglietta molto simile e forse ancora più diffusa: Fear and loathing in Las Vegas, Paura e disgusto a Las Vegas, in Italia conosciuto come Paura e delirio a Las Vegas considerato il solito vizio di cambiare in peggio i titoli. Un vero culto, ultraidolatrato e ancora più accessibile perché cinematografico e perché interpretato da due autentici mammasantissima, Johnny Depp e Benicio del Toro. Forse non proprio tutti coloro che molto sensualmente ritengono sia già pronto per i licei e le tesi universitarie sanno che non si tratta originariamente di un film (1998) ma di un libro (in Italia - 1996) tratto a sua volta da un reportage, di un viaggio realmente avvenuto, pubblicato su Rolling Stone nel millenovecentosettantuno, ovvero 37 anni fa.
Sette anni in più di quelli che distanziano Colazione sull'erba da Il grido di Munch. Come dire che forse bisogna distogliere lo sguardo da nonni e padri impagliati, levarsi le loro magliette e cercare di rifarsi la bocca.

Giacomo Giudici

High Fidelity - Compilation: istruzioni per l'uso

2008-07-04T07:22:00.000-07:00

Ci salverà il pop

"Quello avrà dieci dischi al massimo"."E questo fa di lui un mostro, vero?""A mio modo di vedere, sì. Barry, Dick e io abbiamo deciso che non puoi essere una persona seria se hai meno di cinquecento LP"Così Rob e i suoi due dipendenti (Barry e Dick) passano le loro giornate al Championship Vinyl: stilando classifiche di tutto, insultando clienti venuti a comprare musica commerciale, crogiolandosi vaghe aspirazioni di grandezza (essere i leader di una band, mettersi con una cantante che ti citi nei testi delle sue canzoni…). Insomma, declinando in cento modi lo snobismo accidioso di quelli che "ne sanno".Ora, anche se l'obiettivo di chi scrive è arrivare a recensire la colonna sonora del film, facciamo una piccola digressione: se leggete queste pagine è probabile che vi sentiate di appartenere, se non ad un'èlite-culturale, quanto meno al gruppo di quelli che "si interessano", così come chi scrive e come Rob Gordon. La vita di Rob (e ne sono sicuro, almeno in parte, anche la mia e le vostre) s'impernia su sogni coscienziosamente scelti in quanto irrealizzabili, sulle piccole gioie di fruitore artistico e sulle grandi delusioni in tutto il resto. Per nostra fortuna ci sono, però, due forze trainanti. La prima sono le donne (il film è al maschile) che, da una parte, danno una struttura alla pellicola organizzandola in una grande top 5 di delusioni amorose, dall'altro sono il tramite per il lieto fine. La seconda forza, ed eccoci arrivati, è la musica pop. Importante: non è rock, non è jazz. È pop. Canzone d'autore vecchio stile, con i testi meno impegnati di sempre e sonorità immediatamente piacevoli; e in proposito,un grande critico ha snocciolato la verità più scomoda di tutte per noi "che ne sappiamo": il pop è la colonna sonora perfetta per la vita di chiunque. E purtroppo non ci sono repliche: provate a far calzare le 5 tracce di Kind of Blue alla vostra vita e poi rifate lo stesso esperimento con Sevie Wonder, i Love, i Velvet Underground (tutti protagonisti della O.S.T in questione)...la "crudele" realtà è che sulla maggior parte dei ring Elvis Costello mette al tappeto John Coltrane, perché su quelle note si fantasticano serenate, con quelle note si raggiunge la piccola notorietà di un pub affollato, da quelle note i balli, i baci... Così la colonna sonora di Altà Fedeltà, 15 tracce scelte da Kusack stesso tra il centinaio abbondante che è citato nel film, è pressoché perfetta. Nel finale del film Rob smanetta con un registratore e dice:"una grande compilation, così come una separazione, richiede più fatica di quanto sembri. Devi iniziare alla grande, devi catturare l'attenzione. Allo stesso livello metti il secondo brano. Poi devi risparmiare cartucce [..] eeeeh, sono tante le regole!".E a quanto pare sono state seguite tutte. Dispiace solo che non si usino più le audiocassette.

Giacomo Bisanti

Una Giornata per la Democrazia

2008-07-02T00:49:00.000-07:00

L'imminente appoggia e promuove la manifestazione organizzata dalla rivista MicroMega

Roma, 8 luglio, manifestazione in piazza Navona. Passaparola!
Colombo, Pardi, Flores d’Arcais: tutti in piazza contro le leggi-canaglia

Care concittadine e cari concittadini,il governo Berlusconi sta facendo approvare una raffica di leggi-canaglia con cui distruggere il giornalismo, il diritto di cronaca e l’architrave della convivenza civile, la legge uguale per tutti.
Questo attacco senza precedenti ai principi della Costituzione impone a ogni democratico il dovere di scendere in piazza subito, prima che il vulnus alle istituzioni repubblicane diventi irreversibile.Poiché il maggior partito di opposizione ancora non ha ottemperato al mandato degli elettori, tocca a noi cittadini auto-organizzarci.
Contro le leggi-canaglia, in difesa del libero giornalismo e della legge eguale per tutti, ci diamo appuntamento a Roma l’8 luglio in piazza Navona alle 18, per testimoniare con la nostra opposizione – morale, prima ancora che politica – la nostra fedeltà alla Costituzione repubblicana nata dai valori della Resistenza antifascista.
Vi chiediamo l’impegno a “farvi leader”, a mobilitare fin da oggi, con mail, telefonate, blog, tutti i democratici. La televisione di regime, ormai unificata e asservita, opererà la censura del silenzio.
I mass-media di questa manifestazione siete solo voi.

On Furio Colombo
Sen. Francesco Pardi
Paolo Flores D’Arcais

per info:

CONTRO LE LEGGI-CANAGLIA

ADERISCI ALLA MANIFESTAZIONE

AGGIONAMENTI QUOTIDIANI SULLA MANIFESTAZIONE

L’esperienza ventennale dello Studio Azzurro

2008-07-01T01:13:00.000-07:00

dall'imminente del giungno 2007

Sperimentazioni video e impegno concettuale

L’area della Fabbrica del vapore, situata tra via Procaccini e il piazzale del Cimitero Monumentale, è comunemente considerata una Grande Incompiuta. Grande spazio, grandi possibilità, ma pochi progetti e continue proposte di riqualificazione soddisfatte ad intermittenza - una situazione abbastanza comune a Milano.
Tutto vero, probabilmente: ma spesso la tendenza all’autocommiserazione facile fa perdere di vista quanto di buono c’è già e andrebbe tenuto da conto. Studio Azzurro è una di queste realtà, e fin dalla metà degli anni 90 – in tempi non sospetti - ha voluto esprimere con forza la necessità, per una città come Milano, di un centro di creatività e scambio culturale aperto soprattutto ai giovani. Coerentemente con questo atteggiamento, nel dicembre del 2004 ha trasferito gli uffici all’interno della Fabbrica del Vapore, contribuendo in maniera decisiva al progetto di riqualificazione avallato dallo stesso Comune. Più che un punto di arrivo, la nuova sistemazione vorrebbe essere un primo segnale da inserire in un quadro più ampio di iniziative che vorrebbero coinvolgere la città – corsi a tema, workshop, seminari – per migliorarla a livello urbano e sociale – le iniziative sono rivolte soprattutto ai giovani – e contribuire a rendere Milano più appetibile a livello europeo.

Cos’è Studio Azzurro? Secondo gli stessi fondatori è uno studio di ricerca artistica che basa la sua espressione su linguaggi tratti da tecnologie all’avanguardia, presente e attivo dal 1982. Qualcosa di eclettico e piacevolmente aperto fin dall’inizio, essendo nato dall’idea di tre professionisti già impegnati con successo in forme d’arte diverse: Fabio Cirifino (fotografia), Leonardo Sangiorgi (grafica e animazioni) e Paolo Rosa (cinema ed arti visive), tutti classe ’49, ai quali si è aggiunto nel 1995 Stefano Riveda, esperto in sistemi interattivi.
L’obiettivo del progetto è l’esplorazione dei potenziali poetici ed espressivi delle tecnologie e dei sistemi che hanno cambiato la vita di ciascuno negli ultimi anni, entrando nell’uso e nella mentalità comune. Una esplorazione viva e lunga ormai 25 anni, che ha fatto di Studio Azzurro un nome noto ben oltre i confini di Milano e dell’Italia – un’esperienza modulata in una serie sorprendente di scelte e lavori: dal teatro alle installazioni video, dalla progettazione di ambienti museali al cinema: dal 1981 ad oggi sei produzioni, tra corti e lungometraggi, l’ultimo è Il mnemonista (2000) con – tra gli altri – Sandro Lombardi, Sergio Rubini e Sonia Bergamasco, che il Morandini 2007 ha definito “troppo eccentrico rispetto al panorama del cinema italiano per essere capito e valutato come meritava”.
Lavori sperimentali, ma non fini a se stessi: accanto al valore artistico assoluto, và sottolineato l’importante impegno concettuale, culturale e sociale – in senso non poi così lato – di chi si spende per creare ambienti interattivi e comunicativi che coinvolgano la persona con un significato. Nelle performances teatrali, lo spettatore diventa parte integrante e attiva della struttura narrativa, “istigato” alla partecipazione da elementi reali e virtuali – il visitatore del museo (tra gli altri: il Museo della Resistenza delle province di Massa Carrara e La Spezia, il Museo dell’Industria e del lavoro di Sesto San Giovanni) viene inserito in un ambiente sviluppato appositamente per avvicinarlo, anche in modo intuitivo, a determinati contenuti.
Per chi fosse interessato ad approfondire le attività di Studio Azzurro è attivo l’ottimo sito ufficiale (http://www.studioazzurro.it/) e segnaliamo la recente uscita per Feltrinelli del dvd “Studio Azzurro – videoambienti, ambienti sensibili” che ne ripropone la storia attraverso una sessantina di lavori.Giacomo Giudici

Se non ci fosse Blob?

2008-06-26T09:30:00.000-07:00

Ovvero l'epoca della sovraesposizione mediatica

dall'imminente del febbraio 2008

Giorni fa mi sono accorto che sulla maglietta che indossavo era stampata una vignetta in cui due personaggi si scambiavano queste battute: "La TV è uno schifo…" "Hai ragione, se non fosse per Blob su Rai 3 non l'accenderei neanche!".
Blob nasce il 17 aprile 1989, da un'idea di Enrico Ghezzi e Marco Giusti: si tratta di voler fare un programma satirico di 15/20 minuti che proponga uno studiato montaggio di spezzoni audio e video, tratti dalla programmazione della Televisione italiana. Quello che mi domando e se per caso oggi Blob non abbia perso la forza sfrontata che lo contraddistingueva un tempo. La chiave di volta del programma è l'effetto Kuleshov: un risultato visivo ottenuto accostando una dopo l'altra due immagini, con l'obiettivo di suggerirne una terza nello spettatore. In questo modo il messaggio proposto resta fuori dal piano esplicito lasciando al fruitore la libertà interpretativa: la conseguenza è uno shock a posteriori nella sua mente. È fondamentale quindi mantenere un certo distacco fra le immagini e l'intenzione che sta dietro la decisione di accostarle fra loro.
Torno col pensiero alla maglietta: perché mi figuro Blob come il logo indossato dall'italiano medio mediamente insoddisfatto della TV? Forse perché Rai 3 è assurta a roccaforte della cultura catodica sinistrorsa? Forse perché nello zapping capita di incontrare personaggi che, dopo un'uscita infelice, esclamino scherzando "Dannazione, finirò su Blob per una settimana!" indebolendo la vis polemica del programma?

Stiamo finendo per prevedere quello che Blob manderà in onda, intuiamo che il mood del ghezzismo si è uniformato al linguaggio televisivo odierno. Abbiamo imparato a parlare di questo programma, come fosse un'istituzione di tutti e nessuno, che in una propensione destrutturante bipartisan ci ha abituati al capovolgimento delle affermazioni, delle posizioni, dei valori. Nell'epoca della sovraesposizione mediatica abbiamo assistito e concorso alla sovraesposizione di Blob e ci siamo assuefatti al riconoscergli una ragione critica, senza più sondarla, senza più sorprenderci o - pacificamente seduti in poltrona - indignarci.
Nel 1993 usciva per RAI-ERI Il libro di Blob di Enrico Ghezzi e Marco Giusti, che a soli quattro anni dalla sua nascita dimostrava un'attitudine ad affermarsi come importante chiave di lettura della società italiana. Dal 2007 Blob è maggiorenne ed è inevitabile fare un confronto coi vent'anni di Striscia la notizia di Antonio Ricci. Il telegiornale satirico di Canale 5 - macchiettistico e altalenante tra servizi di carattere sociale e gag di facile comicità - è di tutt'altra natura e caratura culturale ma suggerisce una riflessione su quello che possiamo considerare il vizio di Blob. Il programma di Ghezzi non finisce forse per fare parte della TV che esso stesso denuncia e venir digerito dalla becera logica del pubblico televisivo? Viene guardato perché si ricerca voyeuristicamente ciò che Blob spiattella in video. Pensiamo per esempio alla "rubrica" Area Pro-Tetta, in cui la geniale idea di incastonare in 10 minuti solamente immagini di seni nudi ha però - alla lunga e con l'iterarsi periodico - incentivato l'accettazione di quel canone estetico, omologato al palinsesto. Blob segue questa linea in maniera ingenua o è consapevole che certe visioni possano piacere a chi ama il piattume catodico? Striscia la notizia cerca consenso e share proprio in questo modo, ottenendo sia l’uno che l’altro con successo e senza pretese intelettuali che lo rendano vulnerabile a critiche vezzose e finto-colte.
Sappiamo però che il programma di Rai 3 non è un prodotto preconfezionato e, al contrario, la sua ricetta è molto simile ad un piatto che ci viene riproposto, ma cucinato in tutt'altro modo. Gli spezzoni audio e video che si susseguono vengono portati a nuova vita, spesso demoliti, talvolta nobilitati. Credo che l'attitudine satirica di Blob - pur considerando gli effetti collaterali valutati - non sia cambiata negli anni, come non sono cambiate l'impertinenza e l'anarchica ironia. Ciò che è mutato sono il nostro modo e la nostra capacità di leggerlo, che rendono sempre più vicino il momento in cui finirà sulla fatidica maglietta.
L'augurio che possiamo fare a Blob è di non nascondersi dietro l'apologia dello zapping che ne fonda la ragion d'essere, mentre quello rivolto a noi spettatori è di riuscire ancora a cogliere la straordinaria semplicità evocativa dell'effetto Kuleshov, per non rischiare di presumere in anticipo cosa ci verrà proposto alle 20.10.

Marco Turconi

Intervista a Maurizio Nichetti

2008-06-19T03:12:00.000-07:00

dall'imminente del gennaio 2007

Al cinema solo banalità

a cura di Antonino Valvo

Lei ha iniziato la sua carriera cinematografica con Ratataplan, un film muto e stravagante. È un film di questo tipo che servirebbe oggi?
Io credo che è sempre tempo di film belli che interpretano la loro epoca, e Ratataplan era uno di questi. Oggi ha 25 anni: non è rappresentativo del mondo contemporaneo. Oggi voi avete la Notte prima degli esami e Muccino, che vi possa piacere o meno è il tipo di cinema emerso da questi anni: la gioventù rappresentata nei suoi momenti più superficiali. Certo, alla fine degli anni 70 la società viveva un momento culturalmente più ideologico rispetto ad oggi. Adesso il fermento politico ha il sapore di un teatrino televisivo dove i personaggi diventano famosi perché aggrediscono l'avversario. Questo non può avvicinare una generazione giovane a degli ideali. E questa assenza di ideali ha toccato anche il cinema che è diventato accondiscendente verso il ritratto generazionale. Noi rappresentavamo l'alternativa, l'eccentrico. Io non mettevo in scena giovani normali, ma quelli che facevano teatro, che volevano fare le comuni e vivere fuori dagli schemi. Oggi invece tutto questo viene un po' tralasciato: ci saranno sicuramente delle eccentricità e delle realtà particolari, ma sullo schermo arriva solo il banale. Adesso l'originalità coincide con il successo di mercato (e anche la sperimentazione) solo nel cartone animato, è questo il caso di Shrek.

Perché non riusciamo a rappresentare l'eccentricità?
La crisi del cinema nasce dal fatto che non ha un mercato, non è un'industria ed è finanziata solo dalla televisione, la quale fa passare soltanto progetti che possono andare in prima serata. Il che priva il cinema della sua funzione primaria: quella di non essere televisione. Quando feci Ratataplan avevo trovato un produttore, Cristaldi, ma se oggi fossi un giovane che vuole fare un film come quello, lo farei con i miei soldi, con le mie telecamere, a bassissimo costo. Ma certo partendo così dal basso diventa difficile arrivare alle sale e raggiungere un successo di mercato, nel senso nobile di un'opera in grado di distinguersi per il suo valore rispetto alle altre offerte. Oggi l'offerta consiste solo in un prodotto commerciale spesso prevenduto alla tv che dà al pubblico ciò che vuole.

Come è cambiata la televisone dai tempi di Ladri di Saponette o Ho fatto Splash ad oggi?
Io appartengo a una generazione che aveva uno o due canali al massimo, che quindi erano molto selettivi; inoltre era possibile rimanere nell'immaginario delle persone per tanto tempo anche con una trasmissione una volta alla settimana. Oggi esistono mille canali che trasmettono a tutte le ore. Oggi diventa popolare il personaggio che fa più ore di trasmissione, non quello che le fa meglio, ma colui che riesce a stancare meno il pubblico. Lo spettatore poi può accedere a canali d'informazione audiovisiva talmente diversificati, internet, satelliti, canali tematici, che immagino siano anni che un giovane della vostra età non guardi i canali generalisti. Sembra quasi, se vogliamo essere cattivi, che qualcuno abbia fatto di tutto per fare diventare la televisione generalista poco interessante per invogliare lo spettatore ad acquistare tv satellitari e paytv.

E la pubblicità?
La pubblicità ha contaminato tutta la produzione audiovisiva, soprattutto per quanto riguarda il ritmo. In qualsiasi tipo di programma, non necessariamente brutto, tutto è molto breve, veloce, come tanti spot messi insieme dove niente è così importante da durare 10 minuti, ma tutto deve riuscire a colpire in 30 secondi. Ed è la pubblicità stessa ad esserne stata danneggiata: se quella velocità diventa una caratteristica dei programmi, quando parte la pubblicità non è più quell'esplosione di ritmo che era una volta.

Quindi si può dire che la pubblicità abbia contaminato la televisione e la televisione il cinema. È cambiato anche il ritmo del cinema?
I film con tanti effetti speciali hanno sempre avuto un ritmo frenetico. Era il cinema d'autore italiano ed europeo ad avere dei ritmi lenti. Solo durante i festival si possono trovare tracce di questo cinema, ma tanto più un film è lento e vince ai festival meno si vedrà nelle sale. Questa è un equazione matematica. Questo tipo di i film non rappresentano più il cinema, ma sono solo esempi di come si lavorava 40 anni fa.

Che consigli darebbe a chi vuole iniziare?
Bisogna adeguarsi al proprio tempo, con un linguaggio e un modo di muovere la telecamera (che non è più la cinepresa) adatto all'occhio contemporaneo. Si deve provare a far qualcosa di nuovo che dall'Italia possa interessare anche l'estero. Il problema è che preoccupandosi di piacere a un pubblico internazionale si rischia di appiattire molto l'originalità. Muccino con La Ricerca della Felicità ha fatto un film americano che scopiazza Ladri di Biciclette, La vita è bella e tutti i film coi bambini. Alla fine ha fatto 140 milioni di incasso per cui non puoi parlarne male, però non è di nessuno interesse, è solo l'ennesimo ricatto morale. Ormai o ti metti lì a costruire qualcosa di gigantesco e costoso o lavori sul piccolissimo: tu i tuoi amici e una telecamerina, e vedi di mettere insieme un cortometraggio e se poi la cosa è bella qualcuno l'andrà a vedere.

Il cinema italiano…
Oggi non esiste un vero cinema italiano. Trent'anni fa la situazione era diversa: c'erano i film di Natale che incassavano sempre molto, ma venivano prodotti anche altri 150 film che uscivano in un anno per accontentare tutti i gusti. In America invece la situazione è rimasta stabile: sfruttano il grande ricambio generazionale per restare aggiornati sul mercato. Da noi invece finché non muoiono lavorano, Mastroianni se non moriva lavorava ancora. Questo con tutto il rispetto per i grandi maestri, non è un sintomo di abilità. Lo dico contro il mio interesse perché se ci fosse una generazione di ventenni che riesce a fare cose che io non so fare o non capisco, mi metterei da parte e andrei in pensione. Ma mi sembra che i film che escono adesso sono ancora più vecchi di Ratataplan. Si è fermato un sistema. Possibile che oggi nessuno faccia più film originali? Non credo, ma in sala passano solo quelli che hanno sovvenzioni statali, amministrative e soprattutto televisive, il che implica poi una certa qualità del prodotto.

Il mezzo digitale.
Ha modificato completamente i rapporti tra autore, prodotto e pubblico. Tutto è più facile, più democratico e accessibile, ma anche più complesso se pensi di dover distinguerti tra una marea di prodotti di questo genere. Poi c'è anche una certa tendenza a snobbare il digitale: la postproduzione di Honolulu Baby era tutta in digitale e questo ha scatenato i timori di molti perché tutti volevano difendere i vecchi mestieri, ora però sono tutti disoccupati. Non c'è qualcosa da rimpiangere. Sono le tecnologie che vanno avanti. Il fatto è che ad ogni sviluppo tecnologico corrisponde una moria di vecchie professioni da un lato e la nascita di nuove dall'altro. Questa non è una perdita culturale, è un fatto normale.

Per lavorare a Milano lei si è dovuto comunque relazionarsi a Roma?
Il mondo del cinema è romano: le case di produzione e distribuzione sono a Roma, come anche le sedi competenti e i ministeri che finanziano il cinema. Io a Milano ho sempre lavorato in uno splendido isolamento: non mi hanno mai regalato il permesso di girare in una strada, ho sempre pagato tutto fino all'ultimo centesimo. Milano è disattenta al cinema, non ha una film commission che serva a qualcosa favorendo chi deve girare. In generale, Milano ha sempre avuto un gusto della cultura apparentemente sofisticato ma in sostanza molto limitato: La Scala e il Piccolo Teatro. Questi sono i monumenti, il resto non interessa. Le giunte da che mi ricordo io sono sempre state molto manageriali e burocratiche. Milano non è provinciale né campanilistica, è una città a cui non importa niente di avere un cinema di successo. Sarà molto orgogliosa delle sue squadre di calcio ma il cinema non gli interessa neanche prenderlo in considerazione.

Che cos'è il cinematografico?
Diceva Zavattini 50 anni fa: quando un autore smette di andare in tram e di guardarsi in giro perde le ispirazioni per scrivere le proprie storie. Ti trovi immerso nel bene o nel male in una moltitudine di culture, di razze, religioni, disperazioni, problematiche che potrebbero essere oggetto di mille storie, molto più originali di quelle che erano le storie originali di cinquant'anni fa. Quando ho iniziato pensavo a quanto erano fortunati in America ad avere una così vasta varietà di incastri con neri, gialli, rossi, perché quella era quella la realtà di tutti i giorni. Questo fenomeno è arrivato anche da noi solo che il nostro cinema non ha ancora imparato a usare questo materiale. I film impegnati che descrivono l'immigrato sfigato, rappresentano una banalità. Io parlo di raccontare una storia normale, di un indiano che si innamora di una cinese piuttosto di uno che si trova in mezzo a un casino di religioni e culture diverse dalla sua in un condominio in cui abitano dieci etnie e credi diversi. Questo tipo di storia, magari svolta in chiave umoristica, non è ancora stata sviluppata perché siamo ancora troppo freschi per questo tipo di contaminazione. La spettacolarità della società italiana attuale non è stata ancora resa spettacolare dal cinema.

www.nichetti.it

Io Santo, Tu Beato (risate)

2008-06-14T04:50:00.000-07:00

dall'imminte de marzo 2008

Sarti e Storti: santi subito

L'Italia è l'unico paese d'Europa dove serve coraggio, e ne serve tanto, per mettere in discussione e irridere le istituzioni. Serve coraggio perché noi riteniamo inopportuno, noi ci dissociamo, noi quereliamo, noi censuriamo. Lo abbiamo fatto quando tre autori televisivi, tre giornalisti, sono stati allontanati dalla tv pubblica perché esprimere la loro opinione, o meglio, fare il proprio lavoro è fare un uso criminoso del mezzo. Lo abbiamo fatto quando un programma è stato chiuso perché dei dirigenti di un'azienda ritenevano di sapere il significato del termine ‘satira’ meglio di chi di satira ci campa. Lo abbiamo fatto quando un gruppo di professori e ricercatori dell' Università della Capitale ha espresso il proprio dissenso nei confronti di un invito del tutto contestabile, stravolgendo i fatti, dimenticando il significato del termine democrazia o di usarlo con equità, alimentando versioni palesemente faziose della vicenda. Questo perchè in Italia in ogni disputa i buoni e i cattivi ci devono essere sempre dati, a priori, dal moral costume e dalla buona creanza, e di questa ci si deve fidare, perché è la versione giusta, lo dicono tutti (tutti chi?), perché non sia mai che un cittadino si trovi a dover valutare in base ai fatti e mettere in dubbio le verità ufficiali.
Se però alcuni di voi, spinti da sana curiosità e innocente spirito di irriverenza, vogliono sentire una voce che del moral costume se ne fa beffa, fino al 30 marzo al Teatro della Cooperativa di via Hermada 8, zona Niguarda, è in scena Io Santo, Tu Beato (risate). Protagonisti dello spettacolo Papa Pio XII e Padre Pio, che si incontrano alle porte del Paradiso in attesa di potervi accedere. Scherza con i fanti ma lascia stare i Santi. E perché? Non se lo meritano? Secondo Renato Sarti, autore del testo e attore insieme a Bebo Storti della piece, se lo meritano eccome. Senza contare che la vita di queste due figure storiche, di questi due uomini, di magagne e ambiguità su cui fondare una farsa ne é colma. Padre Pio è il santo più invocato dai fedeli, molto più di Gesù o della Madonna. E sicuramente, in vita, è stato anche molto più ricco di loro. A differenza di Francesco, il santo cui l'ordine del frate da Pietralcina era devoto, che si liberò della sua ricchezza donando la vita a Dio, Padre Pio grazie alla venerazione cui fu oggetto già ben prima della sua morte, diventò proprietario di considerevoli beni mobili ed immobili tanto che fu costretto a fare due testamenti a favore del Vaticano. E il voto di povertà? Un personaggio terreno, con i difetti propri di qualunque uomo: finte malattie per evitare il trasferimento in un convento sgradito e raccomandazioni per l'esonero dalla Leva. È questo il padre Pio rappresentato da Bebo Storti, un paesano simpatico e volgare, che l'attore riesce a rendere irresistibile al pubblico grazie a stilemi propri della Commedia dell'Arte, lazzi e giochi di parole inseriti fra le battute rivolte alla platea. Certo è difficile riuscire a fare una critica intelligente rifuggendo il cattivo gusto su temi così delicati, ma è questo il grande merito di Sarti e Storti, che provocano con responsabilità invocando la Scomunica. Al posto dei miracoli, sono altri i misteri messi in scena: riferimenti alla vicenda degli Arditi di Cristo o all'Operazione Candelabri di cui il lettore dovrà cercare maggiori informazioni altrove, dato l'esiguo spazio di questa rubrica. Se Padre Pio è ritratto soprattutto come un uomo comune distante quanto tutti noi dalla santità, Pio XII non può ricevere lo stesso trattamento. La Chiesa stessa si è trovata spesso in palese imbarazzo per il silenzio di papa Pacelli durante le torture, gli omicidi e le stragi naziste.

Non vi sono prove di veri abusi, diceva. Ma nulla disse invece delle stragi compiute dai religiosi cattolici croati nei confronti dei serbi ortodossi, degli zingari e degli ebrei. Né valsero a smuoverlo le testimonianze dei deportati sopravvissuti. Solo a guerra finita egli invocò misericordia, ma nei confronti di autorità religiose e gerarchi nazisti, colpevoli di crimini contro l'umanità, per molti dei quali favorì la fuga in Sudamerica. È grande Renato Sarti, il Pio XII di Io Santo, tu Beato, a ritrarre un personaggio che emerge sin dall'inizio come il più ragionevole fra i due, quello con il cui buonsenso è più facile identificarsi: da bravo papa egli sa come ottenere l'approvazione dei suoi fedeli. Per questo quando i due protagonisti si trovano sul banco degli accusati lo stupore e lo sdegno per le rivelazioni su Pacelli è maggiore rispetto a quelle sul frate di Pietralcina. Perché, in fondo, chi l'avrebbe mai detto? Ma se per Padre Pio siamo di fronte a peccati del tutto veniali non è con quattro Ave Maria e un Pater Gloria che si ottiene l'assoluzione da certe azioni criminose.
Come gli attori della commedia dell'arte Sarti e Storti chiamano più volte l'applauso durante lo spettacolo: l'applauso arriva ed è quello più liberatorio.

http://www.teatrodellacooperativa.it/

Antonino Valvo

Blaz - l'uomo blazé

2008-06-08T08:55:00.000-07:00

di Marco Turconi

Igort: professione storyteller

2008-06-08T08:20:00.000-07:00

dall'imminente dell'aprile 2007

"Chi è un autore: è uno che ha un osservatorio sul mondo, che riesce a capire che sguardo ha sul creato, sull'universo, e io vedendo quella cosa, leggendo quelle storie lì, capisco qualcosa di più su me stesso e del mondo. Questo è un autore, questo è quello che cerco come lettore". Chi sintetizza il lavoro dell'artista in questo modo è Igort - fumettista, storyteller. Se non lo conoscete è solamente colpa vostra: cinismo sacrosanto, ma d'accatto al tempo stesso, perché anche qui il suo nome ha cominciato ad essere pronunciato da poco e di sorpresa, dando però subito l'idea di essere uno di quelli da seguire. Igort esercita il "narrare per immagini" - così definisce il fumetto - dal 1979: e da allora non si è fermato, facendo conoscere il proprio nome in tutta Europa (e non solo), collezionando riconoscimenti ed esplorando campi diversi - cantante jazz con i Lo Ciceros, fondatore della casa editrice Coconino Press, conduttore radio su Popolare network e Radio2.
Delle decine di fumetti che ha firmato, 5 è il numero perfetto è forse quello che ha ricevuto più consensi: ed infatti, per guardarci vicino, nonostante sia stato edito cinque anni fa, è tuttora l'unico fumetto italiano che potete vedere in CUEM, la libreria dell'Università Statale di Milano. Si tratta di una storia noir ambientata a Napoli - e con i dialoghi in napoletano - che ha come protagonista Peppino Lo Cicero, ex guappo di prima categoria al servizio della camorra, padre di un figlio che ha seguito la sua strada e viene assassinato a sangue freddo durante una "commissione": la tragedia lo spinge a tornare in azione contro quelli che furono i suoi stessi datori di lavoro. Anche un profano del genere, come chi scrive, rimane affascinato soprattutto dallo stile del disegno: nella postfazione viene segnalata l'importanza della bicromia, ed in generale alcune vedute urbane di Napoli, la finezza e la sensibilità di alcune "inquadrature" spingono a sospendere la lettura e l'intreccio per concentrarsi sulla grafica - la scelta del dialetto poi è coraggiosa e riuscita. 5 è il numero perfetto è probabilmente la migliore opzione per chi vuole introdursi ad Igort e decidere se approfondire con altri lavori, da cercare nelle fumetterie milanesi.

Dedicargli uno spazio proprio in questa rivista, poi, non richiede nessun equilibrismo: l'intuitiva e naturale vicinanza tra cinema e fumetto viene potenziata ulteriormente dalla sua attitudine al noir. I passi seguenti provengono da tre brevi dialoghi con l'amico e collega Gianni Pacinotti, in arte Gipi (autore di diverse graphic novels e illustratore su Repubblica) che sono apparsi sul blog di Igort - http://www.igort.blogspot.com/ : sono stati utili per proporre qualche spunto.
Si parte dal cinema - come per Buzzati nello scorso numero, anche per Igort il passo sembrerebbe praticamente ovvio: "Il cinema è un linguaggio che io amo molto. Detto questo, non so come mi comporterei se dovessi fare un film: a volte ho delle immagini, mi sta capitando ultimamente (…). A volte mi capita di scrivere delle scene che non sono legate ad un fumetto, ma ad un racconto di per sé: potrebbero essere un romanzo, oppure un film". Il racconto, quindi, viene prima: codificarlo in fumetto, in prosa o in cinepresa è una scelta formale successiva. E' significativo che venga aggiunto: "(…) il racconto detta le regole: noi, secondo me, non dettiamo un cazzo, non siamo noi che decidiamo, noi seguiamo".
Occhi strabuzzati: perché al fumetto si arriva solamente alla fine, ma il percorso che si compire per arrivare a raccontare con carta, inchiostro e colla non può passare solamente per racconti su carta, inchiostro e colla: "(…) vedo una costruzione. Questa costruzione è fatta di diversi linguaggi: io nel fare fumetti non guardo solo fumetti, non mi nutro solo di questo. I fumetti sono una minima percentuale - Gipi annuisce - rispetto al cinema, alla letteratura, alla musica. Spesso ascolto delle musiche e mi dico: io devo disegnare con questa libertà".
Il percorso che Igort suggerisce è il più aperto ed esaltante possibile: il vissuto di ciascuno contribuisce a creare una pasta, una forma, un magma. Da questa pasta, forma, magma l'energia spinge all'espressione. I connotati dell'espressione - fumetto, cinema, letteratura, musica - sono il punto di arrivo, dove subentra la tecnica: ma si tratta di una deviazione finale radicata nello stesso movimento e nello stesso bisogno.
Per questo, senza nessuna contraddizione, possiamo parlare di un bravo fumettista su una rivista di cinema.

Giacomo Giudici

Intervista a Saverio Costanzo

2008-06-05T08:58:00.000-07:00

Il problema non è fare un film: è farne due

dall'imminente del giugno 2007

a cura di Claudia de Falco

Sei laureato in sociologia della comunicazione, come sei arrivato al cinema?
In maniera casuale. Tutto è nato dalla tesi di laurea, che ho fatto a New York, per la quale avevo in mente un lavoro che comprendesse oltre alla parte cartacea anche una video. Guardando i documentari americani degli anni settanta, in particolare Wiseman, mi venne l’idea di lavorare su un bar italo-americano, e prenderlo come punto di osservazione per raccontare la comunità. Quella è diventata la mia tesi. Poi, continuando a fare questo tipo di lavori, ad un certo punto ho incontrato la storia del film palestinese: non potevo farne un documentario ed ho provato ha farne un film.

Private e In memoria di me, due film apparentemente molto distanti, non sono in realtà solo due punti di partenza diversi per parlare di libertà e di ricerca interiore?
Per me i due film sono molto legati, come erano legati anche ai precedenti documentari. La riflessione è sempre la stessa, quella appunto del percorso interiore che in In memoria di me è più esplicita, già nel soggetto del film. Inoltre il luogo chiuso, il perimetrare l’azione in un unico ambiente, già trasmette un messaggio alla base del film che è quello della fuga da quel luogo o della comprensione di quel luogo. E’ chiaro che in un certo senso parlano anche di libertà: in Private ce ne si priva non volontariamente mentre nel secondo film la privazione è autoindotta. L’idea dell’unico posto è quello che fa immediatamente venire fuori questa cosa.

Private è uscito in contemporanea con la nomina di Abu Mazen, in In memoria di me si parla di spiritualità, dei singoli modi di viverla ed interpretarla in un momento in cui la religiosità è in crisi. Quanto conta per te il legame con l’attualità? Credi che possa esistere un cinema che si distacchi totalmente dalla realtà in cui viviamo?
Per me qualsiasi cosa venga messa in scena è politica: ogni volta che qualcuno accende una telecamera su un soggetto del contemporaneo questo è politico.Tutto quello che si fa e si produce deve essere politico, il cinema è politica perché la vita è politica. Ogni film, anche il più disimpegnato, è un indice politico e questo fa sì che in qualche modo ci sia sempre la sensazione di attualità. L’idea di slegare i film dal tempo e dal mondo in cui vivo li renderebbe inutili. Il mio prossimo film quindi potrebbe anche essere di fantascienza, una commedia o un musical, ma comunque avrebbe dietro un’idea di attualità. La mia teoria è quella di partire da qualcosa di contemporaneo, per poi smembrarlo della sua contemporaneità è farne uscire un cuore che è assoluto. La storia di Private è la storia di qualsiasi guerra, di qualsiasi occupazione e quest’ultimo film non è altro che la domanda che l’essere umano si pone da quando esiste: chi sono io?che faccio qui? perché lo sto facendo? Tutte cose che prescindono dal tempo, in un contesto che può assomigliare a qualcosa che viviamo in realtà.

Ad un giovane che vuole iniziare che consigli daresti?
Di fare. Io ho cominciato molto presto, perché stando lì ero costretto a lavorare. Per me fare significa girare, montare, scrivere. Ho certezza del fatto che chi ha talento prima o poi viene fuori. Guarda l’Italia: è un paese in cui le opere prime prodotte sono circa il doppio di quelle che poi circolano. Significa che si è sempre alla ricerca di nuovi registi, di nuovi autori. Il problema non è fare il primo film, è fare il secondo: per il primo c’è desiderio di capire chi è capace di farlo ma poi… Se hai veramente qualcosa da dire andrai avanti.

Sei d’accordo con chi sostiene che il cinema verrà cannibalizzato dalla tv?
Per me no, non dalla televisione. La televisione non interessa più nessuno o interessa chi è lobotomizzato, chi vive di riflessi condizionati dalla televisione. Il problema è fino a quando il cinema resterà tale senza essere schiacciato dal sistema commerciale. Il cinema continuerà esserci ma sarà sempre più visto in forme non consone: internet, il dvd. Se muore la sala muore il cinema. La questione è riuscire a far sopravvivere il cinema non commerciale, non lasciare che tutto si appiattisca in esso. La gente continua ad andare a vedere film, il problema è che c’è ne è di un solo tipo. Il cinema rischia di essere schiacciato non dalla tv ma dal cinema stesso, dal suo mercato.

Quale strada dovrebbe intraprendere per sopravvivere ?
L’unica strada percorribile per chi fa cinema più o meno commerciale credo sia quella di crearsi un proprio pubblico di nicchia. Non è un pubblico di massa ma ti permette di girare il mondo, di far circolare le tue idee, i tuoi principi. Sono gli aspetti positivi della globalizzazione: io ho fatto un film e so che, attraverso i festival, le vendite internazionali, questo verrà visto in 30,40 paesi. E questo consente di andare oltre i confini, di parlare a molte più persone, che è ciò che il cinema dovrebbe fare sempre.

Isola della Moda

2008-06-03T02:24:00.000-07:00

Nel quartiere Isola il fashion incontra il consumo critico

Che cos'è una città della moda? È una città in cui si produce moda e si lavora nella moda. Ma soprattutto è un posto in cui in cui si sente la moda come una cosa vicina e familiare, un patrimonio comune. In questa ideale città, a forza di stare in mezzo alla moda, gli abitanti si sentono incoraggiati a partecipare in modo autonomo alla creazione di bellezza; a ridefinire con il proprio lavoro quello che è moda. A Milano, questo accade? Come Murano e Faenza sono città del vetro e delle ceramiche, Milano si può considerare una città di artigiani della moda? Il pessimista radicale risponde no, e a tutto crede meno che a una moda quale patrimonio collettivo. Il suo pensiero è che la moda può esistere e mantenersi solo in quanto veicolo di esclusione, che lascia dietro di sé una lunga scia di invidie, di imitazioni, di conformismo.
La moda a Milano è però un fenomeno troppo ampio per essere tutto compreso in una lettura disfattista. Esistono realtà piccole, semi sconosciute, che parlano di consumo critico e di No Logo, di glocal di autoproduzione, di sviluppo sostenibile e di identità di quartiere, e provano a tradurre questo nugolo di intenzioni etiche in una pratica di commercio. Il flyer dell'Isola della Moda, in via Carmagnola, recita un invito sonante: «Una vetrina glamour per t-shirt di cotone biologico e giovani stilisti attenti all'ambiente e ai problemi sociali».
L'Isola della Moda è uno spazio di tre stanze nel pieno del quartiere Isola. Cento metri quadri riempiti di abbigliamento e accessori, oggettistica vintage, arredi originali. Tutto autoprodotto. Lo gestisce dal 2004 un gruppo di ragazzi: all'inizio solo t-shirt, le più facili da vendere, da 10 a 20 euro. Poi, piano piano, si passa a tutto il resto, sino agli abiti femminili e ai cappotti invernali. Oggi funge anche da showroom. Tutto quello che si vede si può comprare: quadri e fotografie, oggetti di design in vetro, una torre Eiffel alta come una persona, un pouf per (non) sedersi, acuminato come un porcospino. Una maglietta con il disegno di un cartone di latte in tetrapak, e in basso la scritta: My enemy, ci dice di una coscienza ecologica. In effetti buona parte degli abiti sono realizzati con tessuti e stampe naturali, mentre gli accessori discendono da materiali industriali riciclati, assemblati in nuove forme: nastri di videocassette sbobinati, o tutto il ferro della torre Eiffel, per esempio.

In via Carmagnola si parla di tematiche sociali con gli stessi termini con cui si discette di qualità fashion. All'inizio ci vuole un piccolo sforzo d'orecchio per tenere insieme i due discorsi. Autoproduzione, così, significa evitare lo sfruttamento di manodopera sottopagata, ma significa anche poter esibire un marchio made in Italy. E le t-shirt, per essere messe in vetrina, tanto meglio se hanno un concept che coinvolge materie etiche. L'impegno ambientalista e la povertà dei mezzi non pregiudicano comunque il successo delle collezioni de «l'unico atelier critico di Milano»:un paio di anni fa, la guida Lonely Planet per la settimana della moda meneghina affiancava i popolari stilisti dell'Isola a firme come Gucci e Prada.
Si arriva quindi a toccare il tasto bollente delle nuove costruzioni sull'area di Porta Nuova, distante da via Carmagnola un tiro di schioppo, e a discutere sui modi con cui preservare l'attuale assetto glocal e le rimanenze popolari del quartiere Isola: un profilo che si teme sarà compromesso dal termine dei lavori a Garibaldi. Una risposta che parte dallo showroom è l'indirizzo web inaugurato lo scorso 7 maggio: http://www.isolagaribaldi.net/, un portale in cui saranno inseriti il database di tutti i luoghi notevoli e il calendario degli eventi e degli incontri che costituiscono la vita mondana all'Isola. L'idea incoraggiante è quella di avviare un compatto coordinamento tra i vari spazi artistici, ristoranti e locali. Il timore che però ne si accompagna uscendo sulla strada è che questa iniziativa non andrà a coinvolgere chi più avrebbe bisogno di non restare solo: i veri ambienti popolari. Come le botteghe degli immigrati pugliesi e gli alimentari arabi, come i bar lividi dei cinesi, come le misere e per nulla artistiche tavole calde di Piazza Archinto.

http://www.isoladellamoda.info/

Daniele Belleri

Una firma per Davide

2008-06-03T02:19:00.002-07:00

La petizione al Tribunale per i minori di Bari per restituire ai genitori la potestà genitoriale

Nel link sottostante potete leggere la lettera dello zio di Davide, il bimbo di Foggia affetto dalla sindrome di Potter, nato senza reni e sottratto ai genitori dai giudici minorili per sottoporlo a dialisi. Il padre e la madre, contrari a questo crudele accanimento terapeutico, chiedono che il provvedimento venga sospeso e che venga riconosciuto loro il diritto di decidere sul futuro del figlio e sui trattamenti medici cui sottoporlo.

per leggere la lettera:
http://minimokarma.blogsome.com/2008/05/12/una-firma-per-davide/

per firmare la petizione:
http://www.petitiononline.com/davmar/petition-sign.html

E' uscito il nuovo numero di imminente!

2008-05-25T06:12:00.000-07:00

è online il numero di maggio dell'imminente: scaricalo ora

All'interno:

BREVI

Italietta _ Mamma li rom

Cinebrivido

Il dolce e l’amaro_ http://www.waterfootprint.net/

Monumentalistica_Piazzale Baiamonti

RUBRICHE

Incontri_Isola della Moda http://www.isoladellamoda.info/

La Maglietta_Charles Bukowski

Menocchio_Dolcino e Dolcissima http://www.teatroagricolo.it/

Gli Occhi Strabuzzati_Ennio Flaiano

Musikanten_High fidelity

Made in Italy__Tutta la vita davanti

TITOLI DI CODA

Grafiche Novelle_7 soldati della vittoria

Blaz - l’uomo Blasé

Solo in rete_http://www.polaroids.net/

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Direttore responsabile
Daniele Gallo

In redazione
Daniele Belleri, Giacomo Giudici, Marco Turconi, Antonino Valvo

Hanno Collaborato
Giacomo Bisanti, Claudia De Falco, Paola Gallo, Alberto Ricca

foto di copertina
Civico Archivio Fotografico

contatti imminente@email.it

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Pi greco - il teorema del delirio

2008-05-24T05:31:00.000-07:00

Techno e Breakbeat al servizio della schizofrenia

Esiste un tipo di musica elettronica per il quale la fruizione ideale richiede nell'ascoltatore una buona dose di schizofrenia. Questo è l'assunto dal quale partire per analizzare la colonna sonora di Pi Greco, che senza dubbio si configura come qualcosa di più di un accompagnamento musicale o di un semplice motore in grado di spingere più velocemente le immagini.
Innanzitutto è necessario contestualizzare: il film esce nel 1997, un anno cardine per la moderna musica elettronica, soprattutto dal punto di vista discografico. Basti pensare all'influenza che avranno album come New forms di Roni Size, The fat of the land dei Prodigy, Richard D. James album di Aphex Twin e Mezzanine dei Massive Attack. Darren Aronofsky – esordiente regista-sceneggiatore – sceglie il pure esordiente Clint Mansell per curare una colonna sonora che legga con "lucidità" il viaggio del protagonista in un delirante universo paranoico, fatto di timbri distorti e accelerazioni improvvise. Il linguaggio del film si preoccupa così di dare lo stesso peso alle esperienze reali e alle proiezioni extrasensoriali, avvolgendole di un bianco e nero sgranato a 16mm, che talvolta sembra portare lo spettatore su un piano altro rispetto all'esperienza sensibile. Ogni volta che la macchina da presa si fissa, anche solo per qualche istante, sullo sguardo di Max Cohen i suoni acidi e freddi viaggiano sulle stesse frequenze delle sue allucinazioni: i suoni distorti e filtrati - talvolta sconfinanti nel Noise - che lo attaccano quando è in bagno sono il martello che gli perfora le tempie, mentre niente meglio dell'incalzante "Petrol" degli Orbital poteva accompagnare la sua folle corsa in metropolitana. E proprio l'ambiente metropolitano si conferma il più consono ad accogliere i suoi attacchi e le sue intuizioni visionarie, frammentate da arpeggi di bassi cupi e sintetici, inframezzate da pad distorti ed evanescenti. Questa è la condizione entro la quale Techno e Breakbeat meglio si accordano, fondendo le proprie ritmiche, nell'intento comune di esasperare le percezioni e incalzare quella schizofrenia di cui si parlava all'inizio. In tale contesto sembra piovere come manna "Angel" dei Massive attack - che entra in fade-in e si concede per un minuto scarso - essenziale manifestazione dell'anima soffice dell'elettronica: il Trip-Hop. I contrasti sembrano essere il trait d'union di tutto il film, che oppone scene di un buio claustrofobico a fotogrammi completamente bianchi, sequenze con pochi cambi d'inquadratura a un montaggio frenetico da videoclip, la rarefazione sonora di "Kalpol intro" degliAutechre - che ritorna in almeno tre occasioni - alla violenta Jungle di "Pi r2", vero e proprio theme del film. La musica elettronica, con e grazie a Pi Greco, rivela sia la peculiare precisione matematica dei beat e dei suoni sintetizzati, campionati, granulizzati, sia la straordinaria capacità di sconfinare nell'irrazionale e nell'inconscio: proprio i due fuochi fra i quali si trova imprigionato il protagonista del film.

Soundtrack consigliata

Clint Mansell - Pi r2
Stanley herman - I only have eyes for you
Orbital - P.e.t.r.o.l.
Autechre - Kalpol intro
Banco de gaia – Drippy
Spacetime continuum – A low frequency inversion field
Massive attack - Angel
Electric skychurch – Full moon generator
Joanne Ovadia - Some of these days

Marco Turconi

Camicie Verdi di Claudio Lazzaro

2008-05-20T07:38:00.000-07:00

Dall'imminente del maggio 2006

"Noi che siam padani abbiamo un sogno nel cuore: bruciare il tricolore!". Questo è il grido che si alza, unanime, dalla folla in festa durante i comizi della Lega Nord. Follia? Può darsi, ma sicuramente è pura realtà. All'appello non manca nessuno: Calderoli è li sul palco a sbraitare contro gli Islamici ed i terroristi, esibendo con orgoglio la sua collezione di t-shirt; Borghezio è in Piazza del Mercato a Torino, pronto per una delle solite ronde notturne, atte a ripulire la città dalla "sporcizia immigrata"; c'è anche il "Senatur" Bossi, provato e stanco dalla lunga battaglia in Parlamento per l'approvazione della legge sulla devolution. Insomma, c'è proprio il meglio del peggio nel primo film di Claudio Lazzaro, ex giornalista, ora produttore e regista, Camicie Verdi. Il punto cruciale del film è l'intervista rilasciata da Carlo Marchini, fondatore delle Camicie Verdi ed ex senatore leghista: "Bossi mi chiamò all'una e mezza di notte chiedendomi di sparare ai carabinieri durante il raduno per la dichiarazione d'indipendenza padana. Voleva manifestazioni eclatanti, gesti estremi, voleva che si bruciassero i tricolori. Gli dissi che era pazzo. Poi scoprii che alcuni esponenti della Lega avevano ordinato, a mio nome, l'uccisione di Borghezio: serviva un martire da mostrare nelle piazze. Ma a quel punto feci un passo indietro".
Semplicemente agghiacciante. Lazzaro si raffronta anche coi giovani leghisti partecipanti alle iniziative culturali (!) organizzate nelle discoteche dal partito; li incalza con domande sui motivi che li hanno spinti nella scelta dell'adesione e i valori in cui credono, ottenendo come risposta solo fragili sorrisi che mascherano un profondo, inquietante vuoto di convinzioni e idee. Altro che "celodurismo", qui siamo davanti ad una totale mancanza di sostanza. Ma questa è la Lega che fa più paura: la Lega del futuro che sta sorgendo dal fuoco, ancora acceso, del disprezzo e dell'odio che fuoriesce dalle bocche dei distinti rappresentanti parlamentari in camicia verde. È per questo che c'è bisogno di una forte e ostinata voce contraria. Avanti allora, o popolo, affinché nel domani l'unico verde sovrano sia quello dei campi in fiore.

http://www.camicieverdi.com/

Andrea Piovesana

Un impiegato, un dottore e l’omicidio di Augusta T.

2008-05-16T05:04:00.000-07:00

Dall'analisi delle pellicole e delle registrazioni in nostro possesso, non risulta che il Dottore e l'Impiegato si siano mai rivolti la parola. Andrebbe pertanto esclusa l'ipotesi che l'Impiegato sia stato sottoposto a interrogatorio da parte del Dottore almeno una volta negli anni fra il 196* e il 1973.
L'unico momento di contatto accertato fra l'Impiegato e il Dottore, va fatto risalire alle circostanze di un'operazione di Polizia dell'aprile 196*, compiuta durante le indagini sull'omicidio di Augusta Terzi. Nella sua qualifica di dirigente dell'Ufficio Politico, il Dottore aveva fatto visita quel giorno ai piani sotterranei del Palazzo della Questura, dove in base ai suoi ordini erano state appena condotte con la forza una trentina di persone, tutte legate alle formazioni movimentiste dell'estremismo di sinistra. Fra gli uomini e le donne trattenuti per accertamenti vi era anche A.D.F., trentenne, ex impiegato delle Poste.
Al di là di questa occasione, in cui il Dottore e l'Impiegato si trovarono nella stessa stanza per diverso tempo e si scambiarono qualche reciproco e non tenero sguardo, i due uomini non si sono mai incontrati né rapportati in alcun modo.
La data dell'aprile 196* segna per l'Impiegato l'inizio di un secondo periodo di reclusione. Già condannato per il fallito attentato del settembre 196*, evaso dal carcere nel novembre dello stesso anno, dopo aver guidato la rivolta dei detenuti, durante i mesi della latitanza riprende l'attività terroristica in alcuni gruppi clandestini. Al momento del fermo in Questura, nell'aprile, è trovato in possesso di documenti falsi. Risalite alla sua vera identità, le Forze dell'Ordine procedono alla nuova incarcerazione.
**
Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto è un film di Elio Petri, del 1970, con protagonisti Gian Maria Volontè e Florinda Bolkan, e musiche di Ennio Morricone. Storia di un Impiegato è un disco di Fabrizio De Andrè, del 1973. Il Sessantotto, visto appena dopo: due storie sul Potere con la maiuscola, come forza impersonale e inattaccabile. Potere che difende i suoi membri, Potere che arriva ad inglobare e neutralizzare i suoi attentatori, quando questi rischino di metterne davvero in pericolo l'esistenza.
Ma c'è stato davvero, quel basso come martello, quel tamburo insistente, quel giro acuto e spigoloso, che se lo sono presi pure i Subsonica? O è tutto un espediente di cinema e musica? Il De Andrè politico non suona così lontano da Morricone. Il Dottore detta all'Impiegato le parole di Sogno Numero Due: « Hai assolto e hai condannato al di sopra di me, ma al di sopra di me, per quello che hai fatto, per come lo hai rinnovato, il potere ti è grato». E poi chiarisce la sentenza: «Assoluzione e delitto, lo stesso movente».
Dall'altro lato c'è Gian Maria Volontè: l'attore il cui volto è rimasto come uno spazio umile, prestato alle sovrapposizioni dei ruoli e dei personaggi. L'uomo senza una versione stabile e riconoscibile del suo talento. Un primo attore che non ha voglia di autocelebrarsi o di diventare un'icona pop, e che per quanto ci si metta, non riesce proprio a prenderle sul serio, le ragioni dell'avere una faccia o una voce.

« Noi invece siamo a guardia della Legge, che vogliamo immutabile, scolpita nel tempo. Il popolo è minorenne, la città è malata. Ad altri il compito di educare, a noi quello di reprimere! La repressione è il nostro vaccino. Repressione è civiltà!»

Daniele Belleri

Biutiful Cauntri

2008-05-07T00:58:00.000-07:00

In Italia persiste una brutta abitudine: delle cose se ne parla solo quando sono al culmine, quando si realizza un episodio clou, poi basta. La notizia buona è solo l'ultima, quella del momento. Poi poco a poco l'argomento si esaurisce, passa in secondo piano rimpiazzato da un avvenimento più eclatante: il prima e il dopo non interessano a nessuno. O almeno così sembra. Questo è esattamente quello che si è verificato anche per l'emergenza rifiuti della Campania: per qualche giorno la regione sommersa dai suoi (nostri) detriti è stata sulle prime pagine di giornali e TG ma una volta passata la bufera i media si sono defilati. Come e perché si è arrivati a questa situazione eda quanto tempo va avanti? Chi è veramente costretto a pagarne le conseguenze?

Sono queste le questioni affrontate dal documentario Biutiful Cauntri, interamente girato nella provincia napoletana, prodotto e distribuito dalla Lumière & Co ed insignito della menzione speciale "per il raggiunto equilibrio tra impegno civile e rigore espressivo" alla 25ma edizione del Torino FilmFestival (2007). Esmeralda Calabria, Andrea D'Ambrosio (reduce dal film collettivo Checosamanca in concorso nella sezione Extra della Festa del Cinema di Roma dello scorso anno) e Peppe Ruggiero danno la parola alle vere vittime delle discariche abusive, lasciano che sia il 'popolo', auto-definizione di uno dei protagonistinarratori, a raccontare la storia di un territorio che, costretto a convivere con i rifiuti tossici, si sente abbandonato dalle istituzioni e minacciato dalla malavita. La direzione è asciutta ed efficace, si va dritto al punto: la collusione di imprenditoria e governanti è palese e la camorra con i 'guanti bianchi' miete morti tanto quanto quella che impugna le pistole. In un clima di omertà collettiva i camion arrivano di notte, scavano ed interrano rifiuti non smaltibili, le fabbriche scoppiano, i copertoni bruciano esalando fumo nero nell'atmosfera mentre la diossina inquina aria, acqua e terra.
Le immagini del Comando Tutela Ambiente dei Carabinieri di Caserta e Salerno e le intercettazioniconcesse dalla Procura di Santa Maria Capua Vetere sottolineano e avvalorano le dichiarazioni di un educatore ambientale che per anni ha lottato e denunciato questi crimini e di allevatori e contadini che da generazioni vivono in queste terre, ora alterate, e che vedono a rischio non solo il proprio lavoro ma, soprattutto, la propria salute. Non c'è spazio per retorica e sentimentalismi: ilprimo commissariamento risale a 14 anni fa, le indagini sono incorso e la Comunità Europea ci ha recentemente condannato per le discariche abusive presenti nel paese (1200 solo in Campania). Dopo Gomorra, l'ecomafia e una camorra che parla con accento del Nord tornano di nuovo sotto i riflettori. Lo spettatore, guidato in questo viaggio nell'inferno campano da cartelli autostradali e sottotitoli, si indigna ma non basta più. I rifiuti avvelenano la Campania, società e politici corrotti e lassisti tutto il Bel Paese.

Claudia De Falco

Amen - Baustelle

2008-04-17T01:34:00.000-07:00

Rimpiangiamo un decennio che non abbiamo mai vissuto

e rimpinguiamo i padri che dovremmo accoltellare

Volevo solo dire che i Baustelle mi piacciono molto, e piacciono anche a mio padre. Dice che gli ricordano quando era ragazzo. Mio padre si è fatto tutti gli anni Settanta nei gruppi extraparlamentari. Mio padre ha ascoltato Amen, l'ultimo disco dei Baustelle, e gli è piaciuto. Poi è venuto da me e in tono di sfottò mi ha chiesto "Che impressione ti fa che una cosa che piace a te, da ventenne, piaccia anche a tuo padre?". Io gli ho risposto "Nessuna. Se una cosa di oggi piace anche a te vuol dire che non è una moda. Vuol dire che ha un vero valore". Più tardi mi è venuto in mente che ogni generazione, per farsi, deve ammazzare simbolicamente i propri padri. E la mia generazione ha una preoccupante carenza di padri da ammazzare. Adesso: se i Baustelle, vale a dire una delle espressioni di musica pop politica più caratteristiche del decennio, in Italia, piacciono a mia padre, cosa può voler dire? Forse dovrei preoccuparmi. Dubito che mio nonno avesse amato gli Area, quando mio padre se li ascoltava; quasi di sicuro li avrà detestati. Ecco mi arriva un pensiero cattivo, spero di sbagliarmi. Altro che armarci il braccio, altro che pugnale: i Baustelle ci danno le vecchie fotografie e le giacche anni Settanta più stilose. Risultato, rimpiangiamo quel decennio che non abbiamo mai vissuto, e rimpinguiamo i padri che dovremmo accoltellare.Torno ai pensieri ordinari sui Baustelle, che in fin dei conti non hanno smesso di piacermi. Uno, la loro musica è buona; due, i loro testi sono ottimi: ripenso all'inizio di Il liberismo ha i giorni contati, con le sue parole puntualissime, quasi generazionali; tre, lui e lei che cantano sono belli e con stile. "L'erba fa male se la fumi senza stile". Stile, stile, tanto stile... Altro dubbio. Forse troppo stile? Mi viene in mente Oscar Wilde, penso che i dandy non fanno politica, non ne sono capaci: il loro parlare di politica è solo un altro modo per aumentare la propria vanità, per estraniarsi dal mondo presente. Mi cambio la maglietta dei Baustelle che indosso da due giorni. Ragiono sui nuovi elementi: i dandy di ogni epoca uniscono al disprezzo del presente la nostalgia per un'epoca d'oro che non hanno mai vissuto, un'epoca che naturalmente non è mai esistita, e che se loro stessi avessero vissuto, avrebbero disprezzato.Comunque, sono ben contento che Amen sia tanto infarcito di ragionamenti politici e di citazioni dalla storia repubblicana. E sarei ancora più contento se nascessero altri cinquanta, cento gruppi italiani che parlassero di queste cose. Ma in fin dei conti, non credo che accadrà. Qual è lo spazio, fra ascoltatori musicali mediamente spoliticizzati, o politicamente inconsapevoli, per un disco di canzoni politiche?C'è troppo vintage, troppo culto del passato, perchè i Baustelle possano rappresentare un qualcosa di reattivo e di nuovo. Amen sembra un disco uscito nel 1978, dopo la grande delusione del '77: ha quegli umori. Ma chi li ha vissuti? Mio padre, non noi, non i Baustelle. Quei malumori, anche se non fossero un autoinganno, anche se fossero in buonafede, sono in ogni caso un vicolo cieco. Il presente fa schifo? Rifugiamoci nel passato, che persino le magagne del passato sono migliori, più degne, delle magagne di oggi. Come la si metta, è pur sempre vintage, sempificazione narcisistica di tutto quello che è venuto prima.Conclusione. Parlando degli spettatori che avevano amato La Notte di Antonioni alla sua uscita nei cinema, nel 1961, Pasolini osservava in loro un "intimo compiacimento di vivere in un mondo angoscioso, sì, ma salvato, ai loro occhi, dalla raffinatezza dell'angoscia". È tutto qui, e i Baustelle corrono questo rischio. Però non ho voglia di dirlo a mio padre. In fin dei conti i Baustelle sono fatti per lui, è giusto che a lui li lasci. È strano a pensarci: la musica del figlio che piace solo al padre. Può iniziare così un incruento omicidio?

Daniele Belleri

Libet - libreria del riacquisto

2008-04-13T23:55:00.000-07:00

Il gusto di rovistare

Se avete appena perso il vostro treno a Cadorna o se semplicemente vi capita di passare dalle parti di corso Magenta, sappiate che in via Terraggio 21, a un passo dall’Università Cattolica, si trova una libreria dell’usato unica nel suo genere. La Libet di Roberto Posca e Elena Ferrari ha aperto da poco ma si è imposta subito nel panorama cittadino per le sue attraenti peculiarità. Chiediamo ai due fondatori come è iniziata l’attività: “Abbiamo sempre lavorato come librai, ma vendevamo attraverso terzi, come grossisti. Nel settembre 2006 abbiamo voluto fare un passo in più, e tentare un lavoro differente: occuparci in prima persona di quello che proponevamo, con un rapporto diretto con i clienti”. Infatti è proprio il rapporto privilegiato riservato a chi entra alla Libet la grande qualità di questa libreria del riacquisto: “Diamo un normale servizio di librai. Seguiamo il cliente, lo consigliamo, cerchiamo il testo che potrebbe rispondere alle sue richieste, ed evitiamo cose come ‘avete qualcosa su Napoleone, provi a vedere là in fondo’. Certo, ci sono circa 20.000 volumi ed è difficile conoscerli tutti, ma un tempo chi faceva questo lavoro si comportava così”. Uno scambio fra chi vende e chi acquista impensabile oggi nelle grandi librerie di massa, più simili a centri commerciali che a venditori di cultura. Alla Libet i ogni titolo viene scelto e controllato singolarmente. I criteri? “Non scegliamo libri costosi: in genere cerchiamo quelli che i clienti chiedono di più perché esauriti o fuori catalogo. Oppure letture “scolastiche” che noi possiamo vendere a metà prezzo”. Perché dovreste decidere di non acquistare un usato? “Rifiutiamo edizioni in cattive condizioni. Poi ci sono degli argomenti che non trattiamo, come la giurisprudenza o l’informatica, perché invecchiano. Di solito evitiamo di acquistare autori da best sellers, pur sapendo che una volta messi sul banco vengono venduti subito. Trattiamo libri che hanno una durata nel tempo, opere che restano, si tratti di romanzi, saggi storici, cataloghi d’arte o di fotografia”. L’unico filo conduttore sembra essere la qualità, per il resto “È una normale libreria con letture che spaziano dalla cucina al teatro, dagli scacchi al design”. Ed è anche l’unica in Italia a fornire un servizio del genere, senza testi scolastici, con titoli su ogni argomento e dell’usato. Una attività che funziona: “la rotazione del magazzino è buona, e più che altro vanno riempiti gli spazi vuoti che si creano negli scaffali”. Un piccolo successo, perchè se da una parte l’atmosfera è intima e da quartiere, a rifornirsi alla Libet vengono da ogni parte della città come a confermare l’unicità dell’offerta. “Il prezzo, se il libro è in catalogo, di massima viene ridotto alla metà. Molto spesso però trattiamo titoli fuori catalogo ed è quindi la nostra esperienza a indicarci la cifra da porre. Certo, cerchiamo di essere coerenti e valutare in base al singolo volume, pur mantenendo un indice di accessibilità”. Prezzi alla portata di tutti che dovrebbero attirare anche ragazzi. Ma è davvero così? “Sicuramente vengono anche studenti, ma soprattutto per trovare autori o opere specifiche, letture universitarie. Che i giovani leggano poco è un dato di fatto, e in generale la nostra clientela è composta da persone di una certa età. Questo perché oggi i ragazzi hanno un approccio alla lettura più informatico, più veloce. E dire che qui abbiamo libri anche da 2 o 3 euro, quindi non è proprio una questione economica.” Quello che si è perso sembra essere il piacere della scoperta, la voglia di cercare fra gli scaffali - tutti rigorosamente ordinati secondo argomento e autore “Il gusto è rovistare e trovare qualcosa che non si stava cercando, di cui non si sospettava l’esistenza o con un’edizione a cui ci si sente più affezionati”. Un libro che era lì come ad aspettarti.

ERRATA CORRIGE

2008-04-11T10:32:00.000-07:00

Segnaliamo un errore presente nel numero di aprile, in distribuzione in questo periodo.

Nell'articolo su Io Santo, tu Beato (risate) a pagina 12, è stato eliminato per errore il paragrafo che presentava lo spettacolo dando informazioni sul dove e il quando. Alla base dell'errore c'era la necessità di aggiornare le date, visto il ritardo che ha colpito l'uscita di questo mese a causa delle festività pasquali. Per una svista è stato eliminato l'intero paragrafo proprio dal documento mandato in stampa.

Lo spettacolo è andato in scena nel mese di marzo al Teatro della Cooperativa, che ne è il produttore, ed era la ripresa di una piece andata in scena lo scorso anno.

Ci scusiamo con il Teatro della Cooperativa e il suo staff che ha dato prova di gentilezza e disponibilità durante tutta l'elaborazione dell'articolo.

Per maggiori info http://www.teatrodellacooperativa.it/

un nostro inedito

2008-04-07T09:58:00.000-07:00

La decima vittima di Elio Petri
Ovvero come sfuggire al proprio destino

Ursula è fasciata in un completino rosa, ha la schiena nuda e pantaloni attillati. Ha un bikini metallico, fatto a punte, da cui spara proiettili e uccide. Marcello ha i capelli tinti di biondo e indossa una tunica color paglierino: è il ministro del culto dei tramontisti, i quali ogni sera, in piedi su una spiaggia, piangono alla vista del sole che si inabissa in mare. In una villa poco distante, un coccodrillo nuota in piscina.
Se avete pensato a una generica, frivola commedia di serie B, non siete sulla strada giusta. Il thriller fantascientifico in questione è La decima vittima, di Elio Petri, con Ursula Andress e Marcello Mastroianni, del 1965. Che dire di Elio Petri: a seconda che amiate il cinema politico oppure no, suoi film degli anni Settanta come La classe operaia va in paradiso e Todo Modo potrebbero essere per voi o splendidi o insopportabili. La decima vittima è anche, a suo modo, una vicenda impegnata, ma non vi chiede di essere appassionati di storia contemporanea; compie quindi un piccolo miracolo per l'Italia. Un film politico può piacere a chiunque? La decima vittima è vario, mosso, a volte incongruente, e ha almeno un paio di colpi di scena memorabili. Nei costumi, nel design e nelle ambientazioni ha uno stile calcato, quasi caricaturale (gli anni Sessanta che immaginano il futuro), e anche solo questa potrebbe essere una ragione per consigliare il noleggio.
Tratto da un racconto di Robert Sheckley, La decima vittima ipotizza una futura società in cui la violenza sia gestita razionalmente da un'Autorità internazionale, attraverso l'istituzione di una Grande Caccia all'uomo in dieci tappe. Nell'adattamento della storia originale per il suo film, Petri inserisce alcuni accenni alla situazione italiana di metà anni Sessanta, in particolare sulla questione del divorzio, che sarà introdotto solo nel 1970. Anche nell'Italia futura de La decima vittima il divorzio non è mai stato legalizzato. A margine delle vicende della Grande Caccia si agita quindi il leit motiv dell'odio verso l'istituto del matrimonio da parte di Mastroianni, cui la Sacra Rota ha impiegato sei anni a concedere la separazione dalla ex moglie. A un certo punto il protagonista arriva a riferire alla plurimaritata, americana Andress che «in Italia non si sposa quasi nessuno, non conviene, non c'è ancora il divorzio... Si convive: siamo molto religiosi». Dello spirito di questa battuta è impregnata tutta la storia e in particolare il finale, quando i toni paradossali sono accentuati e La decima vittima si spinge sul confine della farsa.
Proviamo simpatia per Elio Petri. Questo film rappresenta il suo tentativo di sfuggire al proprio destino di regista impegnato. Sappiamo bene, con Hitchcock, come quest'ultima ambizione possa stare a cuore ad un autore. La decima vittima é la sperimentazione di un tipo di film politico meno stereotipato, più sottile, ma altrettanto efficace, e soprattutto divertente quanto un episodio dei migliori James Bond.

Daniele Belleri

Online il nuovo numero di imminente

2008-04-07T08:47:00.000-07:00

Finalmente è online il nuovo numero di imminente!

clicca sul link
http://imminente.altervista.org/4_02-aprile2008.pdf

Happening: un bilancio

2008-02-24T06:37:00.000-08:00

E' il 19 febbraio: carnevale, in fondo, non è passato poi da tanto. Carnevale, prima di diventare la celebrazione edonista che è oggi, per secoli è stato insieme una festa e l'espressione di un bisogno sociale. Carnevale è una collettiva mancanza di rispetto, un'eccezionale autorizzazione ad irridere quei simboli che per tutto l'anno sono sacri ed intoccabili. L'happening di Vieoltreuomo per l'Imminente ha voluto riprendere questi discorsi, correlando alla mascherata, alla sua estrema ingenuità politica, il volantino " Etsi Deus non daretur ", con il suo paio di precisazioni liberali (non era la blasfemia che ci interessava, restando il siloniano motto " Cristo viene prima della Chiesa " una dimensione in cui tutti, variamente, ci ritroviamo).

L'happening è durato poche ore, è stato molto visibile e di sicuro fraintendibile. Certo il nostro è stato un gesto elementare, una provocazione forte e immediata. Chiunque fosse passato davanti la Statale poteva incontrare tre uomini di chiesa, fra cui due alti prelati, che distribuivano le copie del nuovo numero dell'Imminente.

La maggioranza dei passanti hanno probabilmente preso quei travestimenti come un gesto fine a se stesso, senza interrogarsi sul significato che vi stava a monte. In quanto alle reazioni, poi, qualcuno ridacchiava fra sé e sé e tirava avanti, divertito; qualcuno si paralizzava di stupore, come la ragazza con gli occhiali da sole, il cappello e i pantaloni verdi, che compare all'inizio del filmato mentre sfoglia la nostra rivista; qualcun altro scuoteva la testa o esprimeva sommessamente il suo biasimo.

C'è stato poi qualche scambio di opinioni più articolato, momento centrale nella dinamica di questo happening. Vorremmo qui in particolare replicare per tutti a quel ragazzo con la coppola che, con modi fermi ma urbani, ha voluto esprimere i sentimenti di offesa che la nostra messinscena provocava in lui in quanto credente. Da parte nostra vorremmo tornare a far presente la premessa fondante dell'happening. Il disagio che quel ragazzo ha provato di fronte all'utilizzo da parte nostra dei panni sacramentali, un utilizzo abusivo e irrispettoso, insomma una " invasione di campo " indebita, è un disagio che i sostenitori della laicità dello Stato provano ogni giorno, e in ben altre dimensioni che non nella violazione di una mera formalità, quale quella dell'abito religioso. Senza allargare troppo la questione, non vogliamo tanto sostenere il diritto a irridere curati, vescovi, cardinali e papi, quanto evidenziare l'insopportabile asimmetria che caratterizza in Italia i rapporti tra il mondo laico (di credenti o non credenti) e il mondo dei credenti non laici, cui le gerarchie vaticane si pongono alla testa. Un'asimmetria che evidenzia come oggi, in Italia, il principio laico e civile di vivere la sfera pubblica " come se Dio non fosse dato " resti irrealizzato come in pochi altri paesi occidentali.
I vertici della Chiesa cattolica non portano grande rispetto nei confronti del mondo laico, di cui violano costantemente l'indipendenza. Quando invece qualcuno (e già è raro), dall'interno del mondo laico, tenti di proporre riflessioni critiche che evidenziano tale ennesima " anomalia italiana ", viene tacciato di terrorismo o di estremismo anticlericale. Per quel che ci riguarda, non vogliamo offrire alla Chiesa l'arma del vittimismo, già vilmente sfruttata in occasione dei fatti della Sapienza di gennaio. Se l'anticlericalismo, per fortuna, è scomparso, è contro ogni sua eventuale ripresa che è necessario che i laici si impegnino. L'inferiorità culturale dell'estremismo la lasciamo alla Chiesa e ai suoi baciapile.

Happening: il filmato

2008-02-19T18:50:00.000-08:00

Il filmato dell'happening del 19 febbraio 2008

Happening

2008-02-19T13:14:00.000-08:00

Il 19 febbraio 2008 dalla collaborazione con il gruppo Vieoltreuomo è nato un happening per la distribuzione dell'imminente.
Vieoltreuomo si definisce un collettivo di teatranti, musicisti, artisti visivi uniti nel promuovere una contaminazione di vita-teatro. L’happening è una forma d’arte che si realizza in un evento unico ed irripetibile, atto a liberare il pubblico dal ruolo di fruitore passivo.
In occasione dell'uscita del nuovo numero di imminente abbiamo organizzato un happening in linea con la linea editoriale del giornale, in particolare con la nostra volontà di criticare l'invadenza della Chiesa nello Stato italiano. Tre di noi hanno indossato abiti da Arcivescovo, da Cardinale e da Parroco e hanno distribuito la rivista intorno e all'interno dell'Università di via Festa del Perdono.
Qui di seguito il testo che accompagnava la rivista e spiegava il significato della nostra azione:

Etsi Deus non daretur

Dal momento che la Chiesa veste dei panni che non sono i suoi - quali quelli della politica, ma soprattutto della cultura, entrando nel merito di scelte individuali e libertà artistiche - noi scegliamo a nostra volta di vestire i panni della Chiesa.
Un paio di precisazioni:
1. La nostra azione non intende mancare di rispetto alla religione, ma solo porre una critica alla sua istituzione, nell'atteggiamento invadente e dogmatico che troppo spesso la contraddistingue.
2. La nostra azione non intende entrare nel merito di discussioni teologiche e posizioni spritualistiche, che non ci competono. Queste sono peculiari del campo d'azione della Chiesa, come di ogni altra autorità religiosa esistente.
Se noi ci curiamo di fare queste precisazioni, le gerarchie della Chiesa, invece, non portano altrettanto rispetto nei confronti del mondo laico, di cui violano costantemente l'indipendenza.
Abbiamo deciso di proporvi questa metafora dell'"indossare dei panni che non sono i nostri" in occasione della distribuzione dell'imminente, periodico di arte e cultura, al quarto anno di finanziamento dell'Università Statale di Milano.

Presentazione

2008-02-16T08:40:00.000-08:00

Se siete delle matricole, o se in passato non vi è mai capitato di avere a che fare con noi, sappiate che l'Imminente, negli ultimi 3 anni, è stato una rivista di cinema. Da quest'anno non lo è più: a partire dal numero di febbraio 2008, il cinema perde il suo monopolio. È una rivista largamente mutata quella che leggete oggi, che torna a uscire dopo un'interruzione di oltre sei mesi. La causa del ritardo è un altro ritardo: quello dei fondi dell'Università che ci permettono di stampare la rivista in formato cartaceo. Un ritardo propizio, in un certo senso, che ci ha concesso mesi di inattività forzata, nei quali le riflessioni sullo stato e sul futuro del nostro progetto sono venute spontanee. Da lì è venuto il cambiamento. Eravamo arrivati ad un punto nel quale l'Imminente si era costituito un'identità che sentivamo cristallizzata, senza più fantasia. Ciò che abbiamo ritenuto mancasse era una visione di fondo, un metodo di approccio etico, la messa a fuoco di alcune questioni e domande precise. Il primo passo è stato quello di individuare i capisaldi di ciascuno di noi, le linee guida della nostra esperienza culturale e umana, il giusto e sbagliato. Ma è solo dalla messa in discussione, dalla critica di tali linee guida che abbiamo trovato la risposta alla nostra domanda di cambiamento: una dialettica capace di rendere vivo e di far crescere il nostro progetto. Ci siamo interrogati riguardo all'identità di ciò che per noi aveva valore, e se tale identità fosse ancora oggi integra o se fosse stata corrotta. E ancora, se all'origine della corruzione ci fossero la consapevolezza e la volontà dell'avvenuto mutamento, o se fossero innocenza e ingenuità ad esserne la causa. E’ proprio da qui, dal punto in cui ingenuità e consapevolezza si scontrano che nasce La Maglietta, la prima nuova rubrica all'interno del giornale: nel momento in cui un personaggio o un progetto di valore viene reso fenomeno popolare, nel senso peggiore del termine, ripulito dalle contraddizioni e stampato su una maglietta, ridotto a icona pop. Si tratta di un processo invisibile nel suo farsi, evidente nel suo risultato. Da qui una critica che spazierà dalla televisione (già sul numero di febbraio con Blob) alla Musica, da Internet alla Letteratura.
Tratteremo di Fotografia, con la rubrica Obiettivi, dando spazio ogni mese a giovani appassionati con una rassegna a tema dei loro migliori scatti.
Con Menocchio è nostra intenzione dedicare spazio a quelle manifestazioni artistiche e culturali in genere che riescono con equilibrio e intelligenza a mettere in dubbio e criticare il ruolo ingombrante della Chiesa Italiana all'interno della nostra società, della politica e della comunicazione.
Erede del passato è invece la rubriche Gli Occhi Strabuzzati, su quelle figure di uomini e donne capaci di rappresentare con la loro esperienza un modello di coerenza etica e umiltà intellettuale in diversi campi della cultura.
E ancora Musikanten, sull'incontro tra musica e cinema, e Made In Italy, alla ricerca di nuovi e sconosciuti capolavori del cinema italiano.
Insomma il cinema c'è ancora, ma è solo una parte del tutto. Sappiamo che smettere di parlarne è un rischio, per una rivista che sul cinema si è costruita tutto il suo seguito. D’altra parte è una sfida fondamentale, una possibilità esaltante di costruire qualcosa di intelligente e originale.